MÉGABIT PAR SECONDE
Anne-Sophie Auclerc
«
Avec la plupart de mes proches, les appels ont cessé et se sont substitués à des messages plus occasionnels pour prendre des nouvelles, car même si ces échanges permettaient de maintenir un lien, l’absence du corps de l’autre renforçait la sensation de privation des connexions les plus élémentaires : pouvoir se toucher, partager le même air, les mêmes lumières, (...) ou occuper l’espace.
»
PRÉFACE
Journal intime dévoilant l’introspection et le rituel thérapeutique développé par un groupe d’amies pendant le confinement de mars 2020, au sein de leur foyer respectif. À travers divers médiums, l’auteure interroge le temps qui s’égrène et sépare, le fantasme de la proximité des corps disparus et le partage virtuel de moments via différents réseaux.
Journal intime dévoilant l’introspection et le rituel thérapeutique développé par un groupe d’amies pendant le confinement de mars 2020, au sein de leur foyer respectif. À travers divers médiums, l’auteure interroge le temps qui s’égrène et sépare, le fantasme de la proximité des corps disparus et le partage virtuel de moments via différents réseaux.
BIOGRAPHIE
Anne-Sophie Auclerc est diplômée des arts graphiques et de photographie. Elle développe un travail documentaire et artistique qui questionne notre rapport aux images, au temps et à la mémoire. Elle propose des mises en scène métaphoriques et poétiques, dont le langage photographique s’étend à la pratique de la vidéo, de l’écriture et de la scénographie.
Anne-Sophie Auclerc est diplômée des arts graphiques et de photographie. Elle développe un travail documentaire et artistique qui questionne notre rapport aux images, au temps et à la mémoire. Elle propose des mises en scène métaphoriques et poétiques, dont le langage photographique s’étend à la pratique de la vidéo, de l’écriture et de la scénographie.
PROJET D'UN MONUMENT
CONSACRÉ À L'AMOUR
Berger & Berger
«
Bertolucci formule l’hypothèse d’une liaison désintéressée, réduite à la pure pulsion du désir, et la possibilité d’un espace qui l’accueille (…) Le film est tourné dans des décors naturels et artificiels : Passy et le pont de Bir-Hakeim (…) qui articule distinctement la circulation du métro aérien, des voitures et des piétons. Une multitude de flux sans rencontre, à l’instar des protagonistes.
»
PRÉFACE
Reconstitution exhaustive des réels espaces de tournage du film polémique Le dernier Tango à Paris — déroulant le fantasme d’une aventure avec un.e inconnu.e — de Bernardo Bertolucci, sorti en 1972. À partir d’un travail d’enquête et de visites, les auteurs produisent l’élévation de l’immeuble et le plan de l’appartement filmé tout en révélant une incohérence spatiale.
Reconstitution exhaustive des réels espaces de tournage du film polémique Le dernier Tango à Paris — déroulant le fantasme d’une aventure avec un.e inconnu.e — de Bernardo Bertolucci, sorti en 1972. À partir d’un travail d’enquête et de visites, les auteurs produisent l’élévation de l’immeuble et le plan de l’appartement filmé tout en révélant une incohérence spatiale.
BIOGRAPHIE
Berger&Berger est une agence d’architecture basée à Paris. Elle envisage les disciplines des arts plastiques, du design, de la scénographie et de l’architecture comme connexes, spécifiques et partiellement différentes ; contribuant à une construction complexe, riche et contradictoire du réel, de l’espace, imaginaire, scénique, paysager ou muséal.
Berger&Berger est une agence d’architecture basée à Paris. Elle envisage les disciplines des arts plastiques, du design, de la scénographie et de l’architecture comme connexes, spécifiques et partiellement différentes ; contribuant à une construction complexe, riche et contradictoire du réel, de l’espace, imaginaire, scénique, paysager ou muséal.
LIAISONS OSCILLO-BATTANTES
Atelier Apara
«
Dans l’histoire de l’art, c’est toujours l’espace du dedans que l’on circonscrit aux femmes tandis que le dehors est alloué aux hommes (…) Le rôle féminin détient la position d’objet-de-désir, et le rôle masculin celle du regardeur (…) Les vitrines du Quartier Rouge, sont-elles alors la représentation contemporaine de la femme à sa fenêtre attendant d’être conquise par son prince ?
»
PRÉFACE
Regard spatio-temporel, entre Paris et Amsterdam, sur la fenêtre comme seuil influent des prémices de l’amour : des fantasmes, des désirs et de leurs dérives. Au-delà de l’étude d’une diversité d’œuvres artistiques au prisme de la question du genre, les auteur.e.s évoquent la virtualisation, la diminution des surfaces et la perte de sens de nos ouvertures.
Regard spatio-temporel, entre Paris et Amsterdam, sur la fenêtre comme seuil influent des prémices de l’amour : des fantasmes, des désirs et de leurs dérives. Au-delà de l’étude d’une diversité d’œuvres artistiques au prisme de la question du genre, les auteur.e.s évoquent la virtualisation, la diminution des surfaces et la perte de sens de nos ouvertures.
BIOGRAPHIE
Charlotte Guillochon et Victor Mesguich lancent AParA en 2020. L’atelier travaille aussi bien sur des projets d’architecture d’intérieur que des programmes d’établissements recevant du public. Leurs travaux permettent de nourrir des passions communes : de la réflexion sur l’usage des espaces, des questions structurelles, jusqu’au travail de détail.
Charlotte Guillochon et Victor Mesguich lancent AParA en 2020. L’atelier travaille aussi bien sur des projets d’architecture d’intérieur que des programmes d’établissements recevant du public. Leurs travaux permettent de nourrir des passions communes : de la réflexion sur l’usage des espaces, des questions structurelles, jusqu’au travail de détail.
OBSESSIVE COMPULSIVE DESIGN
Ex Figura
« All these different constraints were assaults on the dream, stripping away most of its conceptual qualities (...) Only through the model was it possible to observe many new light and shadow effects that were beyond the imagination (...) It was the dream being informed by its representation, allowing it to grow and evolve.
»
PRÉFACE
A sensual and compulsive odyssey constructing a parallel between amorous fantasy and the process of conception of an architectural project. The authors theorise four shared stages via the presentation of one of their references — a meditation space in Portugal — then reveal the object of their obsession and its architectural transcription.
A sensual and compulsive odyssey constructing a parallel between amorous fantasy and the process of conception of an architectural project. The authors theorise four shared stages via the presentation of one of their references — a meditation space in Portugal — then reveal the object of their obsession and its architectural transcription.
BIOGRAPHIE
Ex Figura is a studio focused on an experimental methodology and a parallel research on new ways of making architecture, thinking flexible spaces, building and exploring new shapes. They partnered with WDC Valencia 2022 to create a vision of the future of the city. Their passion towards every form of art is merely the starting point of an obsessive and methodical process.
Ex Figura is a studio focused on an experimental methodology and a parallel research on new ways of making architecture, thinking flexible spaces, building and exploring new shapes. They partnered with WDC Valencia 2022 to create a vision of the future of the city. Their passion towards every form of art is merely the starting point of an obsessive and methodical process.
OMNISCIUS,
OMNIPOTENS,
OMNIPRAESENS
Maximilien Pellegrini
«
Intervenant sur les profondeurs, les décalages et les transparences, la typographie devient topographie et dessine les contours d’un objet profane rendant grâce à diverses typologies d’amours sacrés (...) Ce contre-espace fictionnel mais non moins palpable (…) devient un lieu d’élaboration d’une autre manière de décrire, de dire et de faire les amours.
»
PRÉFACE
Recherche plastique fondée sur la translation typographique des écrits et des icônes sacrées en un objet hybride, tridimensionnel et mouvant, figurant une nouvelle spatialisation atopique de l’adoration. Les photographies de l’œuvre sont introduites par son processus d’élaboration et son inscription historique entre culte de l’image et iconoclasme.
Recherche plastique fondée sur la translation typographique des écrits et des icônes sacrées en un objet hybride, tridimensionnel et mouvant, figurant une nouvelle spatialisation atopique de l’adoration. Les photographies de l’œuvre sont introduites par son processus d’élaboration et son inscription historique entre culte de l’image et iconoclasme.
BIOGRAPHIE
Maximilien Pellegrini, designer graphique indépendant, déploie un langage visuel exigeant, se basant sur des fondamentaux du style graphique suisse. Il développe le design d’affiches, le web design, le design éditorial ou encore l’identité visuelle. Après trois années d’enseignement à l’Académie de Meuron — école d’arts visuels à Neuchâtel — il en prend la direction en 2022.
Maximilien Pellegrini, designer graphique indépendant, déploie un langage visuel exigeant, se basant sur des fondamentaux du style graphique suisse. Il développe le design d’affiches, le web design, le design éditorial ou encore l’identité visuelle. Après trois années d’enseignement à l’Académie de Meuron — école d’arts visuels à Neuchâtel — il en prend la direction en 2022.
BOYS
Services Généraux
«
Les hommes sont éduqués pour conquérir (le monde, l’espace, des marchés économiques ou des femmes) et les femmes pour se penser comme des proies.(…) la conquête d’une femme qu’il « baise rapidement », confirme sa désirabilité et donc, sa masculinité. Car selon la légende, être un homme (un vrai), c’est choper, baiser, donner au cul une importance fondamentale.
»
PRÉFACE
Corpus photographique sur l’hypervirilité et ses stéréotypes, ouvrant la conversation à divers interlocuteur·rice·s. En réaction, un texte d’Haude Rivoal — Même les méchants rêvent d’amour — théorise la masculinité et son apprentissage, en la confrontant à la féminité, à partir du SMS d’un homme racontant une récente rencontre.
Corpus photographique sur l’hypervirilité et ses stéréotypes, ouvrant la conversation à divers interlocuteur·rice·s. En réaction, un texte d’Haude Rivoal — Même les méchants rêvent d’amour — théorise la masculinité et son apprentissage, en la confrontant à la féminité, à partir du SMS d’un homme racontant une récente rencontre.
BIOGRAPHIE
Services Généraux est un studio de création multidisciplinaire dédié à la conception et à la production de récits visuels. Le studio crée des contenus et des expériences, qu’il s’agisse d’images, d’objets ou d’espaces, au service de marques, d’agences, d’institutions et d’artistes. Ces médiums résonnent dans les industries de la mode, des arts, de la musique, et du design.
Services Généraux est un studio de création multidisciplinaire dédié à la conception et à la production de récits visuels. Le studio crée des contenus et des expériences, qu’il s’agisse d’images, d’objets ou d’espaces, au service de marques, d’agences, d’institutions et d’artistes. Ces médiums résonnent dans les industries de la mode, des arts, de la musique, et du design.
APPARAT, QUAND TU NOUS TIENS
Arlab
«
Avec l’avènement de l’ère numérique, les architectes, comme les autres créateurs, doivent suivre le dicton « ce qui ne tient pas sur l’écran ne sera pas vu » (…) Ainsi, à New York, le navire de l’artiste Thomas Heatherwick — un escalier menant vers nulle part — a été conçu pour que ses proportions s’intègrent idéalement dans le cadre carré d’Instagram, afin qu’il soit « partageable ». »
PRÉFACE
Recherche illustrée abordant l’influence numérique de la culture du paraître sur le statut actuel de l’architecte, son processus de conception et ses modes de représentation du projet. Dissimulant de multiples recettes de séduction et une analyse critique de leur propre pratique, les auteur·es livrent un manifeste pour une réévaluation du sens et du texte.
Recherche illustrée abordant l’influence numérique de la culture du paraître sur le statut actuel de l’architecte, son processus de conception et ses modes de représentation du projet. Dissimulant de multiples recettes de séduction et une analyse critique de leur propre pratique, les auteur·es livrent un manifeste pour une réévaluation du sens et du texte.
BIOGRAPHIE
Arlab — collectif d’architectes, de designers et d’artistes — a été cofondé en 2020 par Marianne Ghorayeb et Romain d’Incau. Ce laboratoire expérimental entend créer des synergies positives entre les différents corps de métier, en développant des projets spéculatifs et théoriques, tout en opérant dans le réel, via une pratique scénographique.
Arlab — collectif d’architectes, de designers et d’artistes — a été cofondé en 2020 par Marianne Ghorayeb et Romain d’Incau. Ce laboratoire expérimental entend créer des synergies positives entre les différents corps de métier, en développant des projets spéculatifs et théoriques, tout en opérant dans le réel, via une pratique scénographique.
RENCONTRES DE FAÇADES
Loïc Rakotomalala
«
Nous commencions à traverser ce lieu illuminé de néons qui diffusaient un blanc aseptisé (...) Le jour, on ressent son étroitesse qui rend la friction entre les passants obligatoire et le soir, on s’y sent seul et caché. Il paraît angoissant en raison de son sol en carrelage blanc, sale comme de la neige, sans cesse nettoyé inutilement entre le passage de milliers de voyageurs.
»
PRÉFACE
Lettre ouverte en cinq actes qui dépeignent les pérégrinations d’un personnage fictif multipliant les conquêtes et décrivant l’architecture avec ses maux comme le théâtre et le sujet de ses rencontres. La contribution, illustrée par des photographies de lieux de rendez-vous inédits, se prolonge sous la forme d’un site internet collectant visuels, échanges et captations audio.
Lettre ouverte en cinq actes qui dépeignent les pérégrinations d’un personnage fictif multipliant les conquêtes et décrivant l’architecture avec ses maux comme le théâtre et le sujet de ses rencontres. La contribution, illustrée par des photographies de lieux de rendez-vous inédits, se prolonge sous la forme d’un site internet collectant visuels, échanges et captations audio.
BIOGRAPHIE
Loïc Rakotomalala est directeur artistique. Après ses études au Campus Fonderie de l’image, il fait ses premiers pas en agence de publicité. Pendant l’écriture de son mémoire — L’impact du design graphique à grande échelle — il développe une affection pour les fictions narratives et spéculatives.
Loïc Rakotomalala est directeur artistique. Après ses études au Campus Fonderie de l’image, il fait ses premiers pas en agence de publicité. Pendant l’écriture de son mémoire — L’impact du design graphique à grande échelle — il développe une affection pour les fictions narratives et spéculatives.
CORONAVILLE 2 : SÉDUIRE OU MOURIR
Nicolas Houssais
«
Entre les logements, la transparence des parois autorisent à observer les voisin·es et à les séduire (...) Tous les espaces participant à la détérioration du corps ou à son repos physique sont supprimés. Seules la salle de bain et le dressing sont contenus dans un bloc circulaire orné de miroirs convexes qui incitent à accentuer les séances de musculation sur les machines personnelles.
»
PRÉFACE
Dystopie érigeant la rencontre et la séduction dans le réel comme uniques raisons de vivre et moyens de survivre. Dans la continuité du premier épisode publié dans le numéro inaugural, ce récit de fiction en réinvente les préceptes et détourne les modalités des applications de rencontre pour les transformer en normes urbanistiques, architecturales et juridiques.
Dystopie érigeant la rencontre et la séduction dans le réel comme uniques raisons de vivre et moyens de survivre. Dans la continuité du premier épisode publié dans le numéro inaugural, ce récit de fiction en réinvente les préceptes et détourne les modalités des applications de rencontre pour les transformer en normes urbanistiques, architecturales et juridiques.
BIOGRAPHIE
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les ÉDITIONS POLYGONE en 2023, avec Quentin Dejonghe.
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les ÉDITIONS POLYGONE en 2023, avec Quentin Dejonghe.
L'AMOUR À L'ÉPREUVE DU NÉOLIBÉRALISME
Annabelle Sebban
«
(…) sur la plupart des sites de rencontres, le corps incarné est remplacée par sa mise en scène qui introduit un écart entre le moi virtuel et le moi réel (...) il est considéré comme un élément fonctionnel indépendant de l’esprit et comme une marchandise qui peut être exposée à la vue de tous, tandis qu'il figure comme le réceptacle de ce que nous avons de plus intime.
»
PRÉFACE
Essai philosophique théorisant l’influence de l’idéologie marchande sur la rencontre amoureuse, à travers une immersion au cœur de l’architecture des applications de dating. Après ce réquisitoire contre la virtualisation de l’espace du date, l’auteure prône la restauration de la rencontre dans le réel : une ode à l’imprévisibilité, à l’authenticité et à la poésie.
Essai philosophique théorisant l’influence de l’idéologie marchande sur la rencontre amoureuse, à travers une immersion au cœur de l’architecture des applications de dating. Après ce réquisitoire contre la virtualisation de l’espace du date, l’auteure prône la restauration de la rencontre dans le réel : une ode à l’imprévisibilité, à l’authenticité et à la poésie.
BIOGRAPHIE
Annabelle Sebban est philosophe et professeure de lettres à Paris. Spécialiste de la pensée existentielle de Léon Chestov et de Benjamin Fondane, elle a publié plusieurs articles qui contribuent à diffuser les réflexions de ces deux auteurs méconnus en France. Le thème de l’amour nourrit ses poèmes inspirés de la sensualité et de la spiritualité des poètes persans.
Annabelle Sebban est philosophe et professeure de lettres à Paris. Spécialiste de la pensée existentielle de Léon Chestov et de Benjamin Fondane, elle a publié plusieurs articles qui contribuent à diffuser les réflexions de ces deux auteurs méconnus en France. Le thème de l’amour nourrit ses poèmes inspirés de la sensualité et de la spiritualité des poètes persans.
QUAND L'AMOUR FAITE DATE :
ENJEUX URBAINS DES RENCONTRES VIRTUELLES
Antoine Ordureau
«
L’espace numérique des applications de rencontres est fondé sur des éléments de localisation et ponctué de lieux réels, mais (…) chaque ville, chaque édifice est supprimé de son contexte, de l’histoire, et de la culture qui les virent naître (…) Chaque utilisateur.ice participe à ce que l’urbain et l’architectural soient définitivement sacrifiés sur l’autel du junkspace. »
PRÉFACE
Essai théorique traitant de la rencontre virtuelle via les applications, de la séduction numérique jusqu’à la matérialisation charnelle dans le réel. Opérant des analogies avec des réflexions d’architectes et de philosophes, l’auteur dissèque les multiples influences et présences réciproques de la ville et de l’architecture dans le date et ses outils.
Essai théorique traitant de la rencontre virtuelle via les applications, de la séduction numérique jusqu’à la matérialisation charnelle dans le réel. Opérant des analogies avec des réflexions d’architectes et de philosophes, l’auteur dissèque les multiples influences et présences réciproques de la ville et de l’architecture dans le date et ses outils.
BIOGRAPHIE
Antoine Ordureau est philosophe. Il a publié divers articles sur son blog, Ernest Roth Diary, au sein desquels il a interrogé le féminisme, la religion, le rapport à autrui, mais aussi l’amour et le sentiment amoureux. En 2021, il a soutenu un mémoire de philosophie de l’art intitulé L’architecture japonaise, entre rationalité et sentiment esthétique des choses.
Antoine Ordureau est philosophe. Il a publié divers articles sur son blog, Ernest Roth Diary, au sein desquels il a interrogé le féminisme, la religion, le rapport à autrui, mais aussi l’amour et le sentiment amoureux. En 2021, il a soutenu un mémoire de philosophie de l’art intitulé L’architecture japonaise, entre rationalité et sentiment esthétique des choses.
DES VILLES DÉSIRABLES
Thomas Prudor
«
Que cela se fasse par des moyens légaux ou sur le mode de la désobéissance civile, changer la ville passe par l’occupation de l’espace public et sa co-construction. (...) La participation est aussi le moyen de retrouver un rôle actif dans sa formation, loin de celui, passif, d’un public spectateur au sein d’un tissu urbain façonné par les mécanismes de marché.
»
PRÉFACE
Plaidoyer révélant des expérimentations inclusives, fondées sur la co-conception des espaces publics et la cohabitation des populations, en réaction à la compétition inhumaine que se livrent les métropoles du monde. Prenant l’exemple de Paris, l’auteur en dissèque les stratagèmes de séduction afin d’attirer les publics ciblés tout en se débarrassant des indésirables.
Plaidoyer révélant des expérimentations inclusives, fondées sur la co-conception des espaces publics et la cohabitation des populations, en réaction à la compétition inhumaine que se livrent les métropoles du monde. Prenant l’exemple de Paris, l’auteur en dissèque les stratagèmes de séduction afin d’attirer les publics ciblés tout en se débarrassant des indésirables.
BIOGRAPHIE
Thomas Prudor, architecte, s’intéresse à l’édition et à la recherche. Influencé par David Harvey, John Dewey ou encore David Graeber, il explore, entre autres, de capter la manière dont l’architecture peut accompagner des pratiques plus démocratiques de fabrique urbaine, à rebours des logiques utilitaristes de la ville technocratique et néolibérale.
Thomas Prudor, architecte, s’intéresse à l’édition et à la recherche. Influencé par David Harvey, John Dewey ou encore David Graeber, il explore, entre autres, de capter la manière dont l’architecture peut accompagner des pratiques plus démocratiques de fabrique urbaine, à rebours des logiques utilitaristes de la ville technocratique et néolibérale.
THE BLISS OF CONFORMITY
Yigguang Guo
—
EN — «
Avec la plupart de mes proches, les appels ont cessé et se sont substitués à des messages plus occasionnels pour prendre des nouvelles, car même si ces échanges permettaient de maintenir un lien, l’absence du corps de l’autre renforçait la sensation de privation des connexions les plus élémentaires : pouvoir se toucher, partager le même air, les mêmes lumières, (...) ou occuper l’espace.
»
PRÉFACE
A series of photographs focalised on the commodification of single people in the People’s Park in Shanghai. Revealing how this matrimonial cattle market is structured by the parents, the visuals are illustrated by a text analysing the spatialisation, the modalities and the future of this disappearing tradition.
A series of photographs focalised on the commodification of single people in the People’s Park in Shanghai. Revealing how this matrimonial cattle market is structured by the parents, the visuals are illustrated by a text analysing the spatialisation, the modalities and the future of this disappearing tradition.
BIOGRAPHIE
Yingguang Guo, photographer, studied first in China, then at the UAL in London. She has collaborated with various media and press agencies such as China Daily and Reuters. She has moved from a purely documentary process towards a more interdisciplinary style: drawing, performance, video, and photography with engraving.
Yingguang Guo, photographer, studied first in China, then at the UAL in London. She has collaborated with various media and press agencies such as China Daily and Reuters. She has moved from a purely documentary process towards a more interdisciplinary style: drawing, performance, video, and photography with engraving.
LOVING FROM LAS VEGAS
rerum
«
Ici, le double de la tour Eiffel côtoie une réplique du Canal Grande et on peut se rendre en gondole à la reproduction de la Fontaine de Trévi. À l’image d’une collection, la ville émane de l’union de styles, d’époques, d’archétypes et de formes empruntées. Le signe domine l’espace, la forme est sculpturale. Les chapelles des années 2000 n’ont ni dieu, ni architectes.
»
PRÉFACE
Trajet spatio-temporel le long du strip de Las Vegas à la découverte des wedding chapels — temples du mariage en accéléré — et de leur influence réciproque sur l’hyperville de l’amour et du vice. S’appuyant sur un récit critique, atmosphérique et illustré, les auteures révèlent l’architecture de ces lieux d’unions, leurs cérémonials et leurs réinventions actuelles.
Trajet spatio-temporel le long du strip de Las Vegas à la découverte des wedding chapels — temples du mariage en accéléré — et de leur influence réciproque sur l’hyperville de l’amour et du vice. S’appuyant sur un récit critique, atmosphérique et illustré, les auteures révèlent l’architecture de ces lieux d’unions, leurs cérémonials et leurs réinventions actuelles.
BIOGRAPHIE
rerum est une agence d’architecture fondée en 2020, œuvrant à la diffusion d’une « culture climatique », par la conception d’une architecture contemporaine contextuelle, dans ses dimensions sensible, contingente et théorique. Les projets explorent leur environnement culturel, social et naturel dans la production d’édifices « acclimatés ».
rerum est une agence d’architecture fondée en 2020, œuvrant à la diffusion d’une « culture climatique », par la conception d’une architecture contemporaine contextuelle, dans ses dimensions sensible, contingente et théorique. Les projets explorent leur environnement culturel, social et naturel dans la production d’édifices « acclimatés ».
CES HABITATS QUI UNISSENT
ET COLLECTENT NOS VIES
Noémie de Bellaigue
«
La photographie fixe un événement dont notre esprit se saisit pour le faire vivre plus longtemps. (...) La liberté d’interprétation de ces scènes de vie revient alors au·à la spectateur·rice. (...) cellui-ci peut être amené·e à s’interroger sur la façon dont ces personnes se rassemblent et fusionnent dans un lieu commun : par amour, par nécessité, ou par obligation d’amour.
»
PRÉFACE
Album photo de familles construit sur divers continents afin de témoigner des liens qui unissent les habitant·e·s à leur habitat, mais également celles et ceux qui cohabitent. L’auteure illustre sa collection par un court texte théorique qui n’est pas voué à analyser ces multiples connexions mais à discourir sur la double appropriation de la photographie et de son observation par autrui.
Album photo de familles construit sur divers continents afin de témoigner des liens qui unissent les habitant·e·s à leur habitat, mais également celles et ceux qui cohabitent. L’auteure illustre sa collection par un court texte théorique qui n’est pas voué à analyser ces multiples connexions mais à discourir sur la double appropriation de la photographie et de son observation par autrui.
BIOGRAPHIE
Noémie de Bellaigue est journaliste et photojournaliste. Reportrice à Beyrouth pour des titres locaux et français pendant trois années, elle est désormais installée à Barcelone depuis 2020. Elle a notamment réalisé plusieurs séries photographiques sur l'émancipation des jeunes filles béninoises dans les villages peuls grâce, entre autres, à leur alphabétisation.
Noémie de Bellaigue est journaliste et photojournaliste. Reportrice à Beyrouth pour des titres locaux et français pendant trois années, elle est désormais installée à Barcelone depuis 2020. Elle a notamment réalisé plusieurs séries photographiques sur l'émancipation des jeunes filles béninoises dans les villages peuls grâce, entre autres, à leur alphabétisation.
LOVEPLAN
Cyril Gauthier
«
La moitié des logements parisiens sont occupés par des personnes seules (…) Il suffirait donc que chacun de ces célibataires ou solos rencontre un partenaire et décide de vivre en couple ou simplement sous le même toit pour libérer un espace tel que l’on assisterait à (...) la création d’un parc dans la partie ouest dont on fait table rase tout en conservant quelques monuments importants (…)
»
PRÉFACE
Cartographie fantasmée, radicale et multiscalaire de la capitale française : du Grand Paris à son troisième arrondissement. Érigeant la cohabitation forcée des personnes vivant seules comme hypothèse à la problématique de l’étalement des logements, et à celle du manque d’espace verts urbains, l’auteur interroge les expérimentations urbanistiques des années 1970.
Cartographie fantasmée, radicale et multiscalaire de la capitale française : du Grand Paris à son troisième arrondissement. Érigeant la cohabitation forcée des personnes vivant seules comme hypothèse à la problématique de l’étalement des logements, et à celle du manque d’espace verts urbains, l’auteur interroge les expérimentations urbanistiques des années 1970.
BIOGRAPHIE
Cyril Gauthier est co-fondateur de l’agence d’architecture Freaks. Il a développé une pratique artistique lui permettant, entre autres, d’exposer son Loveplan à Paris (Galerie Intuiti), Belgrade, Istanbul et Berlin (The First International Roaming Biennial of Tehran). Il a également enseigné à l’ENSA-Marseille ainsi qu’à l’ENSA Lyon.
Cyril Gauthier est co-fondateur de l’agence d’architecture Freaks. Il a développé une pratique artistique lui permettant, entre autres, d’exposer son Loveplan à Paris (Galerie Intuiti), Belgrade, Istanbul et Berlin (The First International Roaming Biennial of Tehran). Il a également enseigné à l’ENSA-Marseille ainsi qu’à l’ENSA Lyon.
SEX, CRUISING AND BODYBUILDING
Camille Valette & Alexis le Gallo
«
Aujourd’hui la ville est ponctuée de poches pornotopiques qui mettent en scène le sexe dans un environnement contrôlé, localisé, et soumis aux règles du capitalisme. (...) on architecture les plaisirs en lieux clos pour gommer les désirs sensibles de l’espace de la rue. La libération érotique (…) se charge alors d’une puissance de contestation des codes établis : le sexe est toujours politique.
»
PRÉFACE
(Re)présentation textuelle et visuelle de cinq érotopies — des fictions architecturales, érotiques et queer — de diverses échelles vouées à s’insérer dans les interstices de la ville normée et privée de sens. Ces récits et ces images suggestives sont accompagnées d’un manifeste pour la reconquête sexuelle de l’espace public, par la perte et la révolte.
(Re)présentation textuelle et visuelle de cinq érotopies — des fictions architecturales, érotiques et queer — de diverses échelles vouées à s’insérer dans les interstices de la ville normée et privée de sens. Ces récits et ces images suggestives sont accompagnées d’un manifeste pour la reconquête sexuelle de l’espace public, par la perte et la révolte.
BIOGRAPHIE
Camille Valette et Alexis Le Gallo sont architectes. Leur projet de fin d’études Sex, Cruising & Bodybuilding, réalisé en 2020, est né d’une envie commune de mettre en avant le thème de l’érotisme dans le domaine architectural. En 2018, iels ont par ailleurs créé le collectif Do:mi:no qui relie deux passions partagées : le design graphique et les musiques électroniques.
Camille Valette et Alexis Le Gallo sont architectes. Leur projet de fin d’études Sex, Cruising & Bodybuilding, réalisé en 2020, est né d’une envie commune de mettre en avant le thème de l’érotisme dans le domaine architectural. En 2018, iels ont par ailleurs créé le collectif Do:mi:no qui relie deux passions partagées : le design graphique et les musiques électroniques.
NUIT DE TOKYO
Jirô Ishikawa
«
À 20h27, le couple se promène dans un parc où des amants occasionnels se livrent à des ébats comme autant de préludes convenus aux leurs (...) À 22h33, après une course en taxi, voici le love hotel (...) La vie ordinaire n’est autre qu’un continuum sexuel mortifère, un monde où l’amour, physique et sans issue, se fait presque malgré soi, se subit et se perpétue, jamais ne se dit.
»
PRÉFACE
Bande dessinée dystopique exhibant une capitale japonaise hypersexualisée, dans laquelle les citadin·es et les édifices sont coiffé·es d’un gland, et le quotidien rythmé par le travail puis le coït. Ces fragments sont introduits par un texte déchiffrant l'œuvre et dévoilant la vie intime et solitaire de Jirô, rédigé par Laurent Bruel, fondateur des Éditions Matières.
Bande dessinée dystopique exhibant une capitale japonaise hypersexualisée, dans laquelle les citadin·es et les édifices sont coiffé·es d’un gland, et le quotidien rythmé par le travail puis le coït. Ces fragments sont introduits par un texte déchiffrant l'œuvre et dévoilant la vie intime et solitaire de Jirô, rédigé par Laurent Bruel, fondateur des Éditions Matières.
BIOGRAPHIE
Jirô Ishikawa est illustrateur et mangaka. À 14 ans, la découverte de la revue de bande dessinée Garo l’électrise. Son premier livre paraît en 1989, le suivant en 2009. Entre les deux, la pression de son travail et l’abus de médicaments le mènent à la dépression et à la relégation sociale. En 2017, les Éditions Matière publient C’est comme ça avant qu’il ne retourne au Japon sans laisser de trace.
Jirô Ishikawa est illustrateur et mangaka. À 14 ans, la découverte de la revue de bande dessinée Garo l’électrise. Son premier livre paraît en 1989, le suivant en 2009. Entre les deux, la pression de son travail et l’abus de médicaments le mènent à la dépression et à la relégation sociale. En 2017, les Éditions Matière publient C’est comme ça avant qu’il ne retourne au Japon sans laisser de trace.
AU 30ÈME CIEL
Manon Deck-Sablon
«
Au sein de cette hétérotopie urbaine, les notions de rapports de domination et de propriété — spatiales comme affectives — tentent d’être bannies (…) La scénographie de ce volume muable s’opère par les va-et-vient permanent des matelas et des draps présents dans tous les espaces (…) Le soir, la sexualité tumultueuse et violente (avec consentement) sont autorisées.
»
PRÉFACE
Immersion au sein du 30 ème ciel — communauté sexpositive résidant à Paris — dévoilant ses règles, ses espaces, ses usages et ses limites. Via la description architecturale de ce lieu de vie et d’accueil manifeste mêlant amour, corps et sexualité, l’auteure offre un autre regard sur l’habiter, illustrée par l’un des événements qui s’y déroule : la Liquid Love.
Immersion au sein du 30 ème ciel — communauté sexpositive résidant à Paris — dévoilant ses règles, ses espaces, ses usages et ses limites. Via la description architecturale de ce lieu de vie et d’accueil manifeste mêlant amour, corps et sexualité, l’auteure offre un autre regard sur l’habiter, illustrée par l’un des événements qui s’y déroule : la Liquid Love.
BIOGRAPHIE
Manon Deck-Sablon, architecte et paysagiste, est passionnée de photographie. Au travers de ses visuels aussi bien absurdes que poétiques, les corps nus s’entremêlant à l’architecture brutaliste sont anonymes, sans visage, désexualisés et dégenrés. Elle s’interroge notamment sur les relations — de pouvoir, de genre ou amoureuses — entre les individu·e·s d’une société.
Manon Deck-Sablon, architecte et paysagiste, est passionnée de photographie. Au travers de ses visuels aussi bien absurdes que poétiques, les corps nus s’entremêlant à l’architecture brutaliste sont anonymes, sans visage, désexualisés et dégenrés. Elle s’interroge notamment sur les relations — de pouvoir, de genre ou amoureuses — entre les individu·e·s d’une société.
CARYATIDE : REPENSER L'ÉROTISME PAR L'ORNEMENT
Paolo Nazario
«
La caryatide ne peut résister après la Seconde Guerre mondiale, pendant laquelle les corps ont été brutalisés. La façade opaque cède sa place au verre : cette frontière invisible exhibe les corps et l’intimité des usager·ère·s tel un théâtre du quotidien (...) Dans le même temps, la disparition de l’ornement acte celui de l’altérité féminine et de l’objectification des corps féminins.
»
PRÉFACE
Histoire critique de la caryatide et de l’atlante — respectivement statues de corps de femmes et d’hommes — comme symboles de l’érotisme et de la sensualité en architecture. À travers une recherche illustrée de références architecturales iconiques des mouvements architecturaux dominants, l’auteur questionne les codes et le devenir de ces figures de pierre.
Histoire critique de la caryatide et de l’atlante — respectivement statues de corps de femmes et d’hommes — comme symboles de l’érotisme et de la sensualité en architecture. À travers une recherche illustrée de références architecturales iconiques des mouvements architecturaux dominants, l’auteur questionne les codes et le devenir de ces figures de pierre.
BIOGRAPHIE
Paolo Nazario a fait des études littéraires avant de se rendre à Rome où il présenta ses peintures lors de son premier solo show. Il a récemment rejoint la rédaction de la revue italienne Panteon, axée sur l’architecture romaine du Novecento, et il poursuit actuellement un mémoire de recherche portant sur la réception de l’Énéide au Moyen-Âge.
Paolo Nazario a fait des études littéraires avant de se rendre à Rome où il présenta ses peintures lors de son premier solo show. Il a récemment rejoint la rédaction de la revue italienne Panteon, axée sur l’architecture romaine du Novecento, et il poursuit actuellement un mémoire de recherche portant sur la réception de l’Énéide au Moyen-Âge.
4000 YENS, 60 MINUTES
Émilie Noyer & Adrien Shimizu
«
Nous voulions triturer les commutateurs de volume sonore, de température, ainsi que celui du diffuseur d’odeurs avant que l’on ne se triture nous-même. Lumière variable en intensité et en couleurs, morceaux de musique sélectionnés au goût de notre hôte, nous nous trouvions dans la cabine hermétique d’un vaisseau de croisière.
»
PRÉFACE
Voyage érotique au cœur du Japon à la découverte des love hotels via un récit hybride : historique, puis immersif et sensoriel. Ce dernier dessine un hôtel de l’amour générique comme une ode à la fusion des corps dénudés et des paroles collectées. L’ensemble est illustré par des photographies issues de pérégrinations au sein d’établissements tokyoïtes.
Voyage érotique au cœur du Japon à la découverte des love hotels via un récit hybride : historique, puis immersif et sensoriel. Ce dernier dessine un hôtel de l’amour générique comme une ode à la fusion des corps dénudés et des paroles collectées. L’ensemble est illustré par des photographies issues de pérégrinations au sein d’établissements tokyoïtes.
BIOGRAPHIE
Émilie Noyer et Adrien Shimizu sont respectivement graphiste et pianiste au Japon. En 2021, iels se rendent à Fukushima dix ans après la catastrophe, où iels interviewent et récoltent de nombreux fragments dans le cadre des recherches d’Émilie, focalisées sur la désinformation de la presse japonaise depuis le triple accident nucléaire.
Émilie Noyer et Adrien Shimizu sont respectivement graphiste et pianiste au Japon. En 2021, iels se rendent à Fukushima dix ans après la catastrophe, où iels interviewent et récoltent de nombreux fragments dans le cadre des recherches d’Émilie, focalisées sur la désinformation de la presse japonaise depuis le triple accident nucléaire.
LES CARROUSELS DES AMOURS INTERDITS
Armelle Breuil
«
Leur circularité facilite les déplacements autour des hommes affairés à l’urinoir et permet deux actions simultanées : pendant que l’un se soulage, l’autre peut l’observer avant de le choisir comme partenaire sexuel (…) Leur modification visant à laisser dépasser les pieds et vérifier qu’ils ne se chevauchent pas ne suffit pas et en 1961 un arrêté municipal interdit leur utilisation.
»
PRÉFACE
Exploration illustrée des expérimentations architecturales européennes nées de la répression de l’homosexualité et de la pratique du cruising au siècle dernier. Entre réappropriation d’espaces publics urbains et conception d’édifices privés, l’auteure évoque aussi les combats actuels pour un enseignement et une pratique de l’architecture moins hétéronormée.
Exploration illustrée des expérimentations architecturales européennes nées de la répression de l’homosexualité et de la pratique du cruising au siècle dernier. Entre réappropriation d’espaces publics urbains et conception d’édifices privés, l’auteure évoque aussi les combats actuels pour un enseignement et une pratique de l’architecture moins hétéronormée.
BIOGRAPHIE
Armelle Breuil est architecte. En 2020, elle crée à Oslo l’agence d’architecture ACT ainsi que le collectif de recherche Safe Space qui entend explorer la diversité, la représentation et l’équité dans l’architecture en Norvège. Activiste environnementaliste, elle milite pour une responsabilisation des architectes vis à vis des crises contemporaines.
Armelle Breuil est architecte. En 2020, elle crée à Oslo l’agence d’architecture ACT ainsi que le collectif de recherche Safe Space qui entend explorer la diversité, la représentation et l’équité dans l’architecture en Norvège. Activiste environnementaliste, elle milite pour une responsabilisation des architectes vis à vis des crises contemporaines.
VOYAGE À LA DÉCOUVERTE DU CORPS POLITIQUE
Giuditta Trani
«
La découverte sexuelle de l'espace parlementaire révèle (…) que les hommes veulent encore une fois y planter un drapeau, pour signifier la conquête de leur territoire (…) et déclarer, de manière peu subtile, leur suprématie (…) Le Parlement s'affirme alors non seulement comme hétérotopie, au même titre que les maisons closes, mais surtout comme une pornotopie intemporelle.
»
PRÉFACE
Recherche sur l’érotisme des lieux de pouvoirs que sont les parlements, suivie d’une pénétration fictive de l’exemple italien : le Montecitorio. Basé sur les confidences radiodiffusées du député Sgarbi, piratées par les théories d’Ugo La Pietra, l’auteure développe un récit fantasmagorique illustré par une carte des zones érogènes du corps politique.
Recherche sur l’érotisme des lieux de pouvoirs que sont les parlements, suivie d’une pénétration fictive de l’exemple italien : le Montecitorio. Basé sur les confidences radiodiffusées du député Sgarbi, piratées par les théories d’Ugo La Pietra, l’auteure développe un récit fantasmagorique illustré par une carte des zones érogènes du corps politique.
BIOGRAPHIE
Giuditta Trani est une architecte et musicienne basée en Italie. En 2017, elle cofonde le collectif Eterotopia qui mène des projets à l’échelle territoriale et qui enquête sur le patrimoine immatériel de lieux déconnectés du territoire italien. Son diplôme, obtenu en 2019, réside en une exploration de l’architecture des parlements en tant qu’objets politiques.
Giuditta Trani est une architecte et musicienne basée en Italie. En 2017, elle cofonde le collectif Eterotopia qui mène des projets à l’échelle territoriale et qui enquête sur le patrimoine immatériel de lieux déconnectés du territoire italien. Son diplôme, obtenu en 2019, réside en une exploration de l’architecture des parlements en tant qu’objets politiques.
SEXE, LITTÉRATURE ET JARDINS
Théophile Chatelais
«
L’architecture n’est plus tant un objet esthétique qu’un cadre politique (...) À Vals, le bâtiment s’efface comme il disparaîtrait sous la neige, recouvert par les digressions d’un esprit vacillant. Les corps dénudés d’éphèbes ou de vieillards deviennent pour Dustan l’objet d’une réflexion sur une société où la jeunesse n’est plus un carcan. (...) Je crois qu’il est triste de n’avoir pu y faire l’amour librement.
»
PRÉFACE
Fragments de récits érotiques rédigés par des plumes internationales, introduits et conclus par des œuvres références et des mises en abyme spatiales de l’auteur. Par cette collection de jardins singuliers, ce dernier ébauche et réveille le désir inachevé de lieux publics de plaisir charnel pour tou·te·s, chers à l’écrivain Guillaume Dustan.
Fragments de récits érotiques rédigés par des plumes internationales, introduits et conclus par des œuvres références et des mises en abyme spatiales de l’auteur. Par cette collection de jardins singuliers, ce dernier ébauche et réveille le désir inachevé de lieux publics de plaisir charnel pour tou·te·s, chers à l’écrivain Guillaume Dustan.
BIOGRAPHIE
Théophile Chatelais, architecte, est diplômé de l’école Paris Val-de-Seine en 2015 et de l’école de paysage de Versailles en 2016. Il travaille depuis cinq années au sein de l’agence NP2F tout en poursuivant, en parallèle, une licence de philosophie à l’université de Nanterre et une formation d’horticulture au jardin du Luxembourg.
Théophile Chatelais, architecte, est diplômé de l’école Paris Val-de-Seine en 2015 et de l’école de paysage de Versailles en 2016. Il travaille depuis cinq années au sein de l’agence NP2F tout en poursuivant, en parallèle, une licence de philosophie à l’université de Nanterre et une formation d’horticulture au jardin du Luxembourg.
ESPACE FAMILIER,
LE FOYER COMME RÉCEPTACLE DE L'INTIME
Bettina Pittaluga
«
Trop souvent, la nudité est automatiquement liée à la sexualité (...) Je les dissocie, car il peut y avoir de la sensualité entre une mère et son enfant par exemple. (...) Dans mon travail, la nudité n’est pas une fin en soi, néanmoins l’action de se mettre à nu devant un·e inconnu·e, je le prends comme un don : celui de son intimité et potentiellement de ses fragilités.
»
PRÉFACE
Album de photographies argentiques dans l’intimité physique et corporelle de membres des deux familles de l’artiste — choisie et non choisie — lors d’événements de vie : de la naissance au deuil. Ces souvenirs sont colorés d’un entretien focalisé sur l’espace familier et les liens qui s’y créent à travers la notion de confiance et la nudité requestionnée.
Album de photographies argentiques dans l’intimité physique et corporelle de membres des deux familles de l’artiste — choisie et non choisie — lors d’événements de vie : de la naissance au deuil. Ces souvenirs sont colorés d’un entretien focalisé sur l’espace familier et les liens qui s’y créent à travers la notion de confiance et la nudité requestionnée.
BIOGRAPHIE
Bettina Pittaluga, photographe franco-uruguayenne formée à la sociologie, capture des instants de vie intimes et sensibles à l’argentique mettant en lumière des personnes encore trop souvent invisibilisé·e·s dans l’espace médiatique. Artiste engagée, ses clichés nous transportent dans leur intériorité et ils engagent nos regards vers l’altérité.
Bettina Pittaluga, photographe franco-uruguayenne formée à la sociologie, capture des instants de vie intimes et sensibles à l’argentique mettant en lumière des personnes encore trop souvent invisibilisé·e·s dans l’espace médiatique. Artiste engagée, ses clichés nous transportent dans leur intériorité et ils engagent nos regards vers l’altérité.
UN JOUR APRÈS L'AUTRE
Laure Manissadjian
«
Pour continuer à se déplacer, il a besoin d’un déambulateur à roulettes, et les traces de ses allers et venues sont imprimées sur le lino (…) Il m’a fallu six mois pour accepter d’être devenue le parent de mon parent (…) Ce sacrifice non rémunéré fait écho à la charge mentale qu’une mère (ou moins souvent un père) assimile lorsque lui revient la lourde responsabilité des enfants et du foyer.
»
PRÉFACE
Récit scénographique traitant de l’accueil volontaire d’un aïeul en fin de vie au sein du foyer familial, animé par les femmes qui l’ont accompagné. Nourris d’entretiens de proches et de personnel du care, la narration est illustrée de plans traitant de l’évolution spatiale de la maison : avant, pendant et après le départ du grand-père de l’auteure.
Récit scénographique traitant de l’accueil volontaire d’un aïeul en fin de vie au sein du foyer familial, animé par les femmes qui l’ont accompagné. Nourris d’entretiens de proches et de personnel du care, la narration est illustrée de plans traitant de l’évolution spatiale de la maison : avant, pendant et après le départ du grand-père de l’auteure.
BIOGRAPHIE
Laure Manissadjian est étudiante en architecture. Après un séjour aux États-Unis dans l’école de femmes Smith College, elle réalise que son engagement féministe intersectionnel peut se retrouver au coeur de sa pratique architecturale. Son mémoire, lui permet d’explorer la façon dont des femmes se construisent en tant qu’architectes.
Laure Manissadjian est étudiante en architecture. Après un séjour aux États-Unis dans l’école de femmes Smith College, elle réalise que son engagement féministe intersectionnel peut se retrouver au coeur de sa pratique architecturale. Son mémoire, lui permet d’explorer la façon dont des femmes se construisent en tant qu’architectes.
LÀ OÙ VIVENT LES SIRÈNES
Renaud Barret
«
Lorsque ces femmes issues de tribus ont rejoint la ville dans les années 1970, elles ont créé des lieux de prostitution puis des espaces de sociabilité faisant d’elles des patronnes et inversant le rapport de dépendance aux hommes (...) Puis, la société s’est effondrée (...) Aujourd’hui, elles portent en elles des apocalypses discrètes, des odyssées sidérantes et des combats titanesques.
»
PRÉFACE
Entretien dévoilant les relations d’amour multiples qu’entretient l’auteur avec capitale congolaise et ses habitant·es, et plus particulièrement le gang de jeunes mères surnommées « P8 ». Ode aux femmes rebelles et résistantes, le dialogue abordant la sororité et sa spatialisation est illustré par des photographies extraites de son dernier film Là où vivent les sirènes (2023).
Entretien dévoilant les relations d’amour multiples qu’entretient l’auteur avec capitale congolaise et ses habitant·es, et plus particulièrement le gang de jeunes mères surnommées « P8 ». Ode aux femmes rebelles et résistantes, le dialogue abordant la sororité et sa spatialisation est illustré par des photographies extraites de son dernier film Là où vivent les sirènes (2023).
BIOGRAPHIE
Renaud Barret est auteur-réalisateur et photographe. En 2003, il découvre Kinshasa dont l’énergie créative de ses performeurs de rue, le sidère. Il y vit près de six ans, puis y dédie la suite de son parcours, à travers la réalisation de l’ensemble de ses films et la co-création de La Belle Kinoise qui s’attache à révéler les artistes de « Kin » en les produisant.
Renaud Barret est auteur-réalisateur et photographe. En 2003, il découvre Kinshasa dont l’énergie créative de ses performeurs de rue, le sidère. Il y vit près de six ans, puis y dédie la suite de son parcours, à travers la réalisation de l’ensemble de ses films et la co-création de La Belle Kinoise qui s’attache à révéler les artistes de « Kin » en les produisant.
TOUT RESTE À FAIRE,
MAIS TOUT SERA FAIT
PEROU
«
(…) j’ai assisté à des cours et à des rendus de projet dont l’objectif était de créer un hôpital sur un terrain fictif alors que juste de l’autre côté de la rue, il y avait sans doute besoin urgent de prendre et faire soin. L’école d’architecture n’a pas conscience qu’elle est une chance pour la ville et la ville qu’elle est une chance pour l’école.
»
PRÉFACE
Voyage généalogique au cœur du PEROU : Pôle d'Exploration des Ressources Urbaines. À travers un entretien illustré, son cofondateur Sébastien Thiéry remonte aux origines de l’attention inclusive, équitable et tendre qui infuse sa lutte et ses actions contre le sans-abrisme, impacte sa vie et ses relations, informe sa vision de l’architecture et de son enseignement.
Voyage généalogique au cœur du PEROU : Pôle d'Exploration des Ressources Urbaines. À travers un entretien illustré, son cofondateur Sébastien Thiéry remonte aux origines de l’attention inclusive, équitable et tendre qui infuse sa lutte et ses actions contre le sans-abrisme, impacte sa vie et ses relations, informe sa vision de l’architecture et de son enseignement.
BIOGRAPHIE
Créée en septembre 2012, par le politiste Sébastien Thiéry et le jardinier Gilles Clément, le PEROU — Pôle d’Exploration des Ressources Urbaines — est une association loi 1901. Laboratoire de recherche-action sur la ville hostile, elle articule actions sociales et architecturales en réponse au péril alentour, et renouvelle ainsi savoirs et savoir-faire sur la question.
Créée en septembre 2012, par le politiste Sébastien Thiéry et le jardinier Gilles Clément, le PEROU — Pôle d’Exploration des Ressources Urbaines — est une association loi 1901. Laboratoire de recherche-action sur la ville hostile, elle articule actions sociales et architecturales en réponse au péril alentour, et renouvelle ainsi savoirs et savoir-faire sur la question.
CONTRE L'AMOUR
Octave Chicoteau
«
Je ne peux dire que je « fais l’amour » avec mes ami·e·s, mes parents, mon frère, mes sœurs, mes enseignant·e·s, mon chien… mais je n’en pense pas moins (…) Pour fabriquer de l’amour ne semblent suffire que des actes sexuels, de préférence au sein d’un couple homme-femme et selon une chorégraphie de mouvements figés, tandis qu’en-dehors de tout conformisme, on ne fait que « baiser ».
»
PRÉFACE
Pamphlet bicéphale dé(cons)truisant d’abord l’amour exclusif, normé et dominant, via son double discours et sa matérialisation — faire l’amour. Puis, à travers un appel à la révolte entrecoupé de poésies personnelles, l’auteur exige et définit une distinction supplémentaire de l’amour : ouverte au partage, à l’altérité et aux sphères non sexuées.
Pamphlet bicéphale dé(cons)truisant d’abord l’amour exclusif, normé et dominant, via son double discours et sa matérialisation — faire l’amour. Puis, à travers un appel à la révolte entrecoupé de poésies personnelles, l’auteur exige et définit une distinction supplémentaire de l’amour : ouverte au partage, à l’altérité et aux sphères non sexuées.
BIOGRAPHIE
Octave Chicoteau est auteur et chercheur en sciences sociales. Ses études à l’EHESS, orientées vers la littérature comparée et centrées sur des questions d’écopoétique, son travail d’écriture ainsi que son engagement écologique l’ont conduit à formuler une réflexion sur la nature du vivant et l’une de ses réalités fondamentales : le besoin de contact.
Octave Chicoteau est auteur et chercheur en sciences sociales. Ses études à l’EHESS, orientées vers la littérature comparée et centrées sur des questions d’écopoétique, son travail d’écriture ainsi que son engagement écologique l’ont conduit à formuler une réflexion sur la nature du vivant et l’une de ses réalités fondamentales : le besoin de contact.
DE L'AMOUR DU LOINTAIN
Nagy Makhlouf & Ruben Kharat
«
Aux USA, elle est de plus en plus construite, grande et coûteuse, tandis qu’elle a de moins en moins d’habitant·x·e·s (…) L’édifice le plus grand que la loi permet pourrait être habité par plus d'une famille ou par un grand nombre de personnes non apparentées. Pourtant, le zonage ne permet que des « habitations unifamiliales isolées », et définit la « famille » de manière très restrictive.
»
PRÉFACE
Investigation focalisée sur la maison individuelle — américaine et standardisée — comme réceptacle de l'amour familial soumis à d’aliénantes normes architecturales, législatives, sociales et financières. Les auteurs renseignent par des schémas et en questionnent la capacité à représenter le support de l’amour du lointain : celui qui épargne.
Investigation focalisée sur la maison individuelle — américaine et standardisée — comme réceptacle de l'amour familial soumis à d’aliénantes normes architecturales, législatives, sociales et financières. Les auteurs renseignent par des schémas et en questionnent la capacité à représenter le support de l’amour du lointain : celui qui épargne.
BIOGRAPHIE
Nagy Makhlouf est architecte et doctorant à l’EPFL. Ses recherches portent sur le dessin de l'économie politique de la production de l'espace, notamment du logement pavillonnaire. Ruben Kharat est architecte. Il aime cartographier les couches de forces intangibles qui façonnent l'architecture, et faire émerger de cette pratique des possibilités de transformation du réel.
Nagy Makhlouf est architecte et doctorant à l’EPFL. Ses recherches portent sur le dessin de l'économie politique de la production de l'espace, notamment du logement pavillonnaire. Ruben Kharat est architecte. Il aime cartographier les couches de forces intangibles qui façonnent l'architecture, et faire émerger de cette pratique des possibilités de transformation du réel.
LA FLEUR DE L'AIR
Mylène Charrion
«
Quelque chose a mal tourné. J’ai pas vu. J’ai plein de place, tout un grand espace. Je suis vide (…) Tout est pillé, saccagé, dévasté. Seule la colère demeure. Elle s’est conviée sans retenue. Petit à petit elle détient le territoire. Elle a pris le corps, dévoré l’esprit, pétrifié la mine. Elle s’édifie. Elle élabore et collabore avec la culpabilité, l’impuissance, l’invalidité.
»
PRÉFACE
Témoignage d’une relation irréalisée et marginalisée, qui constitue un renversement antinomique de la traversée générique de l’amour : un déni de grossesse. À travers un texte émancipateur et subversif, l’auteure déclenche une (re)construction rédactionnelle en développant divers modes d’écriture relatifs aux états physiques et mentaux traversés.
Témoignage d’une relation irréalisée et marginalisée, qui constitue un renversement antinomique de la traversée générique de l’amour : un déni de grossesse. À travers un texte émancipateur et subversif, l’auteure déclenche une (re)construction rédactionnelle en développant divers modes d’écriture relatifs aux états physiques et mentaux traversés.
BIOGRAPHIE
Mylène Charrion est architecte. Elle collabore actuellement au sein de l’agence Martin Duplantier Architectes. Cette envie, cette vocation ont garanti et évité, en partie, un basculement évident pour un amour aujourd’hui perdu dans les abysses de la mort. La fleur de l’air, la part manquante sont les appellations de cet amour physique inconstruit.
Mylène Charrion est architecte. Elle collabore actuellement au sein de l’agence Martin Duplantier Architectes. Cette envie, cette vocation ont garanti et évité, en partie, un basculement évident pour un amour aujourd’hui perdu dans les abysses de la mort. La fleur de l’air, la part manquante sont les appellations de cet amour physique inconstruit.
LES OUBLIÉ⋅E⋅S
Morgane Rupil
«
Presque toutes les rues de cette ville ont une histoire à propos de mes amants (…) Ces lieux de ruptures se trouvent partout (…) alors pourquoi ne pas les faire apparaître, les intégrer dans l’espace public et les transformer en espaces de recueillement ? (…) Faut-il rêver de villes spectrales où se dressent tous ces endroits marqués par la perte amoureuse ?
»
PRÉFACE
Cimetière plastique et textuel symbolisant la rupture amoureuse, par l’union de tombes évanescentes dispersées dans la ville du Havre et de fragments d’histoire d’amour déchues. L’auteure théorise le deuil amoureux, puis présente des relations dont le lieu de péremption constitue l’ancrage de stèles nominatives et dont la durée en influe la dimension.
Cimetière plastique et textuel symbolisant la rupture amoureuse, par l’union de tombes évanescentes dispersées dans la ville du Havre et de fragments d’histoire d’amour déchues. L’auteure théorise le deuil amoureux, puis présente des relations dont le lieu de péremption constitue l’ancrage de stèles nominatives et dont la durée en influe la dimension.
BIOGRAPHIE
Morgane Rupil est graphiste et artiste. Son mémoire, Le cœur brouillon, entend explorer la notion de « hantement », en prenant comme point de départ les ruptures amoureuses. À travers l’archivage de témoignages, ses recherches ont pour but d’écouter, de rassembler des fragments de vies et de redonner du sens aux traces les plus ordinaires.
Morgane Rupil est graphiste et artiste. Son mémoire, Le cœur brouillon, entend explorer la notion de « hantement », en prenant comme point de départ les ruptures amoureuses. À travers l’archivage de témoignages, ses recherches ont pour but d’écouter, de rassembler des fragments de vies et de redonner du sens aux traces les plus ordinaires.
INFOS
Publié en 2023 dans
POLYGONE n°1 — Amour
10 pages
Revue papier
Article numérique
Publié en 2023 dans
POLYGONE n°1 — Amour
10 pages
Revue papier
Article numérique
CHER FRANÇOIS-HENRI PINAULT
École Zéro
«
(…) la haine attisée engendre presque toujours simultanément un amour potentiel. Dans une forme d’équilibre primaire, quasi- mystique, vous avez participé à la construction d’une lutte qui dure et d’une expérimentation dont nous sommes fier·es. (…) Faire école est une façon de fédérer nos têtes et nos cœurs, une forme d’amour trop oubliée entre les murs de nos établissements.
»
PRÉFACE
Lettre post-rupture adressée au PDG du Groupe Kering, fossoyeur de l’indispensable annexe de l’école d’architecture de Paris-Malaquais. Au-delà d’évoquer les raisons du divorce, ce courrier se mue ironiquement en une déclaration d’amour, érigeant la rupture en point de départ d’une nouvelle union dont surgira la naissance de l’École Zéro.
Lettre post-rupture adressée au PDG du Groupe Kering, fossoyeur de l’indispensable annexe de l’école d’architecture de Paris-Malaquais. Au-delà d’évoquer les raisons du divorce, ce courrier se mue ironiquement en une déclaration d’amour, érigeant la rupture en point de départ d’une nouvelle union dont surgira la naissance de l’École Zéro.
BIOGRAPHIE
École Zéro est un collectif d’expérimentations né en 2019 en réponse à la destruction du bâtiment Lenoir. Iels inventent des manières de vivre en commun, d’apprendre les un·es des autres, de compléter les enseignements des écoles d’architecture, d’approcher et de mieux comprendre les milieux ruraux, de créer un commun plus vivant que jamais.
École Zéro est un collectif d’expérimentations né en 2019 en réponse à la destruction du bâtiment Lenoir. Iels inventent des manières de vivre en commun, d’apprendre les un·es des autres, de compléter les enseignements des écoles d’architecture, d’approcher et de mieux comprendre les milieux ruraux, de créer un commun plus vivant que jamais.
INFOS
Publié en 2023 dans
POLYGONE n°1 — Amour
8 pages
Revue papier
Article numérique
Publié en 2023 dans
POLYGONE n°1 — Amour
8 pages
Revue papier
Article numérique
LES ÉCRIVAIN⋅ES AIMENT LA VILLE (MAIS DÉTESTENT LES ARCHITECTES)
Clémentin Rachet
«
Voilà à quoi semblent devoir se satisfaire les architectes houellebecquiens : jamais des personnages principaux, mais des pères, par deux fois, mourant ou déjà morts, symbolisant également, si l’on veut, une forme de paternalisme d’état, et la toute-puissance dont il a pu faire preuve en termes d’aménagement, à l’image des grands travaux mitterrandiens.
»
PRÉFACE
Chronique d’une rupture entre écrivain·es et architectes : de l’admiration réciproque à la haine unilatérale envers celleux qui construisent le réel. À travers des fragments d’œuvres littéraires célébrant les marges de la ville et de projets architecturaux intégrant les écrivain·es, l’auteur déconstruit cette division et son potentiel dépassement.
Chronique d’une rupture entre écrivain·es et architectes : de l’admiration réciproque à la haine unilatérale envers celleux qui construisent le réel. À travers des fragments d’œuvres littéraires célébrant les marges de la ville et de projets architecturaux intégrant les écrivain·es, l’auteur déconstruit cette division et son potentiel dépassement.
BIOGRAPHIE
Clémentin Rachet — architecte, enseignant et doctorant — publie en 2015 l’essai Topologies, au milieu du monde de Michel Houellebecq, et collabore avec l’agence Ferrier Marchetti Studio depuis 2017. Il a cofondé le collectif614 qui propose divers formats éditoriaux pour projeter des alternatives aux récits dominants dans les champs de l’architecture et de l’urbanisme.
Clémentin Rachet — architecte, enseignant et doctorant — publie en 2015 l’essai Topologies, au milieu du monde de Michel Houellebecq, et collabore avec l’agence Ferrier Marchetti Studio depuis 2017. Il a cofondé le collectif614 qui propose divers formats éditoriaux pour projeter des alternatives aux récits dominants dans les champs de l’architecture et de l’urbanisme.
LE PRIX D'UN PITBULL
Matthieu Peck
«
Il faut arriver porte de la Villette pour être pris par cette ardeur pénétrante, absolument virulente, d’Hommes en comparution immédiate avec le réel (…) C’est une bretelle qui, plus haut, englobe la capitale dans son capharnaüm solitaire et suffocant – cette muraille qui fait dos aux exclus, aux banlieues, et les nargue en imitant leur laideur.
»
PRÉFACE
Nouvelle dévoilant une réelle pérégrination post-méridienne dans l’Est parisien vers un de ses symboles architecturaux de la rupture : le mur séparant la Porte de la Villette et la ville de Pantin. Cette immersion sensorielle, parsemée de faits historiques et d’anecdotes, présente les personnages et les architectures qui animent ce territoire de l’abandon.
Nouvelle dévoilant une réelle pérégrination post-méridienne dans l’Est parisien vers un de ses symboles architecturaux de la rupture : le mur séparant la Porte de la Villette et la ville de Pantin. Cette immersion sensorielle, parsemée de faits historiques et d’anecdotes, présente les personnages et les architectures qui animent ce territoire de l’abandon.
BIOGRAPHIE
Matthieu Peck est écrivain. Il publie en 2019 son premier roman, Trismus, aux éditions Bartillat, puis une nouvelle, Rose flou, en réponse à Décadence et destruction, de Pierre Drieu La Rochelle, aux éditions marcel. En avril 2023, sortira son second roman Déjà les mouches, chez Gallimard.
Matthieu Peck est écrivain. Il publie en 2019 son premier roman, Trismus, aux éditions Bartillat, puis une nouvelle, Rose flou, en réponse à Décadence et destruction, de Pierre Drieu La Rochelle, aux éditions marcel. En avril 2023, sortira son second roman Déjà les mouches, chez Gallimard.
BAP! — VISIBLE INVISIBLE
VISIBLE INVISIBLE
Guillaume Ramillien & Nicolas Dorval-Bory
«
À partir de premières expérimentations bioclimatiques ou liées à l’énergie solaire — comme celles des scientifiques Félix Trombe ou Maria Telkes dans les années 1950 — de nombreuses initiatives d’architectures autonomes en énergie naissent à cette période, confortées d’un côté par les utopies communautaires et de l’autre par le choc pétrolier de 1973. La fascination pour les climats extrêmes nourrit ainsi déjà la Modernité tardive — l’architecture tropicale de Jean Prouvé (La Maison Tropicale de Niamey, 1949) ou celle alpine de Charlotte Perriand (Refuge Tonneau, 1938).
»
PRÉFACE
Face à l’urgence écologique, comment faire émerger de nouvelles formes architecturales à partir des matériaux et énergies disponibles localement ? Si un terroir peut être défini comme la rencontre d’un sol, d’un climat et de savoir-faire, l’architecture est de façon similaire la mise en forme, au travers d’une culture particulière, de matières et de climats intérieurs, des ressources visibles et invisibles. « La cabane ou le feu ? » : en 1969, le critique Reyner Banham définit l’architecture comme une stratégie double liée à un milieu, et l’illustre par l’histoire d’une tribu qui « arriverait au soir dans un campement bien approvisionné en bois ». Pour satisfaire à sa condition homéotherme face à la nuit, le potentiel de ce bois peut être exploité selon deux méthodes : construire un abri — la solution structurelle —, ou alimenter un feu ou un foyer — la solution énergétique. Un demi-siècle plus tard, et face aux enjeux environnementaux, l’exposition Visible Invisible interroge les formes architecturales contemporaines qui peuvent naître de cette redécouverte de la rationalité matérielle et énergétique.
Face à l’urgence écologique, comment faire émerger de nouvelles formes architecturales à partir des matériaux et énergies disponibles localement ? Si un terroir peut être défini comme la rencontre d’un sol, d’un climat et de savoir-faire, l’architecture est de façon similaire la mise en forme, au travers d’une culture particulière, de matières et de climats intérieurs, des ressources visibles et invisibles. « La cabane ou le feu ? » : en 1969, le critique Reyner Banham définit l’architecture comme une stratégie double liée à un milieu, et l’illustre par l’histoire d’une tribu qui « arriverait au soir dans un campement bien approvisionné en bois ». Pour satisfaire à sa condition homéotherme face à la nuit, le potentiel de ce bois peut être exploité selon deux méthodes : construire un abri — la solution structurelle —, ou alimenter un feu ou un foyer — la solution énergétique. Un demi-siècle plus tard, et face aux enjeux environnementaux, l’exposition Visible Invisible interroge les formes architecturales contemporaines qui peuvent naître de cette redécouverte de la rationalité matérielle et énergétique.
BIOGRAPHIES
Guillaume Ramillien remporte le concours Europan 9 après avoir été diplômé de l’ENSA Lyon en 2006. Il fonde son atelier en 2008, à Paris. En 2016, il est lauréat des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes puis, en 2020, du Europe 40\40. Il enseigne à l’ÉNSA Versailles depuis 2011. Saisi des notions de finitude et d’intermittence des ressources dans un contexte de bouleversements climatiques et écologiques, son travail s’attache à valoriser les différentes formes d’énergies — humaines et naturelles — des lieux où il intervient, en préservant leurs équilibres. La prééminence de la notion d’environnement — géologique, biologique, atmosphérique et culturel — lui fait considérer l’architecture comme l’art de qualifier, et souvent de réparer, les écotones des milieux anthropisés. En 2022, il est co-commissaire, avec Nicolas Dorval-Bory, de l’exposition Visible Invisible.
Nicolas Dorval-Bory est diplômé de l’ENSA Paris-Val de Seine en 2007, et crée son bureau à Paris en 2008. Après des collaborations au Chili et en Argentine, entre 2009 et 2010, Nicolas Dorval-Bory Architectes intervient aujourd’hui sur une large gamme d’échelles en France et à l’étranger. Plus que toute perspective dogmatique, son travail aborde le réel de manière rationnelle mais expérimentale, considérant chaque projet comme un climat où les matières visibles et invisibles génèrent des interactions fortes. En 2016, Nicolas Dorval-Bory est récompensé par le prix national des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes, décerné par le Ministère de la Culture. Il enseigne depuis 2011, d’abord à l’ENSA Normandie, puis à l’ÉNSA Versailles depuis 2014. Il participe également à différents workshops internationaux et cycles de conférences, développant aussi une activité curatoriale et de recherche, appuyée par un doctorat en cours à CY Cergy Paris Université.
Guillaume Ramillien remporte le concours Europan 9 après avoir été diplômé de l’ENSA Lyon en 2006. Il fonde son atelier en 2008, à Paris. En 2016, il est lauréat des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes puis, en 2020, du Europe 40\40. Il enseigne à l’ÉNSA Versailles depuis 2011. Saisi des notions de finitude et d’intermittence des ressources dans un contexte de bouleversements climatiques et écologiques, son travail s’attache à valoriser les différentes formes d’énergies — humaines et naturelles — des lieux où il intervient, en préservant leurs équilibres. La prééminence de la notion d’environnement — géologique, biologique, atmosphérique et culturel — lui fait considérer l’architecture comme l’art de qualifier, et souvent de réparer, les écotones des milieux anthropisés. En 2022, il est co-commissaire, avec Nicolas Dorval-Bory, de l’exposition Visible Invisible.
Nicolas Dorval-Bory est diplômé de l’ENSA Paris-Val de Seine en 2007, et crée son bureau à Paris en 2008. Après des collaborations au Chili et en Argentine, entre 2009 et 2010, Nicolas Dorval-Bory Architectes intervient aujourd’hui sur une large gamme d’échelles en France et à l’étranger. Plus que toute perspective dogmatique, son travail aborde le réel de manière rationnelle mais expérimentale, considérant chaque projet comme un climat où les matières visibles et invisibles génèrent des interactions fortes. En 2016, Nicolas Dorval-Bory est récompensé par le prix national des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes, décerné par le Ministère de la Culture. Il enseigne depuis 2011, d’abord à l’ENSA Normandie, puis à l’ÉNSA Versailles depuis 2014. Il participe également à différents workshops internationaux et cycles de conférences, développant aussi une activité curatoriale et de recherche, appuyée par un doctorat en cours à CY Cergy Paris Université.
INFOS
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
24 pages
Revue papier
Article numérique
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
24 pages
Revue papier
Article numérique
TERROIR
Ophélie Dozat
«
Le temps n’est plus aux performances technologiques radicales, trop longues à implémenter à grande échelle dans les normes de la construction, mais à la redécouverte d’un monde déjà présent. Le dernier rapport du GIEC souligne que “l’innovation réside aussi hors de son secteur formel et peut inclure des techniques de construction artisanales avec une valeur adaptative”.
»
PRÉFACE
Si nous devons repenser la manière dont on consomme l’énergie, qui dépend de la manière dont on construit, l’urgence climatique transforme notre rapport à l’innovation constructive. Le temps n’est plus aux performances technologiques radicales, mais à la redécouverte d’un monde déjà présent. Le dernier rapport du GIEC souligne que l’innovation peut inclure des techniques artisanales avec une valeur adaptative. Trouver de nouvelles applications aux techniques existantes semble être une voie plus efficace vers un mode de vie durable.
Si nous devons repenser la manière dont on consomme l’énergie, qui dépend de la manière dont on construit, l’urgence climatique transforme notre rapport à l’innovation constructive. Le temps n’est plus aux performances technologiques radicales, mais à la redécouverte d’un monde déjà présent. Le dernier rapport du GIEC souligne que l’innovation peut inclure des techniques artisanales avec une valeur adaptative. Trouver de nouvelles applications aux techniques existantes semble être une voie plus efficace vers un mode de vie durable.
BIOGRAPHIE
Ophélie Dozat est architecte, cofondatrice de l’agence MATERRA, et doctorante à CY Cergy Paris Université. Son projet de recherche interroge l’aménagement des territoires soumis aux risques naturels, et ce, à travers des architectures qui reflètent la morphologie du site et le motif du paysage. Elle co-conduit l’atelier de projet « Paysages Prototypes » à l’ÉNSA Versailles.
Ophélie Dozat est architecte, cofondatrice de l’agence MATERRA, et doctorante à CY Cergy Paris Université. Son projet de recherche interroge l’aménagement des territoires soumis aux risques naturels, et ce, à travers des architectures qui reflètent la morphologie du site et le motif du paysage. Elle co-conduit l’atelier de projet « Paysages Prototypes » à l’ÉNSA Versailles.
OISE
Simon Boudvin
PRÉFACE
Simon Boudvin procède par relevés et analyses, alliant art et architecture. Ses recherches, toujours ancrées dans le tangible, explorent des récits marginaux. Dans le cadre de l’exposition, il présente FORMATS (Saint-Maximin), une sculpture en pierre calcaire de l’Oise, révélant des coquillages fossilisés. Le livre d’artiste Oise accompagne cette œuvre et offre un voyage iconographique dans les carrières, mêlant photographies et documents d’archives, témoignant des territoires de l’anthropisation de ces territoires minéraux.
Simon Boudvin procède par relevés et analyses, alliant art et architecture. Ses recherches, toujours ancrées dans le tangible, explorent des récits marginaux. Dans le cadre de l’exposition, il présente FORMATS (Saint-Maximin), une sculpture en pierre calcaire de l’Oise, révélant des coquillages fossilisés. Le livre d’artiste Oise accompagne cette œuvre et offre un voyage iconographique dans les carrières, mêlant photographies et documents d’archives, témoignant des territoires de l’anthropisation de ces territoires minéraux.
BIOGRAPHIE
Simon Boudvin est un artiste français, né au Mans en 1979, qui vit et travaille à Bagnolet. Il a étudié à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier de Giuseppe Penone et à l’ENSA Paris-Malaquais. Il intervient au sein de résidences et est régulièrement invité à la production d’expositions et d’éditions dans des institutions en France et à l’international. Il enseigne depuis 2007 dans différentes écoles d’architecture et actuellement à l’ÉNSA Versailles. Son travail émerge à la croisée de ces différents champs, attentif aux mutations des territoires qu’il parcourt. Il procède tantôt à leur relevé détaillé, tantôt à leur reconstitution, à l’exercice de leur description, à leur photographie. Ses recherches font la matière de ses livres. Ses œuvres sont exposées dans différents centres d’art en France (Les Capucins, Embrun en 2018 ; le SHED, Centre d’art contemporain de Normandie en 2019 ; la Maréchalerie, centre d’art contemporain de l’ÉNSA Versailles en 2022), mais aussi à l’étranger (le MAC, Montréal en 2017).
Simon Boudvin est un artiste français, né au Mans en 1979, qui vit et travaille à Bagnolet. Il a étudié à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris dans l’atelier de Giuseppe Penone et à l’ENSA Paris-Malaquais. Il intervient au sein de résidences et est régulièrement invité à la production d’expositions et d’éditions dans des institutions en France et à l’international. Il enseigne depuis 2007 dans différentes écoles d’architecture et actuellement à l’ÉNSA Versailles. Son travail émerge à la croisée de ces différents champs, attentif aux mutations des territoires qu’il parcourt. Il procède tantôt à leur relevé détaillé, tantôt à leur reconstitution, à l’exercice de leur description, à leur photographie. Ses recherches font la matière de ses livres. Ses œuvres sont exposées dans différents centres d’art en France (Les Capucins, Embrun en 2018 ; le SHED, Centre d’art contemporain de Normandie en 2019 ; la Maréchalerie, centre d’art contemporain de l’ÉNSA Versailles en 2022), mais aussi à l’étranger (le MAC, Montréal en 2017).
LE NUAGE
Ensamble
PRÉFACE
L’installation d’Ensamble se déploie dans la Cour des Fontaines à l’instar d’une feuille morte. Avec sa morphologie organique, Le Nuage retrouve son essence originelle et se reconnecte à la Nature, entretenant un lien important entre concept et matérialité. Son apparence monumentale invite les visiteur·euse·s à l’observer de plus près, à l’explorer et à essayer d’en saisir la matérialité. Aussi légère que résistante, sa surface plissée est réalisée dans un matériau composite fait de fibre, de verre et de carton. Cette structure fine et aérienne contraste considérablement avec la matière qui sera coulée et qu’elle accueillera. En effet, elle servira très prochainement de moule pour un prototype de toiture en nano-béton, en cours de développement en atelier, à la Fabrica (Madrid). Cette toiture sera réalisée en 2023 pour accueillir le musée des Jardins de Médongaule, en Corée du Sud.
L’installation d’Ensamble se déploie dans la Cour des Fontaines à l’instar d’une feuille morte. Avec sa morphologie organique, Le Nuage retrouve son essence originelle et se reconnecte à la Nature, entretenant un lien important entre concept et matérialité. Son apparence monumentale invite les visiteur·euse·s à l’observer de plus près, à l’explorer et à essayer d’en saisir la matérialité. Aussi légère que résistante, sa surface plissée est réalisée dans un matériau composite fait de fibre, de verre et de carton. Cette structure fine et aérienne contraste considérablement avec la matière qui sera coulée et qu’elle accueillera. En effet, elle servira très prochainement de moule pour un prototype de toiture en nano-béton, en cours de développement en atelier, à la Fabrica (Madrid). Cette toiture sera réalisée en 2023 pour accueillir le musée des Jardins de Médongaule, en Corée du Sud.
BIOGRAPHIE
Ensamble Studio est une équipe pluridisciplinaire fondée en 2000 et dirigée par les architectes Débora Mesa Molina et Antón García-Abril, qui travaille entre Madrid — au sein de la Fabrica — et Boston. Oscillant entre imagination et réalité, entre art et science, leur travail entend innover sur les typologies, les technologies et les méthodologies pour aborder des questions aussi diverses que la construction du paysage ou la préfabrication de maisons. Actuellement, au travers de leur startup WoHo, ils se consacrent à l’amélioration de la qualité architecturale tout en rendant l’architecture plus abordable grâce à l’intégration de technologies hors site. Leur nouveau centre de recherche et de fabrication à Madrid a été construit pour développer cette démarche.
Ensamble Studio est une équipe pluridisciplinaire fondée en 2000 et dirigée par les architectes Débora Mesa Molina et Antón García-Abril, qui travaille entre Madrid — au sein de la Fabrica — et Boston. Oscillant entre imagination et réalité, entre art et science, leur travail entend innover sur les typologies, les technologies et les méthodologies pour aborder des questions aussi diverses que la construction du paysage ou la préfabrication de maisons. Actuellement, au travers de leur startup WoHo, ils se consacrent à l’amélioration de la qualité architecturale tout en rendant l’architecture plus abordable grâce à l’intégration de technologies hors site. Leur nouveau centre de recherche et de fabrication à Madrid a été construit pour développer cette démarche.
TERRE
Roger Boltshauser
«
Nous avançons la thèse que l’avenir de la construction en terre réside dans des systèmes d’associations intelligentes, hybrides et circulaires. [...] Les systèmes nouvellement développés doivent en même temps répondre aux exigences actuelles en matière de densité et de résistance et donc être pensés pour des structures plus grandes, afin de pouvoir réaliser un saut d’échelle dans la construction en terre. »
PRÉFACE
La construction en terre, en réponse aux exigences actuelles du bâtiment, offre un potentiel considérable avec ses faibles besoins en énergie grise et sa disponibilité locale. En Suisse, des millions de tonnes d'argile sont inexploitées chaque année. L’utilisation rationnelle de ces ressources pourrait réduire les émissions de CO2. Les innovations en transformation énergétique et les systèmes hybrides, développés par l'EPF de Lausanne et l'ETH de Zurich, promettent un avenir durable. L'architecture doit repenser l'usage de la terre pour développer des solutions écologiques et esthétiques.
La construction en terre, en réponse aux exigences actuelles du bâtiment, offre un potentiel considérable avec ses faibles besoins en énergie grise et sa disponibilité locale. En Suisse, des millions de tonnes d'argile sont inexploitées chaque année. L’utilisation rationnelle de ces ressources pourrait réduire les émissions de CO2. Les innovations en transformation énergétique et les systèmes hybrides, développés par l'EPF de Lausanne et l'ETH de Zurich, promettent un avenir durable. L'architecture doit repenser l'usage de la terre pour développer des solutions écologiques et esthétiques.
BIOGRAPHIE
Roger Boltshauser fonde son bureau Boltshauser Architekten AG en 1996 à Zurich. Parallèlement à sa pratique, il est assistant de recherche à l’Institut d’histoire et de théorie de l’architecture à Zurich de 1996 à 1998 et assistant d’enseignement dans la chaire de Peter Märkli à l’ETH Zurich et à l’EPF Lausanne de 1997 à 1999. Entre 2004 et 2010, il mène une activité d’enseignement au sein des Universités de Coire et d’Anhalt, puis en tant que professeur invité à l’EPF Lausanne de 2016 à 2017 et de la TÜ Munich de 2017 à 2018. Depuis 2018, il est professeur invité à l’ETH Zurich. De nombreux livres — A Primer to Space en collaboration avec Aita Flury, The Rauch House avec Martin Rauch ou encore Roger Boltshauser – Transformator avec des photos de Philipp Schaerer, etc. —, montrent le travail de Roger Boltshauser. Il est également commissaire de l’exposition Pisé – Tradition et potentiel, créée à l’EPF et présentée à plusieurs reprises en Suisse. Un ouvrage documentant les résultats de cette recherche est paru aux éditions Triest en 2019, qui publient également une monographie sur le bureau en 2021. La même année, la revue espagnole El Croquis lui consacre un numéro.
Roger Boltshauser fonde son bureau Boltshauser Architekten AG en 1996 à Zurich. Parallèlement à sa pratique, il est assistant de recherche à l’Institut d’histoire et de théorie de l’architecture à Zurich de 1996 à 1998 et assistant d’enseignement dans la chaire de Peter Märkli à l’ETH Zurich et à l’EPF Lausanne de 1997 à 1999. Entre 2004 et 2010, il mène une activité d’enseignement au sein des Universités de Coire et d’Anhalt, puis en tant que professeur invité à l’EPF Lausanne de 2016 à 2017 et de la TÜ Munich de 2017 à 2018. Depuis 2018, il est professeur invité à l’ETH Zurich. De nombreux livres — A Primer to Space en collaboration avec Aita Flury, The Rauch House avec Martin Rauch ou encore Roger Boltshauser – Transformator avec des photos de Philipp Schaerer, etc. —, montrent le travail de Roger Boltshauser. Il est également commissaire de l’exposition Pisé – Tradition et potentiel, créée à l’EPF et présentée à plusieurs reprises en Suisse. Un ouvrage documentant les résultats de cette recherche est paru aux éditions Triest en 2019, qui publient également une monographie sur le bureau en 2021. La même année, la revue espagnole El Croquis lui consacre un numéro.
LES ORIGINES DE L’ARCHITECTURE :
UNE FABLE
Tim Ingold
«
Ils avaient tous négligé une vérité simple mais que nous négligeons pourtant encore dans notre quête d’un mode de vie durable. Il s’agit du fait que la durabilité ne consiste pas à trouver des solutions définitives, mais à maintenir la vie. Elle ne réside ni dans des plans ou dans des prédictions, ni dans les mesures et les relevés, ni dans telles ou telles solutions techniques(...) Elle réside plutôt dans ces petits actes de soin, ignorés et méconnus, par lesquels nous prenons soin des personnes qui nous entourent et de l’environnement que nous habitons collectivement.
»
PRÉFACE
La naissance de l’architecture explore la manière dont un groupe de pionniers, arrivant sur une terre vierge, combine leurs talents pour créer un habitat durable. Géomètres, ingénieurs, artistes, agriculteurs, urbanistes et citoyens ordinaires partagent leurs visions pour harmoniser technologie, nature et communauté, révélant ainsi la naissance de l’architecture comme un équilibre entre savoir-faire, respect de l’environnement et bien-être collectif.
La naissance de l’architecture explore la manière dont un groupe de pionniers, arrivant sur une terre vierge, combine leurs talents pour créer un habitat durable. Géomètres, ingénieurs, artistes, agriculteurs, urbanistes et citoyens ordinaires partagent leurs visions pour harmoniser technologie, nature et communauté, révélant ainsi la naissance de l’architecture comme un équilibre entre savoir-faire, respect de l’environnement et bien-être collectif.
BIOGRAPHIE
Tim Ingold est professeur émérite d’anthropologie sociale à l’Université d’Aberdeen. En 1990, il est nommé à une chaire à l’université de Manchester. En 1995, il est nommé professeur à la chaire d’anthropologie sociale Max Gluckman. Il est rédacteur en chef de Man (le journal de l’Institut royal d’anthropologie) de 1990 à 1992, et édite le Companion Encyclopedia of Anthropology de Routledge, publié en 1994. En 1988, il fonde le Group for Debates in Anthropological Theory, et édite un volume des six premiers débats annuels (Key Debates in Anthropology, 1996). Parmi ses travaux, il a notamment effectué des recherches de terrain parmi les Sâmes Skolts du nord-est de la Finlande, et a écrit sur l’environnement, la technologie et l’organisation sociale dans le Nord circumpolaire, sur les animaux dans la société humaine, ainsi que sur l’écologie humaine et la théorie de l’évolution. Plus récemment, ses travaux explorent la perception de l’environnement et la pratique qualifiée. Les intérêts actuels de Tim Ingold se situent à l’interface entre l’anthropologie, l’archéologie, l’art et l’architecture.
Tim Ingold est professeur émérite d’anthropologie sociale à l’Université d’Aberdeen. En 1990, il est nommé à une chaire à l’université de Manchester. En 1995, il est nommé professeur à la chaire d’anthropologie sociale Max Gluckman. Il est rédacteur en chef de Man (le journal de l’Institut royal d’anthropologie) de 1990 à 1992, et édite le Companion Encyclopedia of Anthropology de Routledge, publié en 1994. En 1988, il fonde le Group for Debates in Anthropological Theory, et édite un volume des six premiers débats annuels (Key Debates in Anthropology, 1996). Parmi ses travaux, il a notamment effectué des recherches de terrain parmi les Sâmes Skolts du nord-est de la Finlande, et a écrit sur l’environnement, la technologie et l’organisation sociale dans le Nord circumpolaire, sur les animaux dans la société humaine, ainsi que sur l’écologie humaine et la théorie de l’évolution. Plus récemment, ses travaux explorent la perception de l’environnement et la pratique qualifiée. Les intérêts actuels de Tim Ingold se situent à l’interface entre l’anthropologie, l’archéologie, l’art et l’architecture.
POUR L’AMOUR DES MATÉRIAUX
Mary Duggan
PRÉFACE
Ce pavillon explore une architecture fondée sur la pureté des gestes créatifs : sculpter, fabriquer, réparer. Le design suit un processus séquentiel où le gypse, à la fois fort et fragile, guide la conception. Le matériau est manipulé au seuil de sa rupture, puis renforcé avec du marbre et du bois pour créer une structure délicate mais robuste, alliant fonctionnalité et esthétique.
Ce pavillon explore une architecture fondée sur la pureté des gestes créatifs : sculpter, fabriquer, réparer. Le design suit un processus séquentiel où le gypse, à la fois fort et fragile, guide la conception. Le matériau est manipulé au seuil de sa rupture, puis renforcé avec du marbre et du bois pour créer une structure délicate mais robuste, alliant fonctionnalité et esthétique.
BIOGRAPHIE
Mary Duggan Architects est un studio d’architecture et de design basé à Londres, depuis sa création en mars 2017. L’agence s’engage à fournir une architecture raisonnée et détaillée dans sa conception qui s’adresse à des clients avant-gardistes ayant un goût prononcé pour le design. La production qu’elle développe embrasse de nombreux secteurs au travers desquels elle manipule aussi bien la petite que la grande échelle en créant des lieux de vie, de travail et d’apprentissage. Guidée par l’ambition, sans cesse renouvelée, de saisir l’esprit des lieux dans lesquels elle construit, qu’ils soient urbains ou ruraux, l’agence tente d’apprécier et de considérer chaque situation comme faisant partie d’un ensemble. Son engagement à remettre en question des notions préconçues qui figent parfois la discipline alimente quotidiennement sa philosophie de travail.
Mary Duggan Architects est un studio d’architecture et de design basé à Londres, depuis sa création en mars 2017. L’agence s’engage à fournir une architecture raisonnée et détaillée dans sa conception qui s’adresse à des clients avant-gardistes ayant un goût prononcé pour le design. La production qu’elle développe embrasse de nombreux secteurs au travers desquels elle manipule aussi bien la petite que la grande échelle en créant des lieux de vie, de travail et d’apprentissage. Guidée par l’ambition, sans cesse renouvelée, de saisir l’esprit des lieux dans lesquels elle construit, qu’ils soient urbains ou ruraux, l’agence tente d’apprécier et de considérer chaque situation comme faisant partie d’un ensemble. Son engagement à remettre en question des notions préconçues qui figent parfois la discipline alimente quotidiennement sa philosophie de travail.
WET TABLE
LCLA
PRÉFACE
Wet Table fusionne l'éphémère et le permanent en reliant l'installation temporaire aux grands travaux hydrauliques de Versailles. À travers ses bassins et fontaines, elle évoque l'évolution historique de l'eau dans l'espace public, à la fois comme matériau et générateur d'espace, tout en rendant hommage aux infrastructures passées.
Wet Table fusionne l'éphémère et le permanent en reliant l'installation temporaire aux grands travaux hydrauliques de Versailles. À travers ses bassins et fontaines, elle évoque l'évolution historique de l'eau dans l'espace public, à la fois comme matériau et générateur d'espace, tout en rendant hommage aux infrastructures passées.
BIOGRAPHIE
LCLA Office explore les limites entre l’architecture et le paysage. Le studio, basé à Oslo, est codirigé par l’architecte suédoise Charlotte Hansson et par l’architecte colombien Luis Callejas. Charlotte Hansson a une grande expérience dans les pays scandinaves et a été professeure invitée à l’école d’architecture de Yale. Luis Callejas a été professeur à l’école supérieure de design de Harvard, à l’école d’architecture de Yale et il enseigne actuellement à l’école d’architecture et de design d’Oslo. Leurs œuvres ont, entre autres, été exposées aux Triennales de Lisbonne et d’Oslo, ainsi qu’aux Biennales de Séoul et de Venise. Ils ont livré certains projets emblématiques tels que le Centre Aquatique de Medellín qui a accueilli la neuvième édition des Jeux sud-américains, la rénovation du principal stade de football de Bogotá et, plus récemment, la transformation paysagère du site de l’ancienne ambassade des États-Unis à Oslo, conçue par Eero Saarinen.
LCLA Office explore les limites entre l’architecture et le paysage. Le studio, basé à Oslo, est codirigé par l’architecte suédoise Charlotte Hansson et par l’architecte colombien Luis Callejas. Charlotte Hansson a une grande expérience dans les pays scandinaves et a été professeure invitée à l’école d’architecture de Yale. Luis Callejas a été professeur à l’école supérieure de design de Harvard, à l’école d’architecture de Yale et il enseigne actuellement à l’école d’architecture et de design d’Oslo. Leurs œuvres ont, entre autres, été exposées aux Triennales de Lisbonne et d’Oslo, ainsi qu’aux Biennales de Séoul et de Venise. Ils ont livré certains projets emblématiques tels que le Centre Aquatique de Medellín qui a accueilli la neuvième édition des Jeux sud-américains, la rénovation du principal stade de football de Bogotá et, plus récemment, la transformation paysagère du site de l’ancienne ambassade des États-Unis à Oslo, conçue par Eero Saarinen.
DÉTERMINISME CLIMATIQUE
Atmos Lab
«
L’image normalisée de l’architecture « durable » se rapporte à l’isolation, des couches supplémentaires de haute technologie et des dispositifs mécaniques. [...] Les boîtes qui en résultent reposent principalement sur des équipements mécaniques efficaces pour contrôler la température et y apporter de l’air frais, et où tout échange naturel avec l’extérieur est considéré comme un inconvénient. L’occupant se trouve condamné à rester à l’intérieur, déconnecté et, d’une certaine façon, anesthésié. »
PRÉFACE
À une époque où l'impact environnemental des bâtiments est critique, l'architecture doit repenser le confort énergétique en intégrant la bioclimatique. Au lieu de recourir à des solutions hermétiques ou high-tech, nous devons concevoir des espaces adaptables aux conditions naturelles. Ce texte explore comment la science des matériaux et des outils numériques permet aujourd'hui une architecture qui optimise l'interaction entre le bâtiment, le climat et ses occupants, favorisant des solutions durables et intégrées.
À une époque où l'impact environnemental des bâtiments est critique, l'architecture doit repenser le confort énergétique en intégrant la bioclimatique. Au lieu de recourir à des solutions hermétiques ou high-tech, nous devons concevoir des espaces adaptables aux conditions naturelles. Ce texte explore comment la science des matériaux et des outils numériques permet aujourd'hui une architecture qui optimise l'interaction entre le bâtiment, le climat et ses occupants, favorisant des solutions durables et intégrées.
BIOGRAPHIES
Rafael Alonso Candau est diplômé en architecture à l’Université polytechnique de Valence. Il partage son expertise technique sur l’empreinte carbone des bâtiments et les conditions environnementales à l’échelle urbaine dans diverses universités (RCA Londres, KDAK Copenhague, London Met), en tant qu’examinateur pour des revues scientifiques, et lors de conférences et de publications.
Florencia Collo est diplômée de l’Université de Buenos Aires en Architecture (FADU et UBA). Elle a enseigné l’Histoire de l’architecture et de l’urbanisme à la FADU et l’UBA, et dispense aujourd’hui des cours sur l’architecture environnementale auprès des étudiants de l’Université Torcuato Di Tella, à Buenos Aires. Elle est également membre de l’association PLEA (Passive Low Energy Architecture).
Olivier Dambron est diplômé en ingénierie du bâtiment et architecture à l’École des Hautes Études d’Ingénieur de Lille. Son travail de recherche se concentre sur le potentiel du design environnemental pour l’architecture tropicale en bambou. Il a été invité à enseigner à l’ETH Zurich, à la London MET, au RCA Londres, à la KADK Copenhague, et à l’IT Bandung.
Tous les trois sont également diplômés du MSc Sustainable Environmental Design de l’Architectural Association de Londres. Ensemble, ils fondent le bureau d’études environnementales Atmos Lab en 2016, agissant sur de nombreux projets à l’échelle internationale.
Rafael Alonso Candau est diplômé en architecture à l’Université polytechnique de Valence. Il partage son expertise technique sur l’empreinte carbone des bâtiments et les conditions environnementales à l’échelle urbaine dans diverses universités (RCA Londres, KDAK Copenhague, London Met), en tant qu’examinateur pour des revues scientifiques, et lors de conférences et de publications.
Florencia Collo est diplômée de l’Université de Buenos Aires en Architecture (FADU et UBA). Elle a enseigné l’Histoire de l’architecture et de l’urbanisme à la FADU et l’UBA, et dispense aujourd’hui des cours sur l’architecture environnementale auprès des étudiants de l’Université Torcuato Di Tella, à Buenos Aires. Elle est également membre de l’association PLEA (Passive Low Energy Architecture).
Olivier Dambron est diplômé en ingénierie du bâtiment et architecture à l’École des Hautes Études d’Ingénieur de Lille. Son travail de recherche se concentre sur le potentiel du design environnemental pour l’architecture tropicale en bambou. Il a été invité à enseigner à l’ETH Zurich, à la London MET, au RCA Londres, à la KADK Copenhague, et à l’IT Bandung.
Tous les trois sont également diplômés du MSc Sustainable Environmental Design de l’Architectural Association de Londres. Ensemble, ils fondent le bureau d’études environnementales Atmos Lab en 2016, agissant sur de nombreux projets à l’échelle internationale.
UN LANGAGE ARCHITECTURAL DE L’ÉNERGIE
Paul Bouet
«
Les bâtiments pourraient être considérés comme des 'structures dissipatives', au sens d'Ilya Prigogine. [...] En dissipant les énergies fossiles et fissiles accumulées sur des temps géologiques, l’architecture contribue ainsi, non seulement à accroître l’entropie, la désorganisation du monde, mais aussi à dérégler radicalement le climat de la planète.
»
PRÉFACE
Dans un monde où les bâtiments sont souvent perçus comme des « machines passives », il est crucial de repenser leur relation avec l'énergie. Ce récit explore comment l'architecture peut évoluer pour devenir une « structure dissipative », transformant l'énergie et minimisant l'impact environnemental. En réintroduisant un langage architectural qui fusionne esthétique et efficacité énergétique, nous visons à rendre les processus énergétiques visibles et intégrés, tout en réconciliant modernité et tradition.
Dans un monde où les bâtiments sont souvent perçus comme des « machines passives », il est crucial de repenser leur relation avec l'énergie. Ce récit explore comment l'architecture peut évoluer pour devenir une « structure dissipative », transformant l'énergie et minimisant l'impact environnemental. En réintroduisant un langage architectural qui fusionne esthétique et efficacité énergétique, nous visons à rendre les processus énergétiques visibles et intégrés, tout en réconciliant modernité et tradition.
BIOGRAPHIE
Paul Bouet est maître de conférences associées à l’École d’architecture de la ville et des territoires Paris-Est. Il est architecte HMONP, diplômé de l’ENSA Paris-Belleville en 2012, et titulaire d’un master en histoire des sciences, technologies et sociétés de l’EHESS obtenu en 2017. Ses recherches portent sur l’histoire de l’architecture au XXème siècle dans ses relations à l’environnement. Il s’intéresse en particulier à l’émergence des pensées environnementales en architecture, à l’intégration de dispositifs énergétiques et climatiques dans les bâtiments, et aux circulations entre puissances coloniales et pays du Sud. En 2022, il présente sa thèse de doctorat intitulée Domestiquer l’énergie solaire. Architecture, décolonisation et écologisme dans la France d’après-guerre, 1945-1986, préparée sous la direction de Sébastien Marot.
Paul Bouet est maître de conférences associées à l’École d’architecture de la ville et des territoires Paris-Est. Il est architecte HMONP, diplômé de l’ENSA Paris-Belleville en 2012, et titulaire d’un master en histoire des sciences, technologies et sociétés de l’EHESS obtenu en 2017. Ses recherches portent sur l’histoire de l’architecture au XXème siècle dans ses relations à l’environnement. Il s’intéresse en particulier à l’émergence des pensées environnementales en architecture, à l’intégration de dispositifs énergétiques et climatiques dans les bâtiments, et aux circulations entre puissances coloniales et pays du Sud. En 2022, il présente sa thèse de doctorat intitulée Domestiquer l’énergie solaire. Architecture, décolonisation et écologisme dans la France d’après-guerre, 1945-1986, préparée sous la direction de Sébastien Marot.
RIDEAU SONORE
Baukunst
EN — «
Avec la plupart de mes proches, les appels ont cessé et se sont substitués à des messages plus occasionnels pour prendre des nouvelles, car même si ces échanges permettaient de maintenir un lien, l’absence du corps de l’autre renforçait la sensation de privation des connexions les plus élémentaires : pouvoir se toucher, partager le même air, les mêmes lumières, (...) ou occuper l’espace.
EN — «
Avec la plupart de mes proches, les appels ont cessé et se sont substitués à des messages plus occasionnels pour prendre des nouvelles, car même si ces échanges permettaient de maintenir un lien, l’absence du corps de l’autre renforçait la sensation de privation des connexions les plus élémentaires : pouvoir se toucher, partager le même air, les mêmes lumières, (...) ou occuper l’espace.
PRÉFACE
Rideau sonore explore l’intersection entre arts et sciences en transformant l’énergie solaire en une expérience sonore unique. En intégrant design textile, programmation sonore et captation solaire, ce projet s'implante dans la Cour des Fontaines pour établir un dialogue entre la modernité et l'histoire du lieu. La combinaison de films photovoltaïques et de textiles en fibres naturelles capte la lumière et la convertit en une bande sonore, réinterprétant les éléments architecturaux historiques tout en rendant visible l’invisible.
Rideau sonore explore l’intersection entre arts et sciences en transformant l’énergie solaire en une expérience sonore unique. En intégrant design textile, programmation sonore et captation solaire, ce projet s'implante dans la Cour des Fontaines pour établir un dialogue entre la modernité et l'histoire du lieu. La combinaison de films photovoltaïques et de textiles en fibres naturelles capte la lumière et la convertit en une bande sonore, réinterprétant les éléments architecturaux historiques tout en rendant visible l’invisible.
BIOGRAPHIE
Fondée par Adrien Verschuere en 2008 à Bruxelles, dans la continuité de son exercice en Suisse, BAUKUNST s’applique dans le cadre de son activité à répondre de façon spécifique aux exigences formulées par les acteurs publics et privés en matière d’architecture. Conjonction entre art et technologie, l’agence engage le projet comme une recherche en dialogue avec différentes formes de connaissances. Elle envisage l’architecture comme un médium capable d’offrir une pensée de la construction (BAU) au même titre qu’une construction de la pensée (KUNST). Parallèlement à la réalisation de projets architecturaux, BAUKUNST consacre une part de son occupation au domaine de la recherche et de l’enseignement.
Fondée par Adrien Verschuere en 2008 à Bruxelles, dans la continuité de son exercice en Suisse, BAUKUNST s’applique dans le cadre de son activité à répondre de façon spécifique aux exigences formulées par les acteurs publics et privés en matière d’architecture. Conjonction entre art et technologie, l’agence engage le projet comme une recherche en dialogue avec différentes formes de connaissances. Elle envisage l’architecture comme un médium capable d’offrir une pensée de la construction (BAU) au même titre qu’une construction de la pensée (KUNST). Parallèlement à la réalisation de projets architecturaux, BAUKUNST consacre une part de son occupation au domaine de la recherche et de l’enseignement.
DÉBAT INAUGURAL
Ensamble, Mary Duggan & Steve Webb, LCLA, Baukunst
ENSAMBLE —
«
Nous avons commencé à travailler dans des carrières de pierre et à développer un langage architectural qui tente de se débarrasser des dogmes architecturaux, de leurs contraintes, de leurs géométries, de leurs systèmes, et qui se soumet à la logique de la terre — essentiellement à travers un nouvel expressionnisme naturel qui nous relie plus profondément à notre monde. »
LCLA — « Nous voulions également essayer de comprendre quelle serait la surface minimale que nous pourrions couvrir d’eau et qui pourrait produire une forme de changement climatique à l’échelle de la cour. Nous désirions exactement 1000 litres d’eau et une géométrie qui soit librement informée par certaines des qualités géométriques des étangs. »
MARY DUGGAN — « Dans notre pratique, nous avons toujours privilégié le bois ou d’autres matériaux de construction à faible empreinte carbone, y voyant l’extension de la parabole de Banham : le feu. C’est une architecture de la vulnérabilité. Nous avons essayé de trouver une solution qui accepte la faiblesse du gypse et la répare avec l’ajout de butons en bois. Ces derniers étant des éléments faits et assemblés à la main, nous nous sommes imposés la contrainte de n’utiliser ni vis ni colle. »
BAUKUNST — « Nous remarquons également l’absence d’ornements sur ce mur contrairement à ceux présents aux alentours. [...] En observant le site de cette manière, nous voulions projeter l’installation dans une sorte de lecture métaphorique et de compréhension en référence à un contexte culturel et historique plus large. »
LCLA — « Nous voulions également essayer de comprendre quelle serait la surface minimale que nous pourrions couvrir d’eau et qui pourrait produire une forme de changement climatique à l’échelle de la cour. Nous désirions exactement 1000 litres d’eau et une géométrie qui soit librement informée par certaines des qualités géométriques des étangs. »
MARY DUGGAN — « Dans notre pratique, nous avons toujours privilégié le bois ou d’autres matériaux de construction à faible empreinte carbone, y voyant l’extension de la parabole de Banham : le feu. C’est une architecture de la vulnérabilité. Nous avons essayé de trouver une solution qui accepte la faiblesse du gypse et la répare avec l’ajout de butons en bois. Ces derniers étant des éléments faits et assemblés à la main, nous nous sommes imposés la contrainte de n’utiliser ni vis ni colle. »
BAUKUNST — « Nous remarquons également l’absence d’ornements sur ce mur contrairement à ceux présents aux alentours. [...] En observant le site de cette manière, nous voulions projeter l’installation dans une sorte de lecture métaphorique et de compréhension en référence à un contexte culturel et historique plus large. »
PRÉFACE
Antón García-Abril et ses collaborateurs développent une architecture innovante en réinventant l'utilisation de matériaux bruts et en exploitant les carrières de pierre pour créer des formes en harmonie avec la terre. Mary Duggan et Steve Webb expérimentent, quant à eux, le gypse, le bois et d'autres matériaux pour créer des structures finement artisanales, tandis que Luis Callejas et Adrien Verschuere explorent l'hydrologie et les interactions sensibles entre architecture et environnement pour matérialiser des expériences spatiales tangibles et sensorielles.
Antón García-Abril et ses collaborateurs développent une architecture innovante en réinventant l'utilisation de matériaux bruts et en exploitant les carrières de pierre pour créer des formes en harmonie avec la terre. Mary Duggan et Steve Webb expérimentent, quant à eux, le gypse, le bois et d'autres matériaux pour créer des structures finement artisanales, tandis que Luis Callejas et Adrien Verschuere explorent l'hydrologie et les interactions sensibles entre architecture et environnement pour matérialiser des expériences spatiales tangibles et sensorielles.
INFOS
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
20 pages
Revue papier
Article numérique
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
20 pages
Revue papier
Article numérique
DISCUSSION
Ensamble, Mary Duggan & Steve Webb, LCLA, Baukunst
« Nous apprécions particulièrement le fait d’engager l’architecture pour provoquer des interactions entre différentes conditions invisibles, par la construction de relations physiques. À cet égard, nous pensons que la question de l’énergie — et par extension celles des forces invisibles — est capable d’élargir la notion d’espace d’une manière beaucoup plus active, au-delà d’un simple but en soi, mais plutôt en l’envisageant comme un moyen qui engage le confort et la perception. »
PRÉFACE
Dans la Cour des Fontaines, les commissaires ont invité quatre agences d’architecture internationales à réfléchir, à travers une installation, aux relations qu’elles entretiennent — dans leur pratique — avec la matière et l’énergie, composantes visibles et invisibles de l’architecture.
Mary Duggan et Steve Webb, respectivement architecte et ingénieur londoniens, proposent une construction sculpturale qui confronte le carreau de plâtre industrialisé aux savoir-faire et matériaux traditionnels. Ensamble Studio, basé en Espagne, transporte depuis son laboratoire madrilène une pièce d’architecture en négatif : un coffrage aux formes topographiques affirmées qui servira de moule pour un projet en cours en Corée du Sud. Luis Callejas et Charlotte Hanson (LCLA), opérant entre Oslo et Medellin, créent la maquette d’un bassin de 1000 litres d’eau aux propriétés microclimatiques et aux formes inspirées par l’ingénierie hydraulique de Versailles. Enfin, l’agence bruxelloise BAUKUNST propose de créer un dialogue avec l’une des principales caractéristiques architecturales du site — le long mur séparant l’avenue de Sceaux de la cour — pour imaginer la manière dont cette limite inerte pourrait être transformée en un élément performatif.
Dans la Cour des Fontaines, les commissaires ont invité quatre agences d’architecture internationales à réfléchir, à travers une installation, aux relations qu’elles entretiennent — dans leur pratique — avec la matière et l’énergie, composantes visibles et invisibles de l’architecture.
Mary Duggan et Steve Webb, respectivement architecte et ingénieur londoniens, proposent une construction sculpturale qui confronte le carreau de plâtre industrialisé aux savoir-faire et matériaux traditionnels. Ensamble Studio, basé en Espagne, transporte depuis son laboratoire madrilène une pièce d’architecture en négatif : un coffrage aux formes topographiques affirmées qui servira de moule pour un projet en cours en Corée du Sud. Luis Callejas et Charlotte Hanson (LCLA), opérant entre Oslo et Medellin, créent la maquette d’un bassin de 1000 litres d’eau aux propriétés microclimatiques et aux formes inspirées par l’ingénierie hydraulique de Versailles. Enfin, l’agence bruxelloise BAUKUNST propose de créer un dialogue avec l’une des principales caractéristiques architecturales du site — le long mur séparant l’avenue de Sceaux de la cour — pour imaginer la manière dont cette limite inerte pourrait être transformée en un élément performatif.
BIOGRAPHIES
BAUKUNST est un bureau d'architecture fondé par Adrien Verschuere à Bruxelles en 2008. Biographie complète : voir RIDEAU SONORE.LCLA Office, basé à Oslo, est dirigé par Charlotte Hansson et Luis Callejas, explorant les frontières entre architecture et paysage. Biographie complète : voir WET TABLE.Mary Duggan Architects, établi à Londres depuis 2017, se distingue par une approche détaillée et raisonnée du design architectural, adaptée aux clients avant-gardistes. Biographie complète : voir POUR L’AMOUR DES MATÉRIAUX.Ensamble Studio est une équipe pluridisciplinaire fondée en 2000 — et dirigée par les architectes Débora Mesa Molina et Antón García-Abril — qui travaille entre Madrid et Boston.
Biographie complète : voir LE NUAGE.
BAUKUNST est un bureau d'architecture fondé par Adrien Verschuere à Bruxelles en 2008. Biographie complète : voir RIDEAU SONORE.LCLA Office, basé à Oslo, est dirigé par Charlotte Hansson et Luis Callejas, explorant les frontières entre architecture et paysage. Biographie complète : voir WET TABLE.Mary Duggan Architects, établi à Londres depuis 2017, se distingue par une approche détaillée et raisonnée du design architectural, adaptée aux clients avant-gardistes. Biographie complète : voir POUR L’AMOUR DES MATÉRIAUX.Ensamble Studio est une équipe pluridisciplinaire fondée en 2000 — et dirigée par les architectes Débora Mesa Molina et Antón García-Abril — qui travaille entre Madrid et Boston.
Biographie complète : voir LE NUAGE.
MATERIAL MEMORY MAP
Timothée Gauvin, Antoine Plouzen Morvan, Grégoire Deberdt
PRÉFACE
Le projet Material Memory Map révèle la matière à travers ses transformations, de la géologie à l'architecture. En documentant les étapes de façonnage des matériaux comme la pierre, le bois et la terre, il met en lumière leur origine et leur contexte. Cette approche permet de comprendre les ressources locales non seulement comme des produits finis, mais comme des fragments du territoire, réinscrits dans le processus architectural et valorisant les savoir-faire traditionnels.
Le projet Material Memory Map révèle la matière à travers ses transformations, de la géologie à l'architecture. En documentant les étapes de façonnage des matériaux comme la pierre, le bois et la terre, il met en lumière leur origine et leur contexte. Cette approche permet de comprendre les ressources locales non seulement comme des produits finis, mais comme des fragments du territoire, réinscrits dans le processus architectural et valorisant les savoir-faire traditionnels.
BIOGRAPHIES
Timothée Gauvin est architecte, diplômé de l’ENSA Paris-Est. Il a travaillé au sein d’agences suisses et anglaises — Herzog & de Meuron, 6a Architects et Turner Works — avant la création de sa propre agence, à Paris, en 2018. Début 2019, dans le cadre de sa pratique professionnelle, il crée le projet Material Memory Map qui entreprend de faire l’inventaire des savoir-faire et des matières premières du bassin parisien.
Antoine Plouzen Morvan est réalisateur, monteur et chef opérateur. Il s’engage dans une démarche principalement documentaire en travaillant aussi bien avec des réalisateur·rice·s que des artistes ou des architectes. Il collabore ainsi à des œuvres projetées au Centre Pompidou, au Salon de Montrouge, à la Biennale d’Istanbul, au Pavillon de l’Arsenal, à l’Opéra de Paris ainsi qu’au Festival de Cannes.
Grégoire Deberdt est architecte, urbaniste et cartographe, basé à Paris. Son travail a été exposé à Stockholm, Ljubljana, Rotterdam, dans le Vexin, etc. En 2018-2019, il réalise une résidence aux Ateliers Médicis, à Clichy-Montfermeil, avec le collectif Sirènes. Il mène également une activité d’enseignement, depuis 2019, à l’ENSA Paris-Est.
Timothée Gauvin est architecte, diplômé de l’ENSA Paris-Est. Il a travaillé au sein d’agences suisses et anglaises — Herzog & de Meuron, 6a Architects et Turner Works — avant la création de sa propre agence, à Paris, en 2018. Début 2019, dans le cadre de sa pratique professionnelle, il crée le projet Material Memory Map qui entreprend de faire l’inventaire des savoir-faire et des matières premières du bassin parisien.
Antoine Plouzen Morvan est réalisateur, monteur et chef opérateur. Il s’engage dans une démarche principalement documentaire en travaillant aussi bien avec des réalisateur·rice·s que des artistes ou des architectes. Il collabore ainsi à des œuvres projetées au Centre Pompidou, au Salon de Montrouge, à la Biennale d’Istanbul, au Pavillon de l’Arsenal, à l’Opéra de Paris ainsi qu’au Festival de Cannes.
Grégoire Deberdt est architecte, urbaniste et cartographe, basé à Paris. Son travail a été exposé à Stockholm, Ljubljana, Rotterdam, dans le Vexin, etc. En 2018-2019, il réalise une résidence aux Ateliers Médicis, à Clichy-Montfermeil, avec le collectif Sirènes. Il mène également une activité d’enseignement, depuis 2019, à l’ENSA Paris-Est.
ANATOMIE D’ARCHITECTURE
#1
DANS LE PAYS D’AUGE
Anatomies d’Architecture & felix-illustra
PRÉFACE
Cette étude explore comment réconcilier l'habitat avec son territoire en utilisant des matériaux locaux et écologiques. En rénovant une maison en brique en Normandie, l'approche d’Anatomie d'Architecture révèle le cycle complet des matériaux — de l'extraction à l'utilisation — mettant en lumière les savoir-faire régionaux et démontrant des alternatives durables aux pratiques conventionnelles.
Cette étude explore comment réconcilier l'habitat avec son territoire en utilisant des matériaux locaux et écologiques. En rénovant une maison en brique en Normandie, l'approche d’Anatomie d'Architecture révèle le cycle complet des matériaux — de l'extraction à l'utilisation — mettant en lumière les savoir-faire régionaux et démontrant des alternatives durables aux pratiques conventionnelles.
BIOGRAPHIES
Anatomies d’Architecture est une coopérative créée par deux architectes et un anthropologue qui aborde l’habitat écologique à travers trois prismes et activités : la construction et la conception en faveur d’une architecture bioclimatique, 100 % locale, naturelle et réversible ; la recherche de terrain à travers des enquêtes menées aux quatre coins du territoire, à la rencontre de ceux qui réinventent l’architecture écologique ; la pédagogie et la transmission des nouveaux savoirs en matière d’écoconstruction auprès du grand public, au travers de chantiers école, d’expositions ou de publications, comme auprès de professionnels avec des cours dispensés en école d’architecture et l’animation de workshops et de formations.
Créé par l’architecte Félix Roudier en 2019, felix-illustra est un atelier dans lequel les créations interrogent l’illustration et la fiction comme outils de représentation du projet architectural et urbain, ou qui constituent simplement le trait d’une réalité transformée.
Anatomies d’Architecture est une coopérative créée par deux architectes et un anthropologue qui aborde l’habitat écologique à travers trois prismes et activités : la construction et la conception en faveur d’une architecture bioclimatique, 100 % locale, naturelle et réversible ; la recherche de terrain à travers des enquêtes menées aux quatre coins du territoire, à la rencontre de ceux qui réinventent l’architecture écologique ; la pédagogie et la transmission des nouveaux savoirs en matière d’écoconstruction auprès du grand public, au travers de chantiers école, d’expositions ou de publications, comme auprès de professionnels avec des cours dispensés en école d’architecture et l’animation de workshops et de formations.
Créé par l’architecte Félix Roudier en 2019, felix-illustra est un atelier dans lequel les créations interrogent l’illustration et la fiction comme outils de représentation du projet architectural et urbain, ou qui constituent simplement le trait d’une réalité transformée.
HABITER DAKAR,
QUAND L’INVISIBLE PARLE DU VISIBLE
Caroline Geffriaud & Nzinga Biegueng Mboup
PRÉFACE
L’étude explore l’écart entre le vocabulaire du logement à Dakar et les réalités locales. Tandis que les promoteurs utilisent souvent des termes étrangers comme « living room » ou « kitchen », peu compris par la majorité, l’étude plaide pour un lexique en wolof, reflétant mieux les usages et la culture sénégalaise, et visant à concevoir des espaces véritablement adaptés aux besoins locaux.
L’étude explore l’écart entre le vocabulaire du logement à Dakar et les réalités locales. Tandis que les promoteurs utilisent souvent des termes étrangers comme « living room » ou « kitchen », peu compris par la majorité, l’étude plaide pour un lexique en wolof, reflétant mieux les usages et la culture sénégalaise, et visant à concevoir des espaces véritablement adaptés aux besoins locaux.
BIOGRAPHIES
Caroline Geffriaud, architecte française, vit et exerce à Dakar. Elle est chargée de projets culturels en lien avec l’architecture durable au sein du Goethe-Institut Sénégal et cheffe de projet pour l’agence sénégalaise GA2D.
Nzinga Biegueng Mboup est une architecte sénégalo-camerounaise vivant à Dakar. Depuis 2018, elle est associée et cofondatrice de l’agence Worofila, spécialisée en architecture bioclimatique. Avec l’architecte Carole Diop, elles sont également à l’origine de l’exposition Dakarmorphose portant sur l’évolution des villages lébous — une communauté sénégalaise concentrée sur la presqu’île du Cap-Vert.
Nzinga Biegueng Mboup et Caroline Geffriaud mènent une étude de terrain sur les formes et les typologies d’habitats de Dakar depuis 2019, soutenue par le Goethe-Institut.
Caroline Geffriaud, architecte française, vit et exerce à Dakar. Elle est chargée de projets culturels en lien avec l’architecture durable au sein du Goethe-Institut Sénégal et cheffe de projet pour l’agence sénégalaise GA2D.
Nzinga Biegueng Mboup est une architecte sénégalo-camerounaise vivant à Dakar. Depuis 2018, elle est associée et cofondatrice de l’agence Worofila, spécialisée en architecture bioclimatique. Avec l’architecte Carole Diop, elles sont également à l’origine de l’exposition Dakarmorphose portant sur l’évolution des villages lébous — une communauté sénégalaise concentrée sur la presqu’île du Cap-Vert.
Nzinga Biegueng Mboup et Caroline Geffriaud mènent une étude de terrain sur les formes et les typologies d’habitats de Dakar depuis 2019, soutenue par le Goethe-Institut.
RESSOURCE(R)
Fabriques Architectures Paysages
PRÉFACE
Ressource(r) met en lumière le concept de « territoire ressource » en révélant les liens entre espaces agricoles, naturels et urbains. En exposant les ressources oubliées de la Plaine de Versailles, l’installation vise à rendre visibles les ressources bio et géo-sourcées, ainsi que les possibilités de réemploi. À travers une cartographie détaillée et un système de QR codes, elle invite à redécouvrir et à connecter les pratiques agricoles locales, tout en imaginant un avenir plus intégré et durable pour le territoire.
Ressource(r) met en lumière le concept de « territoire ressource » en révélant les liens entre espaces agricoles, naturels et urbains. En exposant les ressources oubliées de la Plaine de Versailles, l’installation vise à rendre visibles les ressources bio et géo-sourcées, ainsi que les possibilités de réemploi. À travers une cartographie détaillée et un système de QR codes, elle invite à redécouvrir et à connecter les pratiques agricoles locales, tout en imaginant un avenir plus intégré et durable pour le territoire.
BIOGRAPHIE
L’agence Fabriques Architectures Paysages, fondée en 2007 par Pierre Janin et basée à Vernand, dans la Loire, regroupe les compétences d’architecture et de paysage et travaille essentiellement sur des projets et des études liés notamment au milieu rural et à l’agriculture, avec trois volets d’actions : la construction d’équipements publics en milieu rural, conçus principalement en ossature et charpente bois et posant directement la question de l’utilisation des ressources locales et du lien au paysage ; la construction de bâtiments agricoles, généralement à destination des collectivités publiques ; et des études urbaines et prospectives traitant des questions du lien entre pratiques agricoles et urbaines.
L’agence Fabriques Architectures Paysages, fondée en 2007 par Pierre Janin et basée à Vernand, dans la Loire, regroupe les compétences d’architecture et de paysage et travaille essentiellement sur des projets et des études liés notamment au milieu rural et à l’agriculture, avec trois volets d’actions : la construction d’équipements publics en milieu rural, conçus principalement en ossature et charpente bois et posant directement la question de l’utilisation des ressources locales et du lien au paysage ; la construction de bâtiments agricoles, généralement à destination des collectivités publiques ; et des études urbaines et prospectives traitant des questions du lien entre pratiques agricoles et urbaines.
ARCHÉTYPES ET MILIEUX
COMME RESSOURCES DU PROJET
Atelier du Rouget — Simon Teyssou & Associés
PRÉFACE
Exposés en maquettes à grande échelle, les projets de l’Atelier du Rouget explorent les archétypes architecturaux liés aux ressources du Massif Central. En combinant architecture de masse, filigrane et surface, ils révèlent comment chaque modèle structurel — mêlant maçonnerie et bois inspiré des granges du Massif Central — crée une spatialité unique et répond aux enjeux écologiques tout en offrant une architecture évolutive et contextuelle.
Exposés en maquettes à grande échelle, les projets de l’Atelier du Rouget explorent les archétypes architecturaux liés aux ressources du Massif Central. En combinant architecture de masse, filigrane et surface, ils révèlent comment chaque modèle structurel — mêlant maçonnerie et bois inspiré des granges du Massif Central — crée une spatialité unique et répond aux enjeux écologiques tout en offrant une architecture évolutive et contextuelle.
BIOGRAPHIE
Atelier du Rouget Simon Teyssou & Associés, Archétypes et milieux comme ressources du projet. Fondé en 2001 par Simon Teyssou, l’Atelier du Rouget explore les projets à toutes les échelles : urbaines, espaces publics, logements, équipements, architecture intérieure et mobilier. Engagé dans une démarche écologique critique, l’atelier estime que la prise en compte des contraintes environnementales ne doit pas être une question reléguée en fin de mission, mais au contraire, devenir une opportunité de projet, capable de faire émerger une architecture qui sache s’inscrire dans un site particulier, maîtriser son empreinte, offrir les meilleures qualités d’usage possible tout en pensant son évolutivité. Parallèlement, Simon Teyssou a enseigné le projet d’architecture à l’ENSA Clermont-Ferrand de 2004 à 2018, avant d’en prendre la direction. Il y est aussi membre du laboratoire de recherche « Ressources » depuis 2015.
Atelier du Rouget Simon Teyssou & Associés, Archétypes et milieux comme ressources du projet. Fondé en 2001 par Simon Teyssou, l’Atelier du Rouget explore les projets à toutes les échelles : urbaines, espaces publics, logements, équipements, architecture intérieure et mobilier. Engagé dans une démarche écologique critique, l’atelier estime que la prise en compte des contraintes environnementales ne doit pas être une question reléguée en fin de mission, mais au contraire, devenir une opportunité de projet, capable de faire émerger une architecture qui sache s’inscrire dans un site particulier, maîtriser son empreinte, offrir les meilleures qualités d’usage possible tout en pensant son évolutivité. Parallèlement, Simon Teyssou a enseigné le projet d’architecture à l’ENSA Clermont-Ferrand de 2004 à 2018, avant d’en prendre la direction. Il y est aussi membre du laboratoire de recherche « Ressources » depuis 2015.
MATIÈRES D’HORIZON
PRÌA
PRÉFACE
Le va-et-vient de la mer a sculpté les couches géologiques du Bassin parisien, créant un substrat riche et complexe. Cette intervention propose d’aménager le site géologique de Grignon pour révéler et préserver ses fossiles et ses strates tout en intégrant l’architecture au patrimoine naturel. De Grignon à Versailles, c'est une invitation à explorer et valoriser un paysage géologique unique, souvent invisible, mais essentiel à notre histoire collective.
Le va-et-vient de la mer a sculpté les couches géologiques du Bassin parisien, créant un substrat riche et complexe. Cette intervention propose d’aménager le site géologique de Grignon pour révéler et préserver ses fossiles et ses strates tout en intégrant l’architecture au patrimoine naturel. De Grignon à Versailles, c'est une invitation à explorer et valoriser un paysage géologique unique, souvent invisible, mais essentiel à notre histoire collective.
BIOGRAPHIE
Architectes-designers-artisans, PRÌA travaille pour la construction d’une architecture simple, ancrée et pérenne. De la matière à l’ingéniosité collective, leurs projets s’inspirent des savoir-faire traditionnels fondés sur l’utilisation rationnelle des ressources du site afin de développer des réponses constructives contemporaines. Basés dans le Sud-Est de la France, Antoine, Elsa et Giacomo opèrent entre les Alpes-Maritimes, le nord de la Corse et la Ligurie. Dans leur atelier, ils conçoivent l’architecture comme un élément du paysage qui contribue à sa continuité. Leur pratique interroge ainsi le territoire par l’expérimentation in situ et la rencontre des disciplines qui œuvrent à sa transmission et à son devenir.
Architectes-designers-artisans, PRÌA travaille pour la construction d’une architecture simple, ancrée et pérenne. De la matière à l’ingéniosité collective, leurs projets s’inspirent des savoir-faire traditionnels fondés sur l’utilisation rationnelle des ressources du site afin de développer des réponses constructives contemporaines. Basés dans le Sud-Est de la France, Antoine, Elsa et Giacomo opèrent entre les Alpes-Maritimes, le nord de la Corse et la Ligurie. Dans leur atelier, ils conçoivent l’architecture comme un élément du paysage qui contribue à sa continuité. Leur pratique interroge ainsi le territoire par l’expérimentation in situ et la rencontre des disciplines qui œuvrent à sa transmission et à son devenir.
C.I.D : CENTRE POUR L’INTERPRÉTATION DU DÉSERT
Emilio Marin
PRÉFACE
Conçu pour le désert d'Atacama, cet équipement public explore les strates naturelles, culturelles et énergétiques de ce paysage extrême. En repoussant les limites de l'architecture moderne, il intègre géographie, paysage et écologie dans une forme innovante, utilisant l'acier corten et un patio-oasis pour créer un dialogue profond entre architecture et désert.
Conçu pour le désert d'Atacama, cet équipement public explore les strates naturelles, culturelles et énergétiques de ce paysage extrême. En repoussant les limites de l'architecture moderne, il intègre géographie, paysage et écologie dans une forme innovante, utilisant l'acier corten et un patio-oasis pour créer un dialogue profond entre architecture et désert.
BIOGRAPHIE
Emilio Marin est un architecte chilien diplômé de la Faculté d’architecture et d’urbanisme de l’Université du Chili. En 2005, il fonde le studio éponyme qui se spécialise dans divers champs de l’architecture contemporaine, en développant des projets pour des clients privés et publics. Il a reçu le prix de la 17ème Biennale de Santiago récompensant l’œuvre de la Bibliothèque publique de Licantén. Il a été architecte invité à la Porto Academy en 2014, puis finaliste la même année du prix MCHAP. Emerge décerné par le IIT College of Architecture, avec le projet de Centre pour l’interprétation du désert. En 2021, il assure le commissariat du pavillon du Chili à la Biennale d’architecture de Venise « Comment vivrons-nous ensemble ? », avec le projet Testimonial Spaces.
Emilio Marin est un architecte chilien diplômé de la Faculté d’architecture et d’urbanisme de l’Université du Chili. En 2005, il fonde le studio éponyme qui se spécialise dans divers champs de l’architecture contemporaine, en développant des projets pour des clients privés et publics. Il a reçu le prix de la 17ème Biennale de Santiago récompensant l’œuvre de la Bibliothèque publique de Licantén. Il a été architecte invité à la Porto Academy en 2014, puis finaliste la même année du prix MCHAP. Emerge décerné par le IIT College of Architecture, avec le projet de Centre pour l’interprétation du désert. En 2021, il assure le commissariat du pavillon du Chili à la Biennale d’architecture de Venise « Comment vivrons-nous ensemble ? », avec le projet Testimonial Spaces.
RÉCIT ET MÉTAMORPHOSE DU TERRITOIRE
Henri de Chassey & Jonathan Zwygart
PRÉFACE
En se penchant sur les territoires négligés de l'arrière-pays européen, ce projet d’architecture vise à dévoiler la richesse des espaces productifs souvent invisibles. En explorant les micro-projets et les infrastructures qui façonnent le paysage francilien, nous cherchons à réévaluer leur rôle essentiel et leur connexion à notre quotidien.
En se penchant sur les territoires négligés de l'arrière-pays européen, ce projet d’architecture vise à dévoiler la richesse des espaces productifs souvent invisibles. En explorant les micro-projets et les infrastructures qui façonnent le paysage francilien, nous cherchons à réévaluer leur rôle essentiel et leur connexion à notre quotidien.
BIOGRAPHIES
Henri de Chassey est un architecte français, diplômé de l’ÉNSA Versailles. Il a collaboré avec l’agence d’architecture Junya Ishigami & Associates à Tokyo et travaille actuellement chez OFFICE Kersten Geers David Van Severen, situé à Bruxelles.
Jonathan Zwygart est un architecte suisse, diplômé également de l’ÉNSA Versailles et du Kyoto Institute of Technology. Il a collaboré avec l’agence parisienne TVK et travaille actuellement au sein de l’agence Lacroix Chessex à Genève.
Leur projet de diplôme « Récit et métamorphose du Territoire », soutenu en 2019 sous la direction de Cédric Libert et de Djamel Klouche, explore l’arrière-pays européen totalement industrialisé, presque entièrement urbanisé, et propose — en quête d’une nouvelle esthétique — ses figures à venir.
Henri de Chassey est un architecte français, diplômé de l’ÉNSA Versailles. Il a collaboré avec l’agence d’architecture Junya Ishigami & Associates à Tokyo et travaille actuellement chez OFFICE Kersten Geers David Van Severen, situé à Bruxelles.
Jonathan Zwygart est un architecte suisse, diplômé également de l’ÉNSA Versailles et du Kyoto Institute of Technology. Il a collaboré avec l’agence parisienne TVK et travaille actuellement au sein de l’agence Lacroix Chessex à Genève.
Leur projet de diplôme « Récit et métamorphose du Territoire », soutenu en 2019 sous la direction de Cédric Libert et de Djamel Klouche, explore l’arrière-pays européen totalement industrialisé, presque entièrement urbanisé, et propose — en quête d’une nouvelle esthétique — ses figures à venir.
LES TRACES DU VIVANT
Bony Mosconi Architectes, Giaime Meloni, Mathieu Mercuriali
PRÉFACE
L'installation Les Traces du vivant ravive l'influence des chevaux sur notre cadre bâti. À travers trois dispositifs — le cheval au travail, le cheval sauvage, et une empreinte dans la terre — elle redonne vie à l'impact physique et symbolique des équidés sur l'architecture des écuries, fusionnant mémoire et matérialité.
L'installation Les Traces du vivant ravive l'influence des chevaux sur notre cadre bâti. À travers trois dispositifs — le cheval au travail, le cheval sauvage, et une empreinte dans la terre — elle redonne vie à l'impact physique et symbolique des équidés sur l'architecture des écuries, fusionnant mémoire et matérialité.
BIOGRAPHIES
Henri Bony est architecte et maître de conférences associé à l’ÉNSA Versailles. Il a cofondé en 2015 l’atelier Bony Mosconi au sein duquel il mène une double activité de maîtrise d’œuvre et de commissariat d’expositions, notamment Villes potentielles à la Maison de l’Architecture IDF (2015), Dessiner le monstre moderne au Frac Centre (2017), Sublime, sidération, anthropocène au CIVA Canal Centre Pompidou (2019) et prochainement Paris animal au Pavillon de l’Arsenal (2023). Il développe une recherche plastique par le biais de dessins, de gravures et d’installations.
Léa Mosconi est architecte HMONP, docteure en architecture et maîtresse de conférences à l’ENSA Nantes. Elle a cofondé en 2015 l’atelier Bony Mosconi. Elle est chercheuse au sein du laboratoire AAU, équipe CRENAU, et associée au laboratoire ACS. Elle est présidente de la Maison de l’Architecture en Île-de-France. Dans ces quatre activités, elle tente de questionner ce que font les changements climatiques à la manière dont on appréhende, habite et conçoit l’architecture.
Giaime Meloni est un chercheur visuel qui questionne la restitution photographique de l’espace ordinaire. Ses recherches font l’objet de publications, de conférences internationales et d’expositions. Il enseigne, entre l’Italie et la France, les formes de représentation comme outils de conception du projet architectural.
Mathieu Mercuriali est architecte DPLG, urbaniste et docteur en architecture (EPF Lausanne). Il pratique son métier en tant que professeur titulaire à l’ENSA Strasbourg, chercheur dans les laboratoires LIAT et AMUP, et architecte indépendant. Il réalise et étudie des projets qui redessinent la frontière entre l’architecture et le vivant. Il est notamment l’auteur du livre Concevoir à grande échelle (éditions B42, 2018).
Henri Bony est architecte et maître de conférences associé à l’ÉNSA Versailles. Il a cofondé en 2015 l’atelier Bony Mosconi au sein duquel il mène une double activité de maîtrise d’œuvre et de commissariat d’expositions, notamment Villes potentielles à la Maison de l’Architecture IDF (2015), Dessiner le monstre moderne au Frac Centre (2017), Sublime, sidération, anthropocène au CIVA Canal Centre Pompidou (2019) et prochainement Paris animal au Pavillon de l’Arsenal (2023). Il développe une recherche plastique par le biais de dessins, de gravures et d’installations.
Léa Mosconi est architecte HMONP, docteure en architecture et maîtresse de conférences à l’ENSA Nantes. Elle a cofondé en 2015 l’atelier Bony Mosconi. Elle est chercheuse au sein du laboratoire AAU, équipe CRENAU, et associée au laboratoire ACS. Elle est présidente de la Maison de l’Architecture en Île-de-France. Dans ces quatre activités, elle tente de questionner ce que font les changements climatiques à la manière dont on appréhende, habite et conçoit l’architecture.
Giaime Meloni est un chercheur visuel qui questionne la restitution photographique de l’espace ordinaire. Ses recherches font l’objet de publications, de conférences internationales et d’expositions. Il enseigne, entre l’Italie et la France, les formes de représentation comme outils de conception du projet architectural.
Mathieu Mercuriali est architecte DPLG, urbaniste et docteur en architecture (EPF Lausanne). Il pratique son métier en tant que professeur titulaire à l’ENSA Strasbourg, chercheur dans les laboratoires LIAT et AMUP, et architecte indépendant. Il réalise et étudie des projets qui redessinent la frontière entre l’architecture et le vivant. Il est notamment l’auteur du livre Concevoir à grande échelle (éditions B42, 2018).
VISIBLE/INVISIBLE
Éva Le Roi
PRÉFACE
Cette collection de dessins révèle le double impact de l’exploitation matérielle sur notre socle terrestre. En dévoilant les couches enfouies et en exposant les gestes mécanisés qui modifient le paysage, elle illustre comment l'Homme façonne brutalement et méthodiquement la matière qu'il exploite.
Cette collection de dessins révèle le double impact de l’exploitation matérielle sur notre socle terrestre. En dévoilant les couches enfouies et en exposant les gestes mécanisés qui modifient le paysage, elle illustre comment l'Homme façonne brutalement et méthodiquement la matière qu'il exploite.
BIOGRAPHIE
Éva Le Roi est une artiste et illustratrice indépendante basée à Bruxelles. Elle a étudié l’illustration à l’École Estienne de Paris et à l’École Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg. Elle explore les relations entre les structures construites et leur environnement au travers des spécificités du dessin manuel. Depuis 2010, elle collabore avec des bureaux d’architecture tels que XDGA, 51N4E et l’AUC dans le cadre d’expositions, de concours et d’événements institutionnels. Au travers de ses illustrations, elle contribue également à des projets éditoriaux comme ceux d’OASE #90 ou encore d’Accattone #6. Elle a participé à trois reprises à la Biennale d’architecture de Venise en 2012, 2014 et 2018, ainsi qu’à des expositions en France, en Belgique, en Suisse et au Brésil.
Éva Le Roi est une artiste et illustratrice indépendante basée à Bruxelles. Elle a étudié l’illustration à l’École Estienne de Paris et à l’École Supérieure des Arts Décoratifs de Strasbourg. Elle explore les relations entre les structures construites et leur environnement au travers des spécificités du dessin manuel. Depuis 2010, elle collabore avec des bureaux d’architecture tels que XDGA, 51N4E et l’AUC dans le cadre d’expositions, de concours et d’événements institutionnels. Au travers de ses illustrations, elle contribue également à des projets éditoriaux comme ceux d’OASE #90 ou encore d’Accattone #6. Elle a participé à trois reprises à la Biennale d’architecture de Venise en 2012, 2014 et 2018, ainsi qu’à des expositions en France, en Belgique, en Suisse et au Brésil.
TERROIR OU TERRITOIRE
Niklas Fanelsa, Simon Teyssou, Louise Morin
«
Nous avons arrêté de répondre à des concours d’architecture, il y a cinq ans. Parce que nous avons considéré que nous ne pouvions pas apporter une contribution significative à l’endroit où nous nous trouvions. Nous estimons devoir être sur place et faire avec les gens, avec le contexte, avec le terroir (...) Concevoir un projet, dans un endroit qu’on ne connaît pas, souvent en moins de deux mois, tout en abordant finement le terroir, c’est pratiquement impossible.
»
PRÉFACE
Tandis que le territoire est considéré comme une étendue de terre sous une même juridiction, le terroir est un terme généralement utilisé dans le secteur vitivinicole, pouvant être défini comme la rencontre d’un sol, d’un climat et d’un savoir-faire local. Une définition qui pourrait être celle de l’architecture, discipline façonnée par des cultures de matériaux et des climats intérieurs de ressources visibles et invisibles. Alors que les villes du monde entier deviennent de plus en plus génériques, compétitives et déconnectées de leurs traditions, la ruralité, pourtant taxée pour son traditionalisme, apparaît aujourd’hui comme un laboratoire pour la ville de demain. S’y développent de nouveaux modèles de vie et modes de production locaux, basés, entre autres, sur l’établissement intense de relations dans un lieu.
Les architectes doivent-ils s’ancrer dans un contexte spécifique pour en acquérir les connaissances et en comprendre les traditions afin d’y développer leur pratique architecturale ? Comment questionner les éléments d’architecture invisibles liés à la tradition de cultures spécifiques ? L’approche du terroir ne peut-elle progresser seulement dans la pratique de l’architecture dans un contexte rural, loin des grandes villes où la concurrence règne ?
Tandis que le territoire est considéré comme une étendue de terre sous une même juridiction, le terroir est un terme généralement utilisé dans le secteur vitivinicole, pouvant être défini comme la rencontre d’un sol, d’un climat et d’un savoir-faire local. Une définition qui pourrait être celle de l’architecture, discipline façonnée par des cultures de matériaux et des climats intérieurs de ressources visibles et invisibles. Alors que les villes du monde entier deviennent de plus en plus génériques, compétitives et déconnectées de leurs traditions, la ruralité, pourtant taxée pour son traditionalisme, apparaît aujourd’hui comme un laboratoire pour la ville de demain. S’y développent de nouveaux modèles de vie et modes de production locaux, basés, entre autres, sur l’établissement intense de relations dans un lieu.
Les architectes doivent-ils s’ancrer dans un contexte spécifique pour en acquérir les connaissances et en comprendre les traditions afin d’y développer leur pratique architecturale ? Comment questionner les éléments d’architecture invisibles liés à la tradition de cultures spécifiques ? L’approche du terroir ne peut-elle progresser seulement dans la pratique de l’architecture dans un contexte rural, loin des grandes villes où la concurrence règne ?
CONTEXTE
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Niklas Fanelsa, architecte et fondateur de l’Atelier Fanelsa dont la pratique de l’architecture s’inscrit dans des contextes ruraux, interrogeant le lien entre conception et fabrication du projet ; Simon Teyssou, architecte et fondateur de l’Atelier du Rouget, qui construit et réhabilite de nombreux équipements publics, particulièrement dans le Cantal, en mettant en avant les savoir-faire locaux ; Louise Morin, architecte et designer basée à Paris, qui mène une pratique expérimentale autour des questions d’énergie, les interrogeant au cours de plusieurs résidences artistiques; et Émeric Lambert, architecte et co-fondateur de l’agence PARC architectes, opérant sur des projets d’envergure à travers toute la France, qui mettent la relation entre le bâtiment et son climat au cœur de la conception.
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Niklas Fanelsa, architecte et fondateur de l’Atelier Fanelsa dont la pratique de l’architecture s’inscrit dans des contextes ruraux, interrogeant le lien entre conception et fabrication du projet ; Simon Teyssou, architecte et fondateur de l’Atelier du Rouget, qui construit et réhabilite de nombreux équipements publics, particulièrement dans le Cantal, en mettant en avant les savoir-faire locaux ; Louise Morin, architecte et designer basée à Paris, qui mène une pratique expérimentale autour des questions d’énergie, les interrogeant au cours de plusieurs résidences artistiques; et Émeric Lambert, architecte et co-fondateur de l’agence PARC architectes, opérant sur des projets d’envergure à travers toute la France, qui mettent la relation entre le bâtiment et son climat au cœur de la conception.
INFOS
Table ronde du 16 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Niklas Fanelsa (Atelier Fanelsa)
Simon Teyssou (Atelier du Rouget Simon Teyssou Associés)
Louise Morin (Studio Louise Morin)
Modératrice :
Rocio Calzado Lopez
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Revue papier
Article numérique
Table ronde du 16 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Niklas Fanelsa (Atelier Fanelsa)
Simon Teyssou (Atelier du Rouget Simon Teyssou Associés)
Louise Morin (Studio Louise Morin)
Modératrice :
Rocio Calzado Lopez
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Revue papier
Article numérique
PLACES OF RURAL PRACTICE
Atelier FANELSA
PRÉFACE
Initié par l'Atelier FANELSA, Places of Rural Practice explore les synergies entre construction, textile et alimentation en milieu rural. À travers des ateliers, cette expérience transforme une structure-échafaudage en un lieu d’expérimentation collective, intégrant teinture, cuisine et art. Ce projet révèle le potentiel des zones rurales pour une nouvelle écologie architecturale.
Initié par l'Atelier FANELSA, Places of Rural Practice explore les synergies entre construction, textile et alimentation en milieu rural. À travers des ateliers, cette expérience transforme une structure-échafaudage en un lieu d’expérimentation collective, intégrant teinture, cuisine et art. Ce projet révèle le potentiel des zones rurales pour une nouvelle écologie architecturale.
BIOGRAPHIE
Atelier FANELSA est une équipe internationale d’architectes, basée à Berlin et à Gerswalde, en Allemagne. L’atelier étudie les formes contemporaines de travail, d’habitat et de vie en collectivité à la campagne, en ville ainsi qu’à sa périphérie. Il réalise des projets privés, des bâtiments publics, des expositions et il organise également des workshops. À travers ces différentes échelles de projet, l’Atelier Fanelsa développe des réponses innovantes et qualitatives aux questions et aux conditions de la société d’aujourd’hui. Niveau Zéro Atelier (design et fabrication), Anaïs Guéry (textile) et Éléonore Grignon (art culinaire), artisans locaux, mettent à contribution leurs connaissances du territoire francilien et partagent leurs pratiques pour ce workshop.
Atelier FANELSA est une équipe internationale d’architectes, basée à Berlin et à Gerswalde, en Allemagne. L’atelier étudie les formes contemporaines de travail, d’habitat et de vie en collectivité à la campagne, en ville ainsi qu’à sa périphérie. Il réalise des projets privés, des bâtiments publics, des expositions et il organise également des workshops. À travers ces différentes échelles de projet, l’Atelier Fanelsa développe des réponses innovantes et qualitatives aux questions et aux conditions de la société d’aujourd’hui. Niveau Zéro Atelier (design et fabrication), Anaïs Guéry (textile) et Éléonore Grignon (art culinaire), artisans locaux, mettent à contribution leurs connaissances du territoire francilien et partagent leurs pratiques pour ce workshop.
INFOS
Workshop 06
15.06.22—16.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Atelier Fanelsa avec Niveau Zéro Atelier — Angleterre et France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
6 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 06
15.06.22—16.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Atelier Fanelsa avec Niveau Zéro Atelier — Angleterre et France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
6 pages
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Article numérique
WIKI PRAIRIE SCHOOL
Magali Paris & Walter Simone
PRÉFACE
Le cabinet de curiosités végétales, installé dans les Petites Écuries, explore une architecture botanique inspirée des Prairie Houses de Frank Lloyd Wright. À travers une installation immersive mêlant design, horticulture et poésie, ce projet invite à redécouvrir la nature, en fusionnant réalité et virtualité pour engager le public dans une expérience unique et poétique.
Le cabinet de curiosités végétales, installé dans les Petites Écuries, explore une architecture botanique inspirée des Prairie Houses de Frank Lloyd Wright. À travers une installation immersive mêlant design, horticulture et poésie, ce projet invite à redécouvrir la nature, en fusionnant réalité et virtualité pour engager le public dans une expérience unique et poétique.
BIOGRAPHIES
Magali Paris est ingénieure-paysagiste et docteure en urbanisme et architecture, maître de conférence à l’ÉNSA Versailles.
Walter Simone est architecte, fondateur de l’agence spécialisée en modélisation et représentation architecturale PREVIEW, et enseignant à l’ENSA Paris-Val de Seine.
Ensemble, ils cofondent le programme international Wiki Building School qui œuvre depuis 2016 à impliquer les étudiants en architecture dans des actions éducatives jeune public par le biais de conceptions-constructions ludiques à l’échelle 1. En prolongement de l’expérience physique, les constructions sont expérimentées dans les mondes virtuels pour amplifier, l’un par l’autre, et travailler une architecture aussi bien sensorielle qu’onirique.
Magali Paris est ingénieure-paysagiste et docteure en urbanisme et architecture, maître de conférence à l’ÉNSA Versailles.
Walter Simone est architecte, fondateur de l’agence spécialisée en modélisation et représentation architecturale PREVIEW, et enseignant à l’ENSA Paris-Val de Seine.
Ensemble, ils cofondent le programme international Wiki Building School qui œuvre depuis 2016 à impliquer les étudiants en architecture dans des actions éducatives jeune public par le biais de conceptions-constructions ludiques à l’échelle 1. En prolongement de l’expérience physique, les constructions sont expérimentées dans les mondes virtuels pour amplifier, l’un par l’autre, et travailler une architecture aussi bien sensorielle qu’onirique.
INFOS
Workshop 09
02.07.22—09.07.22
ÉNSA Versailles, Pavillon La Petite École - Mos
architects [2019]
Ce workshop est proposé par :
Magali Paris et Walter Simone avec Fabien Duchene et Valerio Signorelli — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
6 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 09
02.07.22—09.07.22
ÉNSA Versailles, Pavillon La Petite École - Mos
architects [2019]
Ce workshop est proposé par :
Magali Paris et Walter Simone avec Fabien Duchene et Valerio Signorelli — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
6 pages
Revue papier
Article numérique
TERRE SYMBOLE
Atelier Aïno, Franck Boutté Consultants, Amàco & Cycle Terre
PRÉFACE
Face à la raréfaction des ressources et à la tendance vers des solutions uniformisées, cette recherche examine comment l'ornement, traditionnellement perçu comme décoratif, peut renforcer la performance des matériaux. En explorant les Blocs de Terre Compressée (BTC) de Cycle Terre, nous questionnons l'intégration des motifs pour améliorer l'efficacité hygrothermique, mêlant design, architecture et ingénierie pour une architecture innovante et durable.
Face à la raréfaction des ressources et à la tendance vers des solutions uniformisées, cette recherche examine comment l'ornement, traditionnellement perçu comme décoratif, peut renforcer la performance des matériaux. En explorant les Blocs de Terre Compressée (BTC) de Cycle Terre, nous questionnons l'intégration des motifs pour améliorer l'efficacité hygrothermique, mêlant design, architecture et ingénierie pour une architecture innovante et durable.
BIOGRAPHIE
Atelier Aïno est une SCOP d’architecture créée en 2016 par les architectes Élise Giordano et Charlotte Lovera ainsi que par Louise Dubois, designer matériau. Engagé dans l’économie circulaire, l’Atelier Aïno favorise la réhabilitation plutôt que la démolition pour limiter les déchets. « Faire plus » en amont du projet afin de « faire moins » par la suite, pour considérer l’existant comme levier et utiliser les gisements déjà en place. Dans un échange avec le contexte, les habitants et les entreprises, l’atelier fait équipe pour mener un projet commun. Le groupement est porté par l’Atelier Aïno, avec Franck Boutté Consultants pour l’ingénierie environnementale, amàco pour l’ingénierie terre crue, le fournisseur Cycle Terre et le partenariat des Grands Ateliers.
Atelier Aïno est une SCOP d’architecture créée en 2016 par les architectes Élise Giordano et Charlotte Lovera ainsi que par Louise Dubois, designer matériau. Engagé dans l’économie circulaire, l’Atelier Aïno favorise la réhabilitation plutôt que la démolition pour limiter les déchets. « Faire plus » en amont du projet afin de « faire moins » par la suite, pour considérer l’existant comme levier et utiliser les gisements déjà en place. Dans un échange avec le contexte, les habitants et les entreprises, l’atelier fait équipe pour mener un projet commun. Le groupement est porté par l’Atelier Aïno, avec Franck Boutté Consultants pour l’ingénierie environnementale, amàco pour l’ingénierie terre crue, le fournisseur Cycle Terre et le partenariat des Grands Ateliers.
LES NOUVEAUX VÉSUVES
Florent Mathieu
PRÉFACE
À travers les âges, l'Humanité a défié la puissance des volcans, vénérant leur énergie tout en en redoutant la destructivité. Cette réflexion contemporaine explore comment, à l'ère moderne, nous cohabitons avec des « volcans » nouveaux comme Tchernobyl et Fukushima. En nous interrogeant sur ces dangers contemporains, nous envisageons comment les forces que nous maîtrisons pourraient façonner notre avenir dans un monde de plus en plus anthropisé.
À travers les âges, l'Humanité a défié la puissance des volcans, vénérant leur énergie tout en en redoutant la destructivité. Cette réflexion contemporaine explore comment, à l'ère moderne, nous cohabitons avec des « volcans » nouveaux comme Tchernobyl et Fukushima. En nous interrogeant sur ces dangers contemporains, nous envisageons comment les forces que nous maîtrisons pourraient façonner notre avenir dans un monde de plus en plus anthropisé.
BIOGRAPHIE
Florent Mathieu est architecte, diplômé de l’ENSA Nancy en 2018 et habité par l’envie d’illustrer des mondes plus ou moins imaginaires, plus ou moins volcaniques. Ses créations passent, depuis toujours, par le dessin et s’expriment au travers de concours d’idées pour lesquels il a été lauréat comme celui de l’extension du musée des Beaux-Arts de Lyon et celui d’Europan, ou encore par le développement de projets musicaux. Les paysages et les architectures qui émergent de sa pratique sont autant de territoires d’exploration sur lesquels il s’exerce, par le dessin, aux points et aux traits.
Florent Mathieu est architecte, diplômé de l’ENSA Nancy en 2018 et habité par l’envie d’illustrer des mondes plus ou moins imaginaires, plus ou moins volcaniques. Ses créations passent, depuis toujours, par le dessin et s’expriment au travers de concours d’idées pour lesquels il a été lauréat comme celui de l’extension du musée des Beaux-Arts de Lyon et celui d’Europan, ou encore par le développement de projets musicaux. Les paysages et les architectures qui émergent de sa pratique sont autant de territoires d’exploration sur lesquels il s’exerce, par le dessin, aux points et aux traits.
TERRE MANIFESTE
Solène Lavillaureix
PRÉFACE
L’aménagement du territoire produit d'énormes volumes de terre, souvent négligés comme déchets une fois extraits. En Île-de-France, ces montagnes artificielles, issues de projets comme le Grand Paris Express, évoquent les traditions humaines de transformation du sol. Les dessins exposés interrogent ces reliefs modernes comme nouveaux substrats, potentiels pour une nature renaissante dans l’anthropocène.
L’aménagement du territoire produit d'énormes volumes de terre, souvent négligés comme déchets une fois extraits. En Île-de-France, ces montagnes artificielles, issues de projets comme le Grand Paris Express, évoquent les traditions humaines de transformation du sol. Les dessins exposés interrogent ces reliefs modernes comme nouveaux substrats, potentiels pour une nature renaissante dans l’anthropocène.
BIOGRAPHIE
Solène Lavillaureix est architecte, diplômée de l’ÉNSA Versailles en 2019 sous la direction de Cédric Libert. Elle mène actuellement une recherche, initiée lors de son diplôme de fin d’études, sur la manière de requalifier les déchets issus des chantiers de construction ainsi que sur les grands mouvements de terre.
Solène Lavillaureix est architecte, diplômée de l’ÉNSA Versailles en 2019 sous la direction de Cédric Libert. Elle mène actuellement une recherche, initiée lors de son diplôme de fin d’études, sur la manière de requalifier les déchets issus des chantiers de construction ainsi que sur les grands mouvements de terre.
BLOCS DE TERRE STABILISÉE, VOÛTES ET DÔMES POUR UN FUTUR DURABLE
Auroville Earth Institute
PRÉFACE
Depuis les années 1980, Satprem Maïni explore et adapte les techniques de construction traditionnelles, mettant l'accent sur l'utilisation de la terre crue et des matériaux locaux. Fondateur de l'Auroville Earth Institute, il développe des solutions innovantes pour renforcer la terre crue face aux défis climatiques, telles que le Bloc de Terre Comprimée Stabilisée (BTCS) et des techniques de construction résilientes.
Depuis les années 1980, Satprem Maïni explore et adapte les techniques de construction traditionnelles, mettant l'accent sur l'utilisation de la terre crue et des matériaux locaux. Fondateur de l'Auroville Earth Institute, il développe des solutions innovantes pour renforcer la terre crue face aux défis climatiques, telles que le Bloc de Terre Comprimée Stabilisée (BTCS) et des techniques de construction résilientes.
BIOGRAPHIE
Auroville Earth Institute est une organisation à but non lucratif spécialisée dans la recherche, le développement, la promotion et le transfert des technologies de construction en terre, matière qui figure parmi les solutions les plus efficientes en termes d’émission de dioxyde de carbone, condition intrinsèque au développement durable. Depuis plus de trente ans, Auroville Earth Institute forme et habilite des personnes à construire leurs propres habitations en utilisant diverses techniques de mise en œuvre de la terre.
Auroville Earth Institute est une organisation à but non lucratif spécialisée dans la recherche, le développement, la promotion et le transfert des technologies de construction en terre, matière qui figure parmi les solutions les plus efficientes en termes d’émission de dioxyde de carbone, condition intrinsèque au développement durable. Depuis plus de trente ans, Auroville Earth Institute forme et habilite des personnes à construire leurs propres habitations en utilisant diverses techniques de mise en œuvre de la terre.
ARCHITECTURE À ÉNERGIE HUMAINE
Collectif Studiolada & Mathias Rollot
PRÉFACE
Le Collectif Studiolada dévoile les processus humains invisibles derrière ses réalisations, comme le marché de Saint-Dizier et le siège de Moselle et Madon. Leur approche met en avant l'énergie humaine investie dans chaque projet, du façonnage des arches en pierre aux briques d'adobe moulées à la main. Ils révèlent ainsi la passion et l'engagement des artisans, maçons et ingénieurs, faisant de chaque construction une source d'énergie et de fierté partagée, reliant les matériaux bruts à l'expérience humaine qui s’en infuse.
Le Collectif Studiolada dévoile les processus humains invisibles derrière ses réalisations, comme le marché de Saint-Dizier et le siège de Moselle et Madon. Leur approche met en avant l'énergie humaine investie dans chaque projet, du façonnage des arches en pierre aux briques d'adobe moulées à la main. Ils révèlent ainsi la passion et l'engagement des artisans, maçons et ingénieurs, faisant de chaque construction une source d'énergie et de fierté partagée, reliant les matériaux bruts à l'expérience humaine qui s’en infuse.
BIOGRAPHIES
Le collectif Studiolada, composé de 6 architectes associé·e·s (Christophe Aubertin, Xavier Géant, Agnès Hausermann, Aurélie Husson, Eléonore Nicolas et Benoît Sindt) et de neuf collaborateur·rice·s, conçoit des projets d’architecture et d’urbanisme depuis 2008. Riche de la diversité des profils qui le constitue, le collectif réunit des compétences multiples pour innover et répondre au mieux à la spécificité de chaque projet tout en adaptant une démarche durable, privilégiant les savoir-faire et matériaux locaux. En 2014, l’agence est lauréate des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes décerné par le ministère de la Culture.
Mathias Rollot est architecte, docteur en architecture, enseignant-chercheur à l’ENSA Nancy et auteur. Ses recherches appartiennent au champ des humanités écologiques, et portent notamment sur la philosophie de l’habitabilité, la théorie du biorégionalisme, ou encore l’éthique et l’épistémologie architecturale au XXIe siècle.
Le collectif Studiolada, composé de 6 architectes associé·e·s (Christophe Aubertin, Xavier Géant, Agnès Hausermann, Aurélie Husson, Eléonore Nicolas et Benoît Sindt) et de neuf collaborateur·rice·s, conçoit des projets d’architecture et d’urbanisme depuis 2008. Riche de la diversité des profils qui le constitue, le collectif réunit des compétences multiples pour innover et répondre au mieux à la spécificité de chaque projet tout en adaptant une démarche durable, privilégiant les savoir-faire et matériaux locaux. En 2014, l’agence est lauréate des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes décerné par le ministère de la Culture.
Mathias Rollot est architecte, docteur en architecture, enseignant-chercheur à l’ENSA Nancy et auteur. Ses recherches appartiennent au champ des humanités écologiques, et portent notamment sur la philosophie de l’habitabilité, la théorie du biorégionalisme, ou encore l’éthique et l’épistémologie architecturale au XXIe siècle.
DE LA MATIÈRE AUX MATÉRIAUX
Ramdam
PRÉFACE
Le Pavillon d'accueil de la Scierie de Corzé illustre une rencontre entre le vivant et l'inerte, valorisant le bois sous toutes ses formes. Réalisé avec des matériaux déjà disponibles, il se démarque par sa simplicité constructive et son adaptabilité. Ce projet met en lumière la beauté brute du bois, de la grume au mobilier, tout en célébrant le savoir-faire du charpentier.
Le Pavillon d'accueil de la Scierie de Corzé illustre une rencontre entre le vivant et l'inerte, valorisant le bois sous toutes ses formes. Réalisé avec des matériaux déjà disponibles, il se démarque par sa simplicité constructive et son adaptabilité. Ce projet met en lumière la beauté brute du bois, de la grume au mobilier, tout en célébrant le savoir-faire du charpentier.
BIOGRAPHIE
Franck Dibon et Olivier Misischi, tous deux diplômés de l’ENSA Paris-Val de Seine, ont fondé leur agence en 2009, basée à Paris et Angers. Ramdam évoque leur attachement à la notion d’espace public, à l’effervescence d’une ville libre et ouverte à l’imprévu. Ramdam a été remarquée avec un immeuble de logements sur le canal Saint-Denis, à Paris, qui lui a valu d’être nommée au prix de la Première Œuvre en 2014 et d’être exposée au pavillon français de la Biennale de Venise en 2016. Adeptes du circuit court, les architectes y expérimentent le travail du bois. Ils considèrent l’architecture comme une opportunité de renforcer les liens entre les hommes et leur environnement.
Franck Dibon et Olivier Misischi, tous deux diplômés de l’ENSA Paris-Val de Seine, ont fondé leur agence en 2009, basée à Paris et Angers. Ramdam évoque leur attachement à la notion d’espace public, à l’effervescence d’une ville libre et ouverte à l’imprévu. Ramdam a été remarquée avec un immeuble de logements sur le canal Saint-Denis, à Paris, qui lui a valu d’être nommée au prix de la Première Œuvre en 2014 et d’être exposée au pavillon français de la Biennale de Venise en 2016. Adeptes du circuit court, les architectes y expérimentent le travail du bois. Ils considèrent l’architecture comme une opportunité de renforcer les liens entre les hommes et leur environnement.
LOGIQUES ESTHÉTIQUES
Worofila & #Élémenterre
PRÉFACE
À l’ère de l'architecture moderne, l’épure a souvent gommé les ornements pour privilégier la fonctionnalité. Aujourd'hui, face aux défis écologiques, nous redécouvrons des matériaux locaux et naturels comme la terre crue et le typha. Ces choix, loin de la stérilité moderne, allient nécessité technique et esthétique sincère, réconciliant beauté et durabilité dans une quête de neutralité carbone.
À l’ère de l'architecture moderne, l’épure a souvent gommé les ornements pour privilégier la fonctionnalité. Aujourd'hui, face aux défis écologiques, nous redécouvrons des matériaux locaux et naturels comme la terre crue et le typha. Ces choix, loin de la stérilité moderne, allient nécessité technique et esthétique sincère, réconciliant beauté et durabilité dans une quête de neutralité carbone.
BIOGRAPHIE
Worofila est un atelier d’architecture basé à Dakar et fondé en 2019 par Nzinga Biegueng Mboup et Nicolas Rondet. Leur vocation est de participer à la construction d’un monde soutenable, dont l’architecture serait ancrée dans son contexte. Iels conçoivent des projets bioclimatiques à la recherche constante de solutions économes et soutenables, et œuvrent pour la mise en valeur de savoir-faire anciens ainsi que l’utilisation de techniques et de matériaux innovants issus de connaissances et de compétences locales de haut niveau (notamment le typha, la terre crue et la paille). L’objectif est de concevoir des bâtiments confortables, adaptés au climat et peu émissifs en dioxyde de carbone (construction et usages).
Créée en 2010, #Elementerre est une entreprise sénégalaise de construction spécialisée dans les systèmes constructifs en terre. La production se fait à Gandigal, à sept kilomètres de Mbour, sur la route nationale.
Worofila est un atelier d’architecture basé à Dakar et fondé en 2019 par Nzinga Biegueng Mboup et Nicolas Rondet. Leur vocation est de participer à la construction d’un monde soutenable, dont l’architecture serait ancrée dans son contexte. Iels conçoivent des projets bioclimatiques à la recherche constante de solutions économes et soutenables, et œuvrent pour la mise en valeur de savoir-faire anciens ainsi que l’utilisation de techniques et de matériaux innovants issus de connaissances et de compétences locales de haut niveau (notamment le typha, la terre crue et la paille). L’objectif est de concevoir des bâtiments confortables, adaptés au climat et peu émissifs en dioxyde de carbone (construction et usages).
Créée en 2010, #Elementerre est une entreprise sénégalaise de construction spécialisée dans les systèmes constructifs en terre. La production se fait à Gandigal, à sept kilomètres de Mbour, sur la route nationale.
USINE À GAZ MINIATURE, FONCTIONNELLE, À LA FOIS MUNIE DE SON RÉACTEUR, DE SON GAZOMÈTRE ET DE SA TORCHÈRE, ET UNIQUEMENT COMPOSÉE DE CÉRAMIQUE, D’EAU ET DE MATIÈRE ORGANIQUE
Matthieu Molet
PRÉFACE
Cette architecture, faite de céramique, d’eau et de matière organique, remet en question la relation entre dispositifs techniques et leur matérialité. En exploitant la digestion anaérobie pour produire un gaz combustible, elle révèle la complexité des systèmes énergétiques tout en critiquant la dépendance aux matériaux industriels. Un espace qui rend visible l'invisible.
Cette architecture, faite de céramique, d’eau et de matière organique, remet en question la relation entre dispositifs techniques et leur matérialité. En exploitant la digestion anaérobie pour produire un gaz combustible, elle révèle la complexité des systèmes énergétiques tout en critiquant la dépendance aux matériaux industriels. Un espace qui rend visible l'invisible.
BIOGRAPHIE
Matthieu Molet a fondé en 2020 l’atelier de recherche artistique are- penno- à la suite d’un cursus d’architecture. S'intéressant à l’utilité de la forme et du geste au-delà du dessin architectural, son travail se structure autour de processus techniques permettant la transformation de la matière, souvent dans une mise en œuvre technique limitée mais suffisante pour mettre en tension le territoire, ses ressources et le temps, dans la manufacture d’objets utilitaires. Proche d’une conception agricole ancienne, voire éteinte, sa recherche se nourrit de textes et d’illustrations décrivant des méthodes ou outils disparus, aussi bien que de l’imagerie de l’émergence des sciences.
Matthieu Molet a fondé en 2020 l’atelier de recherche artistique are- penno- à la suite d’un cursus d’architecture. S'intéressant à l’utilité de la forme et du geste au-delà du dessin architectural, son travail se structure autour de processus techniques permettant la transformation de la matière, souvent dans une mise en œuvre technique limitée mais suffisante pour mettre en tension le territoire, ses ressources et le temps, dans la manufacture d’objets utilitaires. Proche d’une conception agricole ancienne, voire éteinte, sa recherche se nourrit de textes et d’illustrations décrivant des méthodes ou outils disparus, aussi bien que de l’imagerie de l’émergence des sciences.
SHOBRI
Wallmakers
PRÉFACE
Depuis la création de Wallmakers, nous avons adopté le principe de Laurie Baker d'utiliser des matériaux locaux pour nos constructions écologiques. Cependant, la rareté croissante des matériaux naturels en milieu urbain nous a poussés à innover avec les déchets disponibles. Nous avons développé SHOBRI — contraction de Shuttered Debris Wall — un mur de débris recyclés, alliant durabilité et résilience face aux défis de l'urbanisation.
Depuis la création de Wallmakers, nous avons adopté le principe de Laurie Baker d'utiliser des matériaux locaux pour nos constructions écologiques. Cependant, la rareté croissante des matériaux naturels en milieu urbain nous a poussés à innover avec les déchets disponibles. Nous avons développé SHOBRI — contraction de Shuttered Debris Wall — un mur de débris recyclés, alliant durabilité et résilience face aux défis de l'urbanisation.
BIOGRAPHIE
Vinu Daniel, architecte indien, a obtenu son diplôme en 2005 au College of Engineering Trivandrum, à Kerala. Il s’est par la suite formé au sein de l’organisation à but non lucratif Auroville Earth Institute, en développant un projet de construction post-Tsunami financé par le Programme des Nations Unies pour le développement. À son retour de Pondichéry en 2007, il a fondé Wallmakers, basé à Kerala, qui tire son nom de leur première réalisation, un projet qui consistait uniquement en la construction d’un mur d’enceinte. De nombreux événements et rencontres au cours de sa pratique l’ont incité à consacrer son énergie à la cause de l’architecture durable et économique.
Vinu Daniel, architecte indien, a obtenu son diplôme en 2005 au College of Engineering Trivandrum, à Kerala. Il s’est par la suite formé au sein de l’organisation à but non lucratif Auroville Earth Institute, en développant un projet de construction post-Tsunami financé par le Programme des Nations Unies pour le développement. À son retour de Pondichéry en 2007, il a fondé Wallmakers, basé à Kerala, qui tire son nom de leur première réalisation, un projet qui consistait uniquement en la construction d’un mur d’enceinte. De nombreux événements et rencontres au cours de sa pratique l’ont incité à consacrer son énergie à la cause de l’architecture durable et économique.
LA TOUR DES TERRES
Mue Expériences
PRÉFACE
La Tour des Terres se dresse comme un symbole de renaissance matérielle, sculptée dans les millions de tonnes de terre extraites du sous-sol francilien. Érigée à partir des déblais de la ville, cette tour démontre la résilience du matériau terre crue à grande hauteur, avec des techniques locales comme la bauge et le torchis. Son design adaptatif répond aux défis climatiques, faisant de la terre un artefact architectural réutilisable et naturel.
La Tour des Terres se dresse comme un symbole de renaissance matérielle, sculptée dans les millions de tonnes de terre extraites du sous-sol francilien. Érigée à partir des déblais de la ville, cette tour démontre la résilience du matériau terre crue à grande hauteur, avec des techniques locales comme la bauge et le torchis. Son design adaptatif répond aux défis climatiques, faisant de la terre un artefact architectural réutilisable et naturel.
BIOGRAPHIE
MUE-expériences, atelier de recherche, d’expérimentation et de pédagogie fondé par Paul-Emmanuel Loiret en 2019, est animé par le fait de participer activement à la MUtation Écologique de nos milieux de vie. MUE-expériences ambitionne notamment de co-concevoir et de co-construire des projets fertiles et pilotes dans le domaine du design, de la construction architecturale, de l’aménagement des territoires et des paysages post-carbone.
MUE-expériences, atelier de recherche, d’expérimentation et de pédagogie fondé par Paul-Emmanuel Loiret en 2019, est animé par le fait de participer activement à la MUtation Écologique de nos milieux de vie. MUE-expériences ambitionne notamment de co-concevoir et de co-construire des projets fertiles et pilotes dans le domaine du design, de la construction architecturale, de l’aménagement des territoires et des paysages post-carbone.
PRATIQUE ET RECHERCHE
Louise Dubois, Anna Saint-Pierre, Benoît Sindt, Vincent Trabaud
«
En 2018, nous avons livré une maison de santé, en Meurthe-et-Moselle. Ce projet se situe à un point de rencontre entre une habitude de construire en structure bois et une envie d’édifier un bâtiment en pierre. Nous avons associé les deux matériaux, locaux, pour aboutir à une structure mixte, qui cumule les qualités de chacun. À l’usage, on se rend compte que le bâtiment est très performant, même sans être climatisé, parce que cette paroi en pierre assure un bon déphasage thermique en été. »
PRÉFACE
Saison après saison, l’urgence climatique s’exacerbe, si bien qu’elle appelle celles et ceux qui façonnent le monde autant à innover qu’à revenir aux fondamentaux. Alors que la transition écologique incite à un avenir zéro carbone, se tourner de nouveau vers des savoir-faire que l’on a remplacés depuis un siècle et demi semble désormais s’imposer, aussi bien que de construire avec des techniques et des matériaux plus respectueux.
À la croisée du passé et du futur, comment expérimenter, inventer de nouvelles formes et techniques, et les me!re en pratique dans un contexte de plus en plus réglementé, normé et standardisé ?
Saison après saison, l’urgence climatique s’exacerbe, si bien qu’elle appelle celles et ceux qui façonnent le monde autant à innover qu’à revenir aux fondamentaux. Alors que la transition écologique incite à un avenir zéro carbone, se tourner de nouveau vers des savoir-faire que l’on a remplacés depuis un siècle et demi semble désormais s’imposer, aussi bien que de construire avec des techniques et des matériaux plus respectueux.
À la croisée du passé et du futur, comment expérimenter, inventer de nouvelles formes et techniques, et les me!re en pratique dans un contexte de plus en plus réglementé, normé et standardisé ?
CONTEXTE
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Vincent Trabaud, d’Amàco, qui œuvre en tant qu’association à la formation et à l’expérimentation sur la terre crue ; Louise Dubois qui représente l’Atelier Aïno, agence d’architecture engagée dans l’économie circulaire et l’expérimentation des matériaux ; Anna Saint-Pierre, designer qui développe une pratique autour des questions de réemploi auprès des agences d’architecture ; et Benoît Sindt, membre du Studio Studiolada qui développe une activité de maîtrise d’œuvre attentive aux savoir-faire et aux matériaux locaux.
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Vincent Trabaud, d’Amàco, qui œuvre en tant qu’association à la formation et à l’expérimentation sur la terre crue ; Louise Dubois qui représente l’Atelier Aïno, agence d’architecture engagée dans l’économie circulaire et l’expérimentation des matériaux ; Anna Saint-Pierre, designer qui développe une pratique autour des questions de réemploi auprès des agences d’architecture ; et Benoît Sindt, membre du Studio Studiolada qui développe une activité de maîtrise d’œuvre attentive aux savoir-faire et aux matériaux locaux.
INFOS
Table ronde du 30 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Louise Dubois (Atelier Aïno)
Anna Saint-Pierre
Benoît Sindt (Studiolada)
Vincent Trabaud (Amàco)
Modérateur :
Hugo Christy
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
12 pages
Revue papier
Article numérique
Table ronde du 30 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Louise Dubois (Atelier Aïno)
Anna Saint-Pierre
Benoît Sindt (Studiolada)
Vincent Trabaud (Amàco)
Modérateur :
Hugo Christy
Publié en 2022 dans
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Article numérique
CONSTRUIRE EN TERRE CRUE
Amàco
PRÉFACE
Construire avec la terre crue, c'est exploiter une matière ancestrale riche en savoir-faire et en identités culturelles. À travers des ateliers pratiques, 65 participant·e·s découvrent les techniques du pisé, du torchis et de l’adobe, tout en manipulant des mélanges variés. Ces expériences soulignent la diversité des terres et leurs applications possibles en architecture contemporaine, révélant la terre comme réponse durable et innovante aux défis actuels.
Construire avec la terre crue, c'est exploiter une matière ancestrale riche en savoir-faire et en identités culturelles. À travers des ateliers pratiques, 65 participant·e·s découvrent les techniques du pisé, du torchis et de l’adobe, tout en manipulant des mélanges variés. Ces expériences soulignent la diversité des terres et leurs applications possibles en architecture contemporaine, révélant la terre comme réponse durable et innovante aux défis actuels.
BIOGRAPHIE
Amàco est un centre de recherche, d’expertise et de formation qui accompagne les professionnels et futurs professionnels de la construction, de l’architecture et du design dans la conception et la réalisation de projets transformant les matières naturelles disponibles localement en matériaux de construction. amàco soutient également le développement de filières de production de matériaux en terre crue et en fibres végétales dans les territoires. Sable, cailloux, argiles, osier, bambou et toutes les matières brutes qui nous entourent sont étudiées par amàco. En croisant science, technique, art et architecture, amàco révèle leurs potentiels constructifs et esthétiques.
Amàco est un centre de recherche, d’expertise et de formation qui accompagne les professionnels et futurs professionnels de la construction, de l’architecture et du design dans la conception et la réalisation de projets transformant les matières naturelles disponibles localement en matériaux de construction. amàco soutient également le développement de filières de production de matériaux en terre crue et en fibres végétales dans les territoires. Sable, cailloux, argiles, osier, bambou et toutes les matières brutes qui nous entourent sont étudiées par amàco. En croisant science, technique, art et architecture, amàco révèle leurs potentiels constructifs et esthétiques.
INFOS
Workshop 08
02.07.22—03.07.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
amàco : Zoé Tric, Basile Cloquet, Gian Franco Noriega, Lionel Ronsoux, Vincent Trabaud et Anne Lambert — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 08
02.07.22—03.07.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
amàco : Zoé Tric, Basile Cloquet, Gian Franco Noriega, Lionel Ronsoux, Vincent Trabaud et Anne Lambert — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
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Article numérique
RECYCLER LES MÉMOIRES BÂTIES
Anna Saint-Pierre
PRÉFACE
Au démarrage d'un projet, la question de conserver, de rénover ou de démolir un bâtiment se pose souvent. Le workshop Recycler les mémoires bâties explore une approche innovante : réutiliser les matériaux sur site. En transformant ardoises, briques et bois récupérés des Petites Écuries, il valorise le patrimoine architectural par des procédés créatifs, invitant à repenser la transmission du bâti à l’échelle du matériau.
Au démarrage d'un projet, la question de conserver, de rénover ou de démolir un bâtiment se pose souvent. Le workshop Recycler les mémoires bâties explore une approche innovante : réutiliser les matériaux sur site. En transformant ardoises, briques et bois récupérés des Petites Écuries, il valorise le patrimoine architectural par des procédés créatifs, invitant à repenser la transmission du bâti à l’échelle du matériau.
BIOGRAPHIE
Anna Saint-Pierre est designer textile de formation, diplômée de l’École des Arts Décoratifs en 2016 et basée à Paris. Elle est engagée, en tant que chercheuse au sein du programme SACRe, dans une thèse portant sur la « Textilisation de la mémoire bâtie par la réutilisation in situ des déchets architecturaux ». À travers ses collaborations avec des architectes, designers et artistes, elle développe des protocoles de transformation in situ de la matière bâtie. Son mode d’intervention concerne idéalement des projets de réhabilitation et fonctionne par soustractions et additions, dans des proportions et des typologies préalablement définies par les architectes en concertation avec les maîtres d’ouvrage.
Anna Saint-Pierre est designer textile de formation, diplômée de l’École des Arts Décoratifs en 2016 et basée à Paris. Elle est engagée, en tant que chercheuse au sein du programme SACRe, dans une thèse portant sur la « Textilisation de la mémoire bâtie par la réutilisation in situ des déchets architecturaux ». À travers ses collaborations avec des architectes, designers et artistes, elle développe des protocoles de transformation in situ de la matière bâtie. Son mode d’intervention concerne idéalement des projets de réhabilitation et fonctionne par soustractions et additions, dans des proportions et des typologies préalablement définies par les architectes en concertation avec les maîtres d’ouvrage.
INFOS
Workshop 04
06.06.22—10.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Anna Saint-Pierre, designer textile et matière — Paris avec une intervention de Pierre Arnal.
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
6 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 04
06.06.22—10.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Anna Saint-Pierre, designer textile et matière — Paris avec une intervention de Pierre Arnal.
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Article numérique
PAILLE MOBILE
Bellastock
PRÉFACE
Paille Mobile transforme le chantier en un espace d'apprentissage convivial sur la construction durable. À travers l'utilisation innovante de la paille, sous-exploitée en France, le workshop de Bellastock engage les participant·e·s dans des constructions évolutives, favorisant la réflexion sur les modes de vie contemporains et la durabilité des matériaux. Les projets, flexibles et démontables, illustrent la richesse et l'adaptabilité de la paille, tout en sensibilisant aux enjeux écologiques actuels.
Paille Mobile transforme le chantier en un espace d'apprentissage convivial sur la construction durable. À travers l'utilisation innovante de la paille, sous-exploitée en France, le workshop de Bellastock engage les participant·e·s dans des constructions évolutives, favorisant la réflexion sur les modes de vie contemporains et la durabilité des matériaux. Les projets, flexibles et démontables, illustrent la richesse et l'adaptabilité de la paille, tout en sensibilisant aux enjeux écologiques actuels.
BIOGRAPHIE
Bellastock est une SCIC SAS d’architecture qui œuvre pour la valorisation des lieux et de leurs ressources. Engagée dans la transition écologique et circulaire, Bellastock a dirigé plusieurs dizaines de projets depuis 2012 : festival de construction à l’échelle, études, AMO et chantiers pour des institutions publiques et privées, sur les domaines de l’économie circulaire, l’optimisation des ressources, l’urbanisme transitoire et la transmission. Bellastock soutient une autre façon de faire l’architecture, ancrée dans son temps et respectueuse de son environnement. En 2020, Bellastock est lauréate du Palmarès des Jeunes Urbanistes.
Bellastock est une SCIC SAS d’architecture qui œuvre pour la valorisation des lieux et de leurs ressources. Engagée dans la transition écologique et circulaire, Bellastock a dirigé plusieurs dizaines de projets depuis 2012 : festival de construction à l’échelle, études, AMO et chantiers pour des institutions publiques et privées, sur les domaines de l’économie circulaire, l’optimisation des ressources, l’urbanisme transitoire et la transmission. Bellastock soutient une autre façon de faire l’architecture, ancrée dans son temps et respectueuse de son environnement. En 2020, Bellastock est lauréate du Palmarès des Jeunes Urbanistes.
INFOS
Workshop 02
23.05.22—27.05.22
ÉNSA Versailles, Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Bellastock : Antoine Aubinais et Zoé Bourret — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
6 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 02
23.05.22—27.05.22
ÉNSA Versailles, Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Bellastock : Antoine Aubinais et Zoé Bourret — France
Publié en 2022 dans
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Article numérique
ÉPREUVE VÉGÉTALE
Barrault Pressacco
PRÉFACE
Au XIXe siècle, l'industrialisation a redéfini l'architecture en introduisant de nouveaux matériaux et en établissant un dialogue novateur entre architectes et ingénieurs. Aujourd'hui, les enjeux climatiques réorientent ce dialogue : l'isolant, souvent invisible, devient crucial. L'architecture moderne doit alors évaluer sa forme pour intégrer pleinement les échanges thermiques, transformant l'isolant de simple composant technique en acteur essentiel du confort et de l'efficacité énergétique.
Au XIXe siècle, l'industrialisation a redéfini l'architecture en introduisant de nouveaux matériaux et en établissant un dialogue novateur entre architectes et ingénieurs. Aujourd'hui, les enjeux climatiques réorientent ce dialogue : l'isolant, souvent invisible, devient crucial. L'architecture moderne doit alors évaluer sa forme pour intégrer pleinement les échanges thermiques, transformant l'isolant de simple composant technique en acteur essentiel du confort et de l'efficacité énergétique.
BIOGRAPHIE
L’agence a été fondée en 2009, à Paris, par Thibaut Barrault et Cyril Pressacco. Son activité est partagée entre projets urbains et stratégies métropolitaines, dessins de bâtiments et suivi de leur exécution, recherche et enseignement. Une quinzaine de collaborateurs mènent aujourd’hui des sujets qui organisent les interactions nécessaires à la précision d’une œuvre cohérente et engagée. Thibaut Barrault et Cyril Pressacco sont investis dans l’enseignement depuis 2007, notamment à l’ENSA Paris-Est.
L’agence a été fondée en 2009, à Paris, par Thibaut Barrault et Cyril Pressacco. Son activité est partagée entre projets urbains et stratégies métropolitaines, dessins de bâtiments et suivi de leur exécution, recherche et enseignement. Une quinzaine de collaborateurs mènent aujourd’hui des sujets qui organisent les interactions nécessaires à la précision d’une œuvre cohérente et engagée. Thibaut Barrault et Cyril Pressacco sont investis dans l’enseignement depuis 2007, notamment à l’ENSA Paris-Est.
TABLE APÉRITIVE DE JARDIN
Sam Chermayeff & The Frenchie Gardener
PRÉFACE
Cette installation architecturale intègre un potager dans une table en acier galvanisé, utilisant un système de filtration naturel avec graviers et sable pour recycler l'eau. Trois objets clés enrichissent le projet : un rafraîchisseur de bouteilles qui alimente l'arrosage, un composteur pour les déchets organiques, et un collecteur d'eau avec une pompe pour la distribution. Une lampe horticole réglable, protégée par un réflecteur en acier et aluminium, assure un éclairage optimal tout en prévenant l'éblouissement. Ce design combine esthétique, fonctionnalité et durabilité.
Cette installation architecturale intègre un potager dans une table en acier galvanisé, utilisant un système de filtration naturel avec graviers et sable pour recycler l'eau. Trois objets clés enrichissent le projet : un rafraîchisseur de bouteilles qui alimente l'arrosage, un composteur pour les déchets organiques, et un collecteur d'eau avec une pompe pour la distribution. Une lampe horticole réglable, protégée par un réflecteur en acier et aluminium, assure un éclairage optimal tout en prévenant l'éblouissement. Ce design combine esthétique, fonctionnalité et durabilité.
BIOGRAPHIES
Sam Chermayeff Office focalise sa pratique architecturale sur la façon dont nous vivons seuls et ensemble. Sam Chermayeff est architecte et cofondateur du bureau June14 Meyer-Grohbrügge & Chermayeff. Il a collaboré avec l’agence d’architecture SANAA à Tokyo pendant plus de cinq ans, menant des projets tels que le Serpentine Pavilion ainsi que le commissariat de la Biennale de Venise. Il a également enseigné à l’Institut d’Architecture de Dessau, à l’Université de Columbia ainsi qu’à celle de Cornell et actuellement à l’Architectural Association School of Architecture à Londres.
The Frenchie Gardener, pseudonyme de Patrick Vernuccio, est un jardinier basé à Berlin, qui accompagne les particuliers et les entreprises dans la création de potagers urbains, particulièrement en permaculture.
Sam Chermayeff Office focalise sa pratique architecturale sur la façon dont nous vivons seuls et ensemble. Sam Chermayeff est architecte et cofondateur du bureau June14 Meyer-Grohbrügge & Chermayeff. Il a collaboré avec l’agence d’architecture SANAA à Tokyo pendant plus de cinq ans, menant des projets tels que le Serpentine Pavilion ainsi que le commissariat de la Biennale de Venise. Il a également enseigné à l’Institut d’Architecture de Dessau, à l’Université de Columbia ainsi qu’à celle de Cornell et actuellement à l’Architectural Association School of Architecture à Londres.
The Frenchie Gardener, pseudonyme de Patrick Vernuccio, est un jardinier basé à Berlin, qui accompagne les particuliers et les entreprises dans la création de potagers urbains, particulièrement en permaculture.
DE LA VALEUR DE L’IMPERFECTION
Archiplein & Leo Fabrizio
PRÉFACE
Cette installation explore des alternatives architecturales en intégrant les aspects énergétiques, environnementaux, historiques et culturels. Face à l'obsolescence des valeurs modernistes, elle plaide pour une réconciliation avec la nature en utilisant la pierre massive structurelle. La collaboration entre architectes et photographes révèle les imperfections et cicatrices des matériaux naturels, exposées à travers des photographies grand format et six totems en pierre massive. Ces éléments mettent en lumière la beauté brute et la nécessité de dépasser une approche uniquement technologique pour embrasser une esthétique fondée sur la matière et son histoire.
Cette installation explore des alternatives architecturales en intégrant les aspects énergétiques, environnementaux, historiques et culturels. Face à l'obsolescence des valeurs modernistes, elle plaide pour une réconciliation avec la nature en utilisant la pierre massive structurelle. La collaboration entre architectes et photographes révèle les imperfections et cicatrices des matériaux naturels, exposées à travers des photographies grand format et six totems en pierre massive. Ces éléments mettent en lumière la beauté brute et la nécessité de dépasser une approche uniquement technologique pour embrasser une esthétique fondée sur la matière et son histoire.
BIOGRAPHIES
Atelier Archiplein est une agence d’architecture et d’urbanisme basée à Genève et fondée par Marlène Leroux et Francis Jacquier en 2008. Sa démarche prend le contrepied des phénomènes actuels de globalisation culturelle en proposant une analyse critique et prospective des faits contemporains par le biais d’enquêtes sur le réel, en se concentrant sur la mémoire des lieux et les cultures locales comme composantes méthodologiques communes à chacun de ses projets.
Leo Fabrizio est un photographe vivant à Lausanne. Sa pratique questionne l’architecture et le paysage, la photographie étant pour lui un outil de connaissance. Elle lui permet de construire des points de vue en abordant la relation de l’humain à son environnement.
Atelier Archiplein est une agence d’architecture et d’urbanisme basée à Genève et fondée par Marlène Leroux et Francis Jacquier en 2008. Sa démarche prend le contrepied des phénomènes actuels de globalisation culturelle en proposant une analyse critique et prospective des faits contemporains par le biais d’enquêtes sur le réel, en se concentrant sur la mémoire des lieux et les cultures locales comme composantes méthodologiques communes à chacun de ses projets.
Leo Fabrizio est un photographe vivant à Lausanne. Sa pratique questionne l’architecture et le paysage, la photographie étant pour lui un outil de connaissance. Elle lui permet de construire des points de vue en abordant la relation de l’humain à son environnement.
SOLEIL DIURNE
ASBR
PRÉFACE
Dans un contexte où l'inefficacité des réponses au réchauffement climatique est alarmante, cette exposition choisit de reconstruire un héliostat, symbole d'une approche simple mais profonde. Inspiré par Steve Baer, cet objet illustre une philosophie alternative à l'optimisation technologique : utiliser les ressources naturelles de manière passive et ingénieuse, plutôt que de recourir à des solutions grandioses. Face à l'inertie des systèmes actuels, cette démarche nous invite à réévaluer notre relation à l'environnement, en exploitant la logique des ressources existantes pour une adaptation plus authentique et durable.
Dans un contexte où l'inefficacité des réponses au réchauffement climatique est alarmante, cette exposition choisit de reconstruire un héliostat, symbole d'une approche simple mais profonde. Inspiré par Steve Baer, cet objet illustre une philosophie alternative à l'optimisation technologique : utiliser les ressources naturelles de manière passive et ingénieuse, plutôt que de recourir à des solutions grandioses. Face à l'inertie des systèmes actuels, cette démarche nous invite à réévaluer notre relation à l'environnement, en exploitant la logique des ressources existantes pour une adaptation plus authentique et durable.
BIOGRAPHIE
Architecture Studio Boenders Raynaud (ASBR) est un bureau d’architecture créé en 2021 par Marie Boenders et Thomas Raynaud après dix ans de collaboration. ASBR développe des projets publics et privés en France et en Europe. Leurs travaux se concentrent sur le processus transformatif de situations construites en proposant des cadres ouverts aux singularités. Ils ont notamment été exposés à la première Biennale d’architecture d’Orléans, à la 14ème Biennale internationale d’architecture de Venise et à la 5ème Biennale européenne du paysage de Barcelone. Thomas Raynaud est lauréat des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes 2010 et enseigne actuellement à l’ÉNSA Versailles.
Architecture Studio Boenders Raynaud (ASBR) est un bureau d’architecture créé en 2021 par Marie Boenders et Thomas Raynaud après dix ans de collaboration. ASBR développe des projets publics et privés en France et en Europe. Leurs travaux se concentrent sur le processus transformatif de situations construites en proposant des cadres ouverts aux singularités. Ils ont notamment été exposés à la première Biennale d’architecture d’Orléans, à la 14ème Biennale internationale d’architecture de Venise et à la 5ème Biennale européenne du paysage de Barcelone. Thomas Raynaud est lauréat des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes 2010 et enseigne actuellement à l’ÉNSA Versailles.
APPRENDRE À LIRE LES NUAGES
Alexis de La Taille & Théophile Chatelais
PRÉFACE
À l'aube d'un crépuscule menaçant, une tribu rationnelle évalue les ressources disponibles pour construire et se protéger. Plutôt que de se fier uniquement à des outils sophistiqués, l'installation explore la lecture sensible des nuages comme alternative. En interprétant les phénomènes atmosphériques visibles, elle propose une approche poétique et technique pour concevoir des objets architecturaux inspirés par la nature elle-même. Ce projet, à la croisée des chemins entre science et art, invite à une nouvelle manière de comprendre et d'utiliser notre environnement.
À l'aube d'un crépuscule menaçant, une tribu rationnelle évalue les ressources disponibles pour construire et se protéger. Plutôt que de se fier uniquement à des outils sophistiqués, l'installation explore la lecture sensible des nuages comme alternative. En interprétant les phénomènes atmosphériques visibles, elle propose une approche poétique et technique pour concevoir des objets architecturaux inspirés par la nature elle-même. Ce projet, à la croisée des chemins entre science et art, invite à une nouvelle manière de comprendre et d'utiliser notre environnement.
BIOGRAPHIES
Théophile Chatelais est architecte. Il complète sa formation à l’école de paysage de Versailles puis au sein de l’agence d’architecture NP2F où il travaille pendant cinq ans. Il achève en parallèle une licence de philosophie à l’université de Nanterre et une formation d’horticulture au jardin du Luxembourg.
Alexis de La Taille est architecte et titulaire d’un DPEA architecture post-carbone de l’ENSA Paris-Est. Il travaille quatre ans à la conception de structures et de façades dans l’atelier d’ingénierie T/E/S/S où il participe au développement d’outils d’analyse environnementale.
Ensemble, ils développent une pratique plurielle fondée sur l’expérience sensible et une lecture technique des données climatiques.
Théophile Chatelais est architecte. Il complète sa formation à l’école de paysage de Versailles puis au sein de l’agence d’architecture NP2F où il travaille pendant cinq ans. Il achève en parallèle une licence de philosophie à l’université de Nanterre et une formation d’horticulture au jardin du Luxembourg.
Alexis de La Taille est architecte et titulaire d’un DPEA architecture post-carbone de l’ENSA Paris-Est. Il travaille quatre ans à la conception de structures et de façades dans l’atelier d’ingénierie T/E/S/S où il participe au développement d’outils d’analyse environnementale.
Ensemble, ils développent une pratique plurielle fondée sur l’expérience sensible et une lecture technique des données climatiques.
X TUYAUX
Victor Maréchal & Maria Fernanda Serna
PRÉFACE
À travers la terre cuite, utilisée depuis l'Antiquité pour divers usages fonctionnels, ce projet explore ses principes climatiques fondamentaux : canaliser, climatiser et réfrigérer. Le triptyque conçu en terre cuite — colonne, mur et contenant — illustre comment cette matière, façonnée en formes cylindriques, peut réguler l'eau, l'air et la température. En tant qu'objets domestiques et éléments architecturaux, ces créations montrent le potentiel de la terre cuite pour créer des systèmes fonctionnels à différentes échelles.
À travers la terre cuite, utilisée depuis l'Antiquité pour divers usages fonctionnels, ce projet explore ses principes climatiques fondamentaux : canaliser, climatiser et réfrigérer. Le triptyque conçu en terre cuite — colonne, mur et contenant — illustre comment cette matière, façonnée en formes cylindriques, peut réguler l'eau, l'air et la température. En tant qu'objets domestiques et éléments architecturaux, ces créations montrent le potentiel de la terre cuite pour créer des systèmes fonctionnels à différentes échelles.
BIOGRAPHIES
Victor Maréchal est architecte fondateur de VMAO (Victor Maréchal Architecture Office) et enseigne le projet d’architecture au sein du laboratoire ALICE à l’EPF Lausanne.
Maria Fernanda Serna est architecte et paysagiste. Elle développe actuellement à Paris une démarche personnelle en engageant une pratique de la recherche par le projet et enseigne à l’ENSA Saint-Etienne.
Tous les deux ont en commun une approche transdisciplinaire du projet, à mi-chemin entre le paysage et l’architecture. Ils collaborent fréquemment pour développer des projets de recherche, des concours ou des installations. Leurs pratiques explorent des principes climatiques, des phénomènes naturels ou encore des notions géographiques liées à l’architecture.
Victor Maréchal est architecte fondateur de VMAO (Victor Maréchal Architecture Office) et enseigne le projet d’architecture au sein du laboratoire ALICE à l’EPF Lausanne.
Maria Fernanda Serna est architecte et paysagiste. Elle développe actuellement à Paris une démarche personnelle en engageant une pratique de la recherche par le projet et enseigne à l’ENSA Saint-Etienne.
Tous les deux ont en commun une approche transdisciplinaire du projet, à mi-chemin entre le paysage et l’architecture. Ils collaborent fréquemment pour développer des projets de recherche, des concours ou des installations. Leurs pratiques explorent des principes climatiques, des phénomènes naturels ou encore des notions géographiques liées à l’architecture.
ARCHITECTURE CLIMATIQUE PERPÉTUELLE
Zeroth Systems
PRÉFACE
Inspirées par le mouvement perpétuel, ces maquettes offrent une vision d'architecture au climat régulé naturellement. Les colonnes centrales des bâtiments en verre maintiennent une température intérieure agréable par la circulation d'air. Optimisant les flux d'air via des géométries paramétriques imprimées en 3D, ces projets allient architecture passive et haute technologie, où la forme contrôle le climat plutôt que les machines.
Inspirées par le mouvement perpétuel, ces maquettes offrent une vision d'architecture au climat régulé naturellement. Les colonnes centrales des bâtiments en verre maintiennent une température intérieure agréable par la circulation d'air. Optimisant les flux d'air via des géométries paramétriques imprimées en 3D, ces projets allient architecture passive et haute technologie, où la forme contrôle le climat plutôt que les machines.
BIOGRAPHIE
Zeroth Systems est une startup qui développe des produits bioclimatiques pour l’architecture. Fondée en 2021 par l’architecte Octave Perrault, son objectif est de fournir aux architectes et aux développeurs immobiliers des solutions de contrôle climatique efficaces et fiables qui ne reposent pas sur le paradigme machinique de l’industrie traditionnelle de Chauffage, Ventilation et Climatisation (CVC). Ce projet est issu d’une collaboration avec nTopology, logiciel américain de conception en ingénierie spécialisé dans le développement de formes complexes pour l’impression 3D. Sa technologie de base est particulièrement puissante pour la conception d’échangeurs thermiques à haute performance pour les industries de pointe comme l’aérospatiale ou encore l’automobile.
Zeroth Systems est une startup qui développe des produits bioclimatiques pour l’architecture. Fondée en 2021 par l’architecte Octave Perrault, son objectif est de fournir aux architectes et aux développeurs immobiliers des solutions de contrôle climatique efficaces et fiables qui ne reposent pas sur le paradigme machinique de l’industrie traditionnelle de Chauffage, Ventilation et Climatisation (CVC). Ce projet est issu d’une collaboration avec nTopology, logiciel américain de conception en ingénierie spécialisé dans le développement de formes complexes pour l’impression 3D. Sa technologie de base est particulièrement puissante pour la conception d’échangeurs thermiques à haute performance pour les industries de pointe comme l’aérospatiale ou encore l’automobile.
LA FORÊT ÉTERNELLE
Other Architects
PRÉFACE
La Forêt Éternelle, en cours de conception par Other Architects, propose un cimetière régénérateur. Implanté autour de Bendoc, en Australie, il utilise des clairières temporaires, sans cercueil ni pierre tombale, pour intégrer les tombes à la forêt. Chaque clairière, active pendant 200 ans, se décompose naturellement, permettant à la forêt de reprendre ses droits. Un cimetière éphémère pour une coexistence harmonieuse avec la nature.
La Forêt Éternelle, en cours de conception par Other Architects, propose un cimetière régénérateur. Implanté autour de Bendoc, en Australie, il utilise des clairières temporaires, sans cercueil ni pierre tombale, pour intégrer les tombes à la forêt. Chaque clairière, active pendant 200 ans, se décompose naturellement, permettant à la forêt de reprendre ses droits. Un cimetière éphémère pour une coexistence harmonieuse avec la nature.
BIOGRAPHIE
Other Architects est une agence d’architecture basée à Sydney qui prend des décisions projectuelles par le biais de conversations menées avec les acteurs du projet. Elle se nourrit d’échanges et conçoit de manière collaborative en étant guidée par une profonde curiosité. Other est constituée d’une équipe pluridisciplinaire de généralistes qui s’intéressent tout autant à la façon dont les briques s’assemblent, qu’à celle dont les plantes poussent ainsi qu’à la manière dont les couleurs peuvent stimuler l’humeur. Other dessine, planifie, modélise, fabrique, écrit, mène des recherches, donne des conférences et enseigne.
Other Architects est une agence d’architecture basée à Sydney qui prend des décisions projectuelles par le biais de conversations menées avec les acteurs du projet. Elle se nourrit d’échanges et conçoit de manière collaborative en étant guidée par une profonde curiosité. Other est constituée d’une équipe pluridisciplinaire de généralistes qui s’intéressent tout autant à la façon dont les briques s’assemblent, qu’à celle dont les plantes poussent ainsi qu’à la manière dont les couleurs peuvent stimuler l’humeur. Other dessine, planifie, modélise, fabrique, écrit, mène des recherches, donne des conférences et enseigne.
IDENTIFICATION DES DISPOSITIFS
PARC Architectes
PRÉFACE
L'installation explore l'architecture environnementale à l'ère anthropocène en cartographiant quatre dispositifs climatiques fondamentaux : la cave pour la terre, la serre pour le soleil, le séchoir pour l'air et le bassin pour l'eau. Chaque maquette illustre ces éléments essentiels, transformant les interactions entre intérieur et extérieur en outils de conception pour une architecture plus intégrée et consciente de son environnement.
L'installation explore l'architecture environnementale à l'ère anthropocène en cartographiant quatre dispositifs climatiques fondamentaux : la cave pour la terre, la serre pour le soleil, le séchoir pour l'air et le bassin pour l'eau. Chaque maquette illustre ces éléments essentiels, transformant les interactions entre intérieur et extérieur en outils de conception pour une architecture plus intégrée et consciente de son environnement.
BIOGRAPHIE
Basée à Paris, PARC Architectes est une agence d’architecture fondée par Brice Chapon et Émeric Lambert en 2009, qui conçoit des installations environnementales. Réinterrogeant des formes vernaculaires comme le patio, les persiennes ou encore la tour à vent, l’agence élabore une architecture construite autour des relations élémentaires entre les habitants et leur milieu. Les réflexions d’Émeric Lambert sur l’environnement se sont d’abord concentrées sur la ville suburbaine aboutissant à l’ouvrage Le parc planétaire, puis sur la conception architecturale, avec la publication d’agence L’architecture comme environnement. Engagés dans l’enseignement et la recherche, Brice Chapon et Émeric Lambert enseignent respectivement à l’ÉNSA Strasbourg et à l’ÉNSA Versailles.
Basée à Paris, PARC Architectes est une agence d’architecture fondée par Brice Chapon et Émeric Lambert en 2009, qui conçoit des installations environnementales. Réinterrogeant des formes vernaculaires comme le patio, les persiennes ou encore la tour à vent, l’agence élabore une architecture construite autour des relations élémentaires entre les habitants et leur milieu. Les réflexions d’Émeric Lambert sur l’environnement se sont d’abord concentrées sur la ville suburbaine aboutissant à l’ouvrage Le parc planétaire, puis sur la conception architecturale, avec la publication d’agence L’architecture comme environnement. Engagés dans l’enseignement et la recherche, Brice Chapon et Émeric Lambert enseignent respectivement à l’ÉNSA Strasbourg et à l’ÉNSA Versailles.
RE : LUIS ÚRCULO À PROPOS D’ADAMO-FAIDEN
Adamo-Faiden & Luis Úrculo
PRÉFACE
L’architecture conjugue sagesse ancienne et défis contemporains. Adamo-Faiden utilise cette tension entre savoir disciplinaire et contextes uniques pour concevoir des œuvres à la fois familières et innovantes. À Buenos Aires, leur mur-rideau moderne réinvente le vitrage, intégrant la végétation et optimisant la performance thermique, tout en conservant une profondeur expressive renouvelée.
L’architecture conjugue sagesse ancienne et défis contemporains. Adamo-Faiden utilise cette tension entre savoir disciplinaire et contextes uniques pour concevoir des œuvres à la fois familières et innovantes. À Buenos Aires, leur mur-rideau moderne réinvente le vitrage, intégrant la végétation et optimisant la performance thermique, tout en conservant une profondeur expressive renouvelée.
BIOGRAPHIE
Adamo-Faiden est un studio d’architecture fondé à Buenos Aires en 2005 par Sebastián Adamo et Marcelo Faiden. Leur travail s’étend au domaine de l’enseignement et de la recherche, projetant un mode de pratique basé sur la réorganisation des connaissances disciplinaires et matérielles. Leur démarche a été saluée par différentes institutions internationales — au travers de conférences et d’expositions aux Biennales d’architecture de São Paulo, de Venise et de Chicago, au Guggenheim Museum de New York, à la galerie d’architecture LIGA de Mexico, etc. — et a donné lieu à de nombreuses publications, dont quatre monographies.
Luis Úrculo est un artiste basé à Madrid et à Mexico qui explore les limites de l’architecture et de sa représentation. Sa pratique prend l’anthropologie, l’archéologie et la criminologie comme références principales de la phénoménologie pour créer des pistes d’investigation basées sur des reconstructions, des interprétations, des matérialités incertaines, des descriptions imprécises ou des ambiguïtés.
Adamo-Faiden est un studio d’architecture fondé à Buenos Aires en 2005 par Sebastián Adamo et Marcelo Faiden. Leur travail s’étend au domaine de l’enseignement et de la recherche, projetant un mode de pratique basé sur la réorganisation des connaissances disciplinaires et matérielles. Leur démarche a été saluée par différentes institutions internationales — au travers de conférences et d’expositions aux Biennales d’architecture de São Paulo, de Venise et de Chicago, au Guggenheim Museum de New York, à la galerie d’architecture LIGA de Mexico, etc. — et a donné lieu à de nombreuses publications, dont quatre monographies.
Luis Úrculo est un artiste basé à Madrid et à Mexico qui explore les limites de l’architecture et de sa représentation. Sa pratique prend l’anthropologie, l’archéologie et la criminologie comme références principales de la phénoménologie pour créer des pistes d’investigation basées sur des reconstructions, des interprétations, des matérialités incertaines, des descriptions imprécises ou des ambiguïtés.
LES FORMES DE L’ANTHROPOCÈNE
Thibaut Barrault, Maria Fernanda Serna, Marie Zawitozski
«
Il n’y a pas que le matériau qui détermine la forme et le langage : il est important de trouver un équilibre entre ce qui provient du matériau — inerte et non prédisposé — et de la culture — qui n’a rien de matériel. Dans la construction d’un linteau en pierre, le franchissement et le jambage, limités par la taille des blocs extraits en carrière, influencent grandement la forme. Ce qui nous intéresse est de pouvoir faire forme et sens dans une économie de transformation, de moyen et d’énergie.
»
PRÉFACE
Le mot anthropocène signifiant « l’ère de l’humain » est une proposition d’époque géologique faite en 2000 par le prix Nobel de chimie Paul Crutzen. Alors que le début exact de cette nouvelle ère fait débat dans la sphère scientifique, il est établi qu’elle a commencé lorsque l’influence de l’être humain sur la géologie et les écosystèmes est devenue significative
à l’échelle de l’Histoire de la Terre. Alors que chaque crise ou début d’ère s’accompagne de ruptures et de nouvelles préoccupations, le monde de l’architecture est aussi soumis à plusieurs questions : comment continuer de construire en sachant que chaque projet peut avoir une influence sur notre planète et son climat ? Quelles sont les formes qui émergent de cette acception du monde, à travers le projet architectural ? Comment les architectes manipulent matériaux et énergies, conscient·e·s de leur impact sur l’environnement ?
Le mot anthropocène signifiant « l’ère de l’humain » est une proposition d’époque géologique faite en 2000 par le prix Nobel de chimie Paul Crutzen. Alors que le début exact de cette nouvelle ère fait débat dans la sphère scientifique, il est établi qu’elle a commencé lorsque l’influence de l’être humain sur la géologie et les écosystèmes est devenue significative
à l’échelle de l’Histoire de la Terre. Alors que chaque crise ou début d’ère s’accompagne de ruptures et de nouvelles préoccupations, le monde de l’architecture est aussi soumis à plusieurs questions : comment continuer de construire en sachant que chaque projet peut avoir une influence sur notre planète et son climat ? Quelles sont les formes qui émergent de cette acception du monde, à travers le projet architectural ? Comment les architectes manipulent matériaux et énergies, conscient·e·s de leur impact sur l’environnement ?
CONTEXTE
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Marie Zawistowski d’onSITE, laboratoire d’architecture franco-américain qu’elle co-fonde avec Keith Zawistowski et qui place les techniques constructives traditionnelles et la construction de ses propres projets au centre de sa pratique ; Maria Fernanda Serna, architecte et enseignante qui développe une pratique protéiforme autour de la notion de figure, inscrite dans des questions physiques réelles ; et Thibaut Barrault, de l’agence Barrault Pressacco qui mène une activité composite, entre maîtrise d’œuvre, enseignement et recherche, explorant les rationalités constructives et énergétiques, et leurs expressions architecturales.
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Marie Zawistowski d’onSITE, laboratoire d’architecture franco-américain qu’elle co-fonde avec Keith Zawistowski et qui place les techniques constructives traditionnelles et la construction de ses propres projets au centre de sa pratique ; Maria Fernanda Serna, architecte et enseignante qui développe une pratique protéiforme autour de la notion de figure, inscrite dans des questions physiques réelles ; et Thibaut Barrault, de l’agence Barrault Pressacco qui mène une activité composite, entre maîtrise d’œuvre, enseignement et recherche, explorant les rationalités constructives et énergétiques, et leurs expressions architecturales.
INFOS
Table ronde du 2 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Thibaut Barrault (Barrault Pressacco)
Maria Fernanda Serna
Marie Zawitowski (onSITE)
Modérateur :
Nicolas Houssais
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Revue papier
Article numérique
Table ronde du 2 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Thibaut Barrault (Barrault Pressacco)
Maria Fernanda Serna
Marie Zawitowski (onSITE)
Modérateur :
Nicolas Houssais
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Revue papier
Article numérique
NÉOLITHIQUE CONTEMPORAIN
onSITE
PRÉFACE
Le workshop Contemporary Neolithic invite les étudiant·e·s à explorer l'équilibre entre haute et basse technologie dans la construction. En transformant des pierres brutes en structures lumineuses et en utilisant des techniques numériques et analogiques, les participant·e·s questionnent la pertinence des choix technologiques face aux enjeux environnementaux auxquels nous sommes confronté·s.
Le workshop Contemporary Neolithic invite les étudiant·e·s à explorer l'équilibre entre haute et basse technologie dans la construction. En transformant des pierres brutes en structures lumineuses et en utilisant des techniques numériques et analogiques, les participant·e·s questionnent la pertinence des choix technologiques face aux enjeux environnementaux auxquels nous sommes confronté·s.
BIOGRAPHIE
onSITE est un laboratoire d’architecture et de construction franco-américain, fondé par Marie et Keith Zawistowski en 2003. Le nom onSITE est né de l’idée que toute œuvre d’architecture durable, intemporelle et significative émerge d’une compréhension intime de la culture et du territoire dans lesquels elle s’inscrit. À une époque où la mondialisation a attiré de nombreux architectes vers les centres urbains et a dilué notre travail dans la production d’images éphémères — des sculptures iconiques qui appartiennent à tout et à rien et qui s’effacent aussi vite qu’elles s’élèvent — onSITE attache une importance toute particulière au contexte en travaillant in situ, en concevant et en construisant souvent de leurs propres mains leurs projets. onSITE s’efforce de créer une architecture sensible d’un point de vue économique, environnemental et culturel.
onSITE est un laboratoire d’architecture et de construction franco-américain, fondé par Marie et Keith Zawistowski en 2003. Le nom onSITE est né de l’idée que toute œuvre d’architecture durable, intemporelle et significative émerge d’une compréhension intime de la culture et du territoire dans lesquels elle s’inscrit. À une époque où la mondialisation a attiré de nombreux architectes vers les centres urbains et a dilué notre travail dans la production d’images éphémères — des sculptures iconiques qui appartiennent à tout et à rien et qui s’effacent aussi vite qu’elles s’élèvent — onSITE attache une importance toute particulière au contexte en travaillant in situ, en concevant et en construisant souvent de leurs propres mains leurs projets. onSITE s’efforce de créer une architecture sensible d’un point de vue économique, environnemental et culturel.
INFOS
Workshop 03
14.09.22—16.09.22
Grands Ateliers , Lyon
Ce workshop est proposé par :
Marie et Keith Zawistowski — France et États-Unis
et co-encadré par :
Sébastien D’Elia — France
Les chutes de carrière mises en œuvre sont un don du fonds de dotation Verrecchia, partenaire de la BAP!2.
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 03
14.09.22—16.09.22
Grands Ateliers , Lyon
Ce workshop est proposé par :
Marie et Keith Zawistowski — France et États-Unis
et co-encadré par :
Sébastien D’Elia — France
Les chutes de carrière mises en œuvre sont un don du fonds de dotation Verrecchia, partenaire de la BAP!2.
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
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Article numérique
PIERRE LIQUIDE
Cookies
PRÉFACE
L'atelier Pierre Liquide explore les origines alchimiques du béton en mêlant chaux, ciment et ingrédients organiques antiques comme la figue, le vin, et la cire. Par la création de moulages variés, cette démarche révèle la fusion entre minéral et organique, offrant une perspective renouvelée sur le béton et ses applications durables dans l'architecture contemporaine.
L'atelier Pierre Liquide explore les origines alchimiques du béton en mêlant chaux, ciment et ingrédients organiques antiques comme la figue, le vin, et la cire. Par la création de moulages variés, cette démarche révèle la fusion entre minéral et organique, offrant une perspective renouvelée sur le béton et ses applications durables dans l'architecture contemporaine.
BIOGRAPHIE
Cookies est un studio de design et d’architecture fondé en 2016 par Alice Grégoire, Federico Martelli, Clément Périssé et Antonio Barone. Basé à Rotterdam et à Paris, Cookies est un catalyseur pour l’art et l’architecture — un dialogue polyphonique entre la recherche et la production. Utilisant la conception d’expositions comme médium, Cookies défait et ré-articule la relation entre l’art, l’affichage, la curation et l’espace, s’engageant dans des projets qui nécessitent une approche critique et une collaboration multidisciplinaire.
Cookies est un studio de design et d’architecture fondé en 2016 par Alice Grégoire, Federico Martelli, Clément Périssé et Antonio Barone. Basé à Rotterdam et à Paris, Cookies est un catalyseur pour l’art et l’architecture — un dialogue polyphonique entre la recherche et la production. Utilisant la conception d’expositions comme médium, Cookies défait et ré-articule la relation entre l’art, l’affichage, la curation et l’espace, s’engageant dans des projets qui nécessitent une approche critique et une collaboration multidisciplinaire.
INFOS
Workshop 05
06.06.22—09.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Cookies : Alice Grégoire et Clément Périssé — France et Pays-Bas
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 05
06.06.22—09.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Cookies : Alice Grégoire et Clément Périssé — France et Pays-Bas
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
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Article numérique
PORTO ACADEMY
“VISITING VERSAILLES”
Porto Academy
PRÉFACE
L'édition Visiting Versailles de Porto Academy explore le dialogue entre la ville et la Terre à travers l'architecture de l'Anthropocène. En réunissant des architectes de renom pour cinq workshops, le programme examine l'impact de la construction sur le mode de vie et l'environnement, en intégrant les dimensions du bâtiment, du mobilier, et du paysage.
L'édition Visiting Versailles de Porto Academy explore le dialogue entre la ville et la Terre à travers l'architecture de l'Anthropocène. En réunissant des architectes de renom pour cinq workshops, le programme examine l'impact de la construction sur le mode de vie et l'environnement, en intégrant les dimensions du bâtiment, du mobilier, et du paysage.
BIOGRAPHIE
Porto Academy trouve sa genèse dans la passion immodérée éprouvée pour l’architecture en tant que discipline. Porto Academy est un manifeste de pluralisme et d’opportunités basé sur un enseignement dispensé par un large spectre d’architectes, d’artistes et de commissaires. Il s’agit d’une expérience éducative alternative, sans règle ni dogme préétablis, dans laquelle les étudiants apprennent directement des visions singulières et des pratiques illustrées, développées par les intervenants invités.
Porto Academy trouve sa genèse dans la passion immodérée éprouvée pour l’architecture en tant que discipline. Porto Academy est un manifeste de pluralisme et d’opportunités basé sur un enseignement dispensé par un large spectre d’architectes, d’artistes et de commissaires. Il s’agit d’une expérience éducative alternative, sans règle ni dogme préétablis, dans laquelle les étudiants apprennent directement des visions singulières et des pratiques illustrées, développées par les intervenants invités.
INFOS
Workshop 10
06.07.22—13.07.22
ÉNSA Versailles, Pavillon La Petite École - Mos
architects [2019]
Ce workshop est proposé par :
Porto Academy avec : Arquitectura G, Carla Juaçaba, Carmody Groarke, Emilio Marín, Léonard & Raphaël Kadid, William Guthrie et Bruther.
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 10
06.07.22—13.07.22
ÉNSA Versailles, Pavillon La Petite École - Mos
architects [2019]
Ce workshop est proposé par :
Porto Academy avec : Arquitectura G, Carla Juaçaba, Carmody Groarke, Emilio Marín, Léonard & Raphaël Kadid, William Guthrie et Bruther.
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
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Article numérique
INTERFACES RÉSILIENTES
Léonard & Raphaël Kadid
PRÉFACE
Dans un contexte où solidité et qualité architecturale sont souvent synonymes, ce projet met en lumière l'importance de la résilience matérielle à travers l'interface textile. Le pavillon de la Cour de la Maréchalerie, avec sa structure en portiques triangulaires et ses parois textiles, explore comment un matériau séculaire peut à la fois définir l'espace, réguler le climat et s'adapter aux mouvements du vent, tout en offrant une nouvelle perspective sur la construction durable et adaptable.
Dans un contexte où solidité et qualité architecturale sont souvent synonymes, ce projet met en lumière l'importance de la résilience matérielle à travers l'interface textile. Le pavillon de la Cour de la Maréchalerie, avec sa structure en portiques triangulaires et ses parois textiles, explore comment un matériau séculaire peut à la fois définir l'espace, réguler le climat et s'adapter aux mouvements du vent, tout en offrant une nouvelle perspective sur la construction durable et adaptable.
BIOGRAPHIES
Léonard Kadid est un architecte et designer de produits français basé à Paris. De l’objet à l’architecture, le travail de son studio se concentre sur l’expérimentation structurelle et la simplification formelle pour explorer les caractéristiques intrinsèques de la matière. Après avoir étudié à l’EPF Lausanne et à l’ENSA Paris-Est, Léonard Kadid a collaboré avec des bureaux de renom en Suisse avant de créer son propre studio à Paris.
Raphaël Kadid est un architecte et designer français basé en Suisse, exerçant dans le domaine de l’architecture, du design de produits, de la photographie et de l’édition. Après avoir été diplômé de l’ENSA Paris-Est en 2012, il s’est formé dans les bureaux Diener&Diener et Buchner Bründler à Bâle. Depuis 2021, Raphaël Kadid travaille en tant qu’architecte indépendant dans différentes collaborations. Parallèlement à sa pratique, il dirige la newsletter d’art et d’architecture Daily Dose, et dirige Raphaël Kadid Objects, son studio de design éponyme fondé en 2020 à Bâle.
Léonard Kadid est un architecte et designer de produits français basé à Paris. De l’objet à l’architecture, le travail de son studio se concentre sur l’expérimentation structurelle et la simplification formelle pour explorer les caractéristiques intrinsèques de la matière. Après avoir étudié à l’EPF Lausanne et à l’ENSA Paris-Est, Léonard Kadid a collaboré avec des bureaux de renom en Suisse avant de créer son propre studio à Paris.
Raphaël Kadid est un architecte et designer français basé en Suisse, exerçant dans le domaine de l’architecture, du design de produits, de la photographie et de l’édition. Après avoir été diplômé de l’ENSA Paris-Est en 2012, il s’est formé dans les bureaux Diener&Diener et Buchner Bründler à Bâle. Depuis 2021, Raphaël Kadid travaille en tant qu’architecte indépendant dans différentes collaborations. Parallèlement à sa pratique, il dirige la newsletter d’art et d’architecture Daily Dose, et dirige Raphaël Kadid Objects, son studio de design éponyme fondé en 2020 à Bâle.
HABITER L’INFRASTRUCTURE HYDRAULIQUE
Vorbot & Fidinirina
PRÉFACE
Ce projet en Ardèche réinvente la relation entre architecture et hydrologie à 800 mètres d'altitude. Autonome en eau, l'ensemble restauré, les Veynes, exploite une source locale à travers un réseau hydraulique intégré. Un silo central gère la distribution, tandis qu'une toiture en verre et des bassins naturels ajoutent fonctionnalité et harmonie avec le paysage. Une approche durable où chaque élément, du captage à la piscine naturelle, optimise l'utilisation de l'eau et renforce le lien entre bâti et environnement.
Ce projet en Ardèche réinvente la relation entre architecture et hydrologie à 800 mètres d'altitude. Autonome en eau, l'ensemble restauré, les Veynes, exploite une source locale à travers un réseau hydraulique intégré. Un silo central gère la distribution, tandis qu'une toiture en verre et des bassins naturels ajoutent fonctionnalité et harmonie avec le paysage. Une approche durable où chaque élément, du captage à la piscine naturelle, optimise l'utilisation de l'eau et renforce le lien entre bâti et environnement.
BIOGRAPHIE
Vorbot est une agence d’architecture fondée en 2016 à Paris par Sammy Vormus, Jules Giraudeau et Clément Talbot. L’agence développe une architecture où la simplicité et la radicalité sont les conditions préalables de l’émergence d’usages fluctuants. En s’affranchissant d’une rhétorique architecturale envahissante, l’objectif est de permettre à l’usager d’élaborer lui-même les potentiels d’expression de géométries simples et dispositifs architecturaux élémentaires. De ces situations, toujours via une utilisation raisonnée de la matière dans ses dimensions structurelle, plastique et économique, jaillissent des singularités, un certain degré de démesure, qui suscitent l’inattendu et la générosité.
Vorbot est une agence d’architecture fondée en 2016 à Paris par Sammy Vormus, Jules Giraudeau et Clément Talbot. L’agence développe une architecture où la simplicité et la radicalité sont les conditions préalables de l’émergence d’usages fluctuants. En s’affranchissant d’une rhétorique architecturale envahissante, l’objectif est de permettre à l’usager d’élaborer lui-même les potentiels d’expression de géométries simples et dispositifs architecturaux élémentaires. De ces situations, toujours via une utilisation raisonnée de la matière dans ses dimensions structurelle, plastique et économique, jaillissent des singularités, un certain degré de démesure, qui suscitent l’inattendu et la générosité.
ITSAS GELA, PIÈCES DE L’OCÉAN
MBL
PRÉFACE
Itsas Gela, Pièces de l’Océan est une recherche innovante sur l'impact du réchauffement climatique à Hendaye. Ce projet, initié par les Nouveaux Commanditaires, explore l’accrétion rocheuse en milieu sous-marin pour créer des monuments en utilisant des matériaux marins. Le procédé électrochimique, développé par Géocorail, transforme les sables et débris coquilliers en structures rocheuses qui émergent lentement, reflétant l'histoire géo-maritime de l'estuaire. Cette démarche souligne un engagement profond envers une architecture durable et respectueuse des forces naturelles.
Itsas Gela, Pièces de l’Océan est une recherche innovante sur l'impact du réchauffement climatique à Hendaye. Ce projet, initié par les Nouveaux Commanditaires, explore l’accrétion rocheuse en milieu sous-marin pour créer des monuments en utilisant des matériaux marins. Le procédé électrochimique, développé par Géocorail, transforme les sables et débris coquilliers en structures rocheuses qui émergent lentement, reflétant l'histoire géo-maritime de l'estuaire. Cette démarche souligne un engagement profond envers une architecture durable et respectueuse des forces naturelles.
BIOGRAPHIE
MBL architectes est une agence d’architecture fondée par Sébastien Martinez-Barat et Benjamin Lafore. Leur travail explore divers champs de la culture architecturale : constructions, publications, enseignements, conception d’objets et commissariat d’expositions. En 2014, ils réalisent Intérieurs, Notes et Figures, le pavillon belge de la 14e Biennale d’architecture de Venise. En 2016, lors de leur résidence à la villa Kujoyama à Kyoto, ils débutent un travail de recherche et de construction de folies intitulé Miscellaneous Folies qui donne lieu, début 2019, à une exposition au KANAL Centre Pompidou de Bruxelles. En 2016, ils sont lauréats des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes, décernés par le ministère de la Culture. Deux de leurs projets construits ont été nommés au prix Mies Van Der Rohe en 2014 et 2016. Ils sont commissaires des expositions d’architecture de la Villa Noailles depuis 2016 et rédacteurs en chef de la revue d’architecture Plan Libre depuis 2019. En 2022, arc en rêve centre d’architecture leur consacre une exposition monographique.
MBL architectes est une agence d’architecture fondée par Sébastien Martinez-Barat et Benjamin Lafore. Leur travail explore divers champs de la culture architecturale : constructions, publications, enseignements, conception d’objets et commissariat d’expositions. En 2014, ils réalisent Intérieurs, Notes et Figures, le pavillon belge de la 14e Biennale d’architecture de Venise. En 2016, lors de leur résidence à la villa Kujoyama à Kyoto, ils débutent un travail de recherche et de construction de folies intitulé Miscellaneous Folies qui donne lieu, début 2019, à une exposition au KANAL Centre Pompidou de Bruxelles. En 2016, ils sont lauréats des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes, décernés par le ministère de la Culture. Deux de leurs projets construits ont été nommés au prix Mies Van Der Rohe en 2014 et 2016. Ils sont commissaires des expositions d’architecture de la Villa Noailles depuis 2016 et rédacteurs en chef de la revue d’architecture Plan Libre depuis 2019. En 2022, arc en rêve centre d’architecture leur consacre une exposition monographique.
MOYENS DE RESTER CHAUD OU FRAIS
Davidson Rafailidis
PRÉFACE
Cette série de dessins explore la relation entre notre quotidien et les appareils domestiques souvent négligés. À travers des représentations en noir et blanc, ces images révèlent comment les objets tels que les radiateurs, les fenêtres ou les séchoirs, façonnent nos espaces de vie et interagissent avec nous comme des entités vivantes. Ils dévoilent l’interdépendance subtile entre confort thermique et équipements domestiques, mettant en lumière leur rôle fondamental dans l'ajustement et la régulation de notre environnement.
Cette série de dessins explore la relation entre notre quotidien et les appareils domestiques souvent négligés. À travers des représentations en noir et blanc, ces images révèlent comment les objets tels que les radiateurs, les fenêtres ou les séchoirs, façonnent nos espaces de vie et interagissent avec nous comme des entités vivantes. Ils dévoilent l’interdépendance subtile entre confort thermique et équipements domestiques, mettant en lumière leur rôle fondamental dans l'ajustement et la régulation de notre environnement.
BIOGRAPHIE
Davidson Rafailidis est un studio d’architecture fondé en 2008 par Stephanie Davidson et Georg Rafailidis, basé à Fort Erie, au Canada. Leur travail vise à exposer les relations physiques entre les bâtiments et les personnes. Chacun de leurs projets offre des expériences spatiales instinctives et immédiates qui sont indépendantes de la durée de vie, généralement courte, des programmes architecturaux contemporains. Leur production est reconnue à l’international, mise en avant dans de nombreuses expositions et publications. Stephanie Davidson et Georg Rafailidis mènent également une activité d’enseignement, en Amérique du Nord et en Europe — RWTH Aachen University, University of New York, University of Toronto, Peter Behrens School of Art, RSID Toronto, etc.
Davidson Rafailidis est un studio d’architecture fondé en 2008 par Stephanie Davidson et Georg Rafailidis, basé à Fort Erie, au Canada. Leur travail vise à exposer les relations physiques entre les bâtiments et les personnes. Chacun de leurs projets offre des expériences spatiales instinctives et immédiates qui sont indépendantes de la durée de vie, généralement courte, des programmes architecturaux contemporains. Leur production est reconnue à l’international, mise en avant dans de nombreuses expositions et publications. Stephanie Davidson et Georg Rafailidis mènent également une activité d’enseignement, en Amérique du Nord et en Europe — RWTH Aachen University, University of New York, University of Toronto, Peter Behrens School of Art, RSID Toronto, etc.
LE CYCLE STANDARD
Gonzalez Haase AAS
PRÉFACE
Cette installation illustre la danse dynamique entre action et réaction à travers deux cylindres concentriques. Les visiteuses et visiteurs expérimente d'abord une chaleur intense générée par des climatiseurs, puis une chute brutale de température en pénétrant dans le cylindre intérieur. Ce cycle de régulation climatique perpétuel met en lumière la codépendance des environnements et l'impact réciproque des conditions climatiques, créant une boucle sans fin où chaque élément influence l'autre.
Cette installation illustre la danse dynamique entre action et réaction à travers deux cylindres concentriques. Les visiteuses et visiteurs expérimente d'abord une chaleur intense générée par des climatiseurs, puis une chute brutale de température en pénétrant dans le cylindre intérieur. Ce cycle de régulation climatique perpétuel met en lumière la codépendance des environnements et l'impact réciproque des conditions climatiques, créant une boucle sans fin où chaque élément influence l'autre.
BIOGRAPHIE
Fondé par Pierre Jorge Gonzalez et Judith Haase en 1999, Gonzalez Haase AAS est un studio basé à Berlin, dont les principales activités gravitent autour de l’architecture, de la scénographie et de la lumière. Les premiers travaux, réalisés avec Richard Gluckman et Robert Wilson pour le Watermill Center, situé à New York, ont été les premiers d’une longue série de projets très remarqués faisant dialoguer des artistes, des conservateurs et des collectionneurs contemporains. En conservant l’interaction entre la lumière et l’architecture au premier plan de leur conception, AAS a acquis une renommée internationale pour les concepts spatiaux inventifs et singuliers qu’ils ont développés. Leurs travaux comprennent des installations artistiques, des boutiques de luxe, des extensions résidentielles et des transformations d’espaces industriels et artistiques.
Fondé par Pierre Jorge Gonzalez et Judith Haase en 1999, Gonzalez Haase AAS est un studio basé à Berlin, dont les principales activités gravitent autour de l’architecture, de la scénographie et de la lumière. Les premiers travaux, réalisés avec Richard Gluckman et Robert Wilson pour le Watermill Center, situé à New York, ont été les premiers d’une longue série de projets très remarqués faisant dialoguer des artistes, des conservateurs et des collectionneurs contemporains. En conservant l’interaction entre la lumière et l’architecture au premier plan de leur conception, AAS a acquis une renommée internationale pour les concepts spatiaux inventifs et singuliers qu’ils ont développés. Leurs travaux comprennent des installations artistiques, des boutiques de luxe, des extensions résidentielles et des transformations d’espaces industriels et artistiques.
CAMPING DU QUOTIDIEN
Dyvik Kahlen
PRÉFACE
Cette installation explore le dialogue entre architecture et réseaux, mettant en lumière la flexibilité des bâtiments face à l'évolution rapide des technologies. En intégrant des systèmes d'éclairage légers et autonomes à la Nef des Petites Écuries, elle illustre comment l'architecture peut rester résiliente et adaptable, tout en préservant sa beauté et sa fonctionnalité au fil du temps. Les photographies de la Villa Ruba, associées à des dispositifs solaires fournis par Xunzel, enrichissent cette réflexion sur la cohabitation des espaces et des technologies.
Cette installation explore le dialogue entre architecture et réseaux, mettant en lumière la flexibilité des bâtiments face à l'évolution rapide des technologies. En intégrant des systèmes d'éclairage légers et autonomes à la Nef des Petites Écuries, elle illustre comment l'architecture peut rester résiliente et adaptable, tout en préservant sa beauté et sa fonctionnalité au fil du temps. Les photographies de la Villa Ruba, associées à des dispositifs solaires fournis par Xunzel, enrichissent cette réflexion sur la cohabitation des espaces et des technologies.
BIOGRAPHIE
Basée à Londres, Porto et Oslo, Dyvik Kahlen est une agence d’architecture fondée en 2010 par Christopher Dyvik et Max Kahlen. Leur travail est sous-tendu par un désir d’objets et d’espaces confortables et étrangement familiers, ainsi que par une fascination pour les formes rationnelles et neutres. Dyvik Kahlen aspire à créer des espaces singuliers multiscalaires qui améliorent la qualité de vie de ceux qui les habitent, que ce soit à travers la fabrication d’un meuble, la réalisation d’un bâtiment ou encore le dessin d’un plan urbain.
Basée à Londres, Porto et Oslo, Dyvik Kahlen est une agence d’architecture fondée en 2010 par Christopher Dyvik et Max Kahlen. Leur travail est sous-tendu par un désir d’objets et d’espaces confortables et étrangement familiers, ainsi que par une fascination pour les formes rationnelles et neutres. Dyvik Kahlen aspire à créer des espaces singuliers multiscalaires qui améliorent la qualité de vie de ceux qui les habitent, que ce soit à travers la fabrication d’un meuble, la réalisation d’un bâtiment ou encore le dessin d’un plan urbain.
LE FEU DE CAMP DANS LA TENTE
Karamuk Kuo
PRÉFACE
Face à l'urgence climatique, cette installation invite à redéfinir notre relation avec l'environnement bâti et naturel, suivant la vision d'Alexander von Humboldt. L'exemple de l'Institut des Sciences du Sport de Lausanne illustre comment la structure, la lumière et le confort thermique s'intègrent en un continuum spatial et énergétique. En réimaginant les bâtiments comme des flux d'énergies plutôt que des entités séparées, l'installation révèle l'interdépendance des réalités matérielles et immatérielles, soulignant la nécessité d'une approche holistique pour une architecture durable.
Face à l'urgence climatique, cette installation invite à redéfinir notre relation avec l'environnement bâti et naturel, suivant la vision d'Alexander von Humboldt. L'exemple de l'Institut des Sciences du Sport de Lausanne illustre comment la structure, la lumière et le confort thermique s'intègrent en un continuum spatial et énergétique. En réimaginant les bâtiments comme des flux d'énergies plutôt que des entités séparées, l'installation révèle l'interdépendance des réalités matérielles et immatérielles, soulignant la nécessité d'une approche holistique pour une architecture durable.
BIOGRAPHIE
Basé à Zurich, Karamuk Kuo est un bureau d’architecture créé en 2010 par Jeannette Kuo et Ünal Karamuk. Tous deux stimulés par leurs expériences à l’international, ils mettent leurs diverses connaissances, dans le domaine de la construction, au service de leur processus de conception. Exposant la relation entre l’espace et le programme, chaque projet est abordé avec l’optimisme selon lequel l’architecture est la traduction d’idées nouvelles dans la réalité. L’agence développe des projets à différentes échelles — des installations spatiales, des bâtiments d’enseignement, ainsi que des réalisations complexes de logements multifamiliaux. De plus, les deux associés sont engagés dans la recherche en matière de design et ils enseignent depuis 2006 dans différentes universités aux États-Unis et en Suisse.
Basé à Zurich, Karamuk Kuo est un bureau d’architecture créé en 2010 par Jeannette Kuo et Ünal Karamuk. Tous deux stimulés par leurs expériences à l’international, ils mettent leurs diverses connaissances, dans le domaine de la construction, au service de leur processus de conception. Exposant la relation entre l’espace et le programme, chaque projet est abordé avec l’optimisme selon lequel l’architecture est la traduction d’idées nouvelles dans la réalité. L’agence développe des projets à différentes échelles — des installations spatiales, des bâtiments d’enseignement, ainsi que des réalisations complexes de logements multifamiliaux. De plus, les deux associés sont engagés dans la recherche en matière de design et ils enseignent depuis 2006 dans différentes universités aux États-Unis et en Suisse.
DANSHIN
Louise Morin
PRÉFACE
Danshin explore le confort thermique au Japon à travers la chaleur corporelle plutôt que l'isolation des bâtiments. En s'intéressant aux objets comme le Kotatsu et aux pratiques telles que le bain ou le thé, ce projet remet en question l'architecture comme simple enveloppe thermique. Les images thermiques collectées à Kyoto révèlent un confort basé sur des sources de chaleur individuelles, offrant une nouvelle perspective sur l'interaction entre espace et bien-être.
Danshin explore le confort thermique au Japon à travers la chaleur corporelle plutôt que l'isolation des bâtiments. En s'intéressant aux objets comme le Kotatsu et aux pratiques telles que le bain ou le thé, ce projet remet en question l'architecture comme simple enveloppe thermique. Les images thermiques collectées à Kyoto révèlent un confort basé sur des sources de chaleur individuelles, offrant une nouvelle perspective sur l'interaction entre espace et bien-être.
BIOGRAPHIE
Louise Morin est une architecte et artiste française diplômée de Central Saint Martins College of Art and Design à Londres et de l’ENSA Paris-Val de Seine. Elle a collaboré avec plusieurs agences d’architecture à Berlin, Buenos Aires et Stockholm. Exerçant à Paris depuis 2018, elle travaille à des échelles allant de l’objet à l’installation, jusqu’à l’architecture. En 2021, elle effectue une résidence de recherche et de création au Centre International d’Art et du Paysage sur l’île de Vassivière. En 2022, elle est lauréate de la MAK-Schindler Scholarship pour une résidence de six mois au MAK Center for Art and Architecture à Los Angeles. Depuis 2018, elle enseigne à l’ENSA Paris-Val de Seine.
Louise Morin est une architecte et artiste française diplômée de Central Saint Martins College of Art and Design à Londres et de l’ENSA Paris-Val de Seine. Elle a collaboré avec plusieurs agences d’architecture à Berlin, Buenos Aires et Stockholm. Exerçant à Paris depuis 2018, elle travaille à des échelles allant de l’objet à l’installation, jusqu’à l’architecture. En 2021, elle effectue une résidence de recherche et de création au Centre International d’Art et du Paysage sur l’île de Vassivière. En 2022, elle est lauréate de la MAK-Schindler Scholarship pour une résidence de six mois au MAK Center for Art and Architecture à Los Angeles. Depuis 2018, elle enseigne à l’ENSA Paris-Val de Seine.
LIRE L’INVISIBLE
Atmos Lab
PRÉFACE
La rénovation va au-delà de la simple mise à jour du visible ; elle engage une compréhension profonde de l'invisible — les facteurs environnementaux affectant le confort humain. L'installation Lire l'invisible explore ces paramètres : température, lumière et rayonnement, en les quantifiant et en les projetant sur une maquette de la Nef. Cette approche révèle comment une architecture bien conçue peut optimiser le confort naturel tout en minimisant l'impact énergétique.
La rénovation va au-delà de la simple mise à jour du visible ; elle engage une compréhension profonde de l'invisible — les facteurs environnementaux affectant le confort humain. L'installation Lire l'invisible explore ces paramètres : température, lumière et rayonnement, en les quantifiant et en les projetant sur une maquette de la Nef. Cette approche révèle comment une architecture bien conçue peut optimiser le confort naturel tout en minimisant l'impact énergétique.
BIOGRAPHIE
Atmos Lab est un bureau d’études spécialisé en conception environnementale et bioclimatique, fondé en 2016 par Florencia Collo, Olivier Dambron et Rafael Alonso Candau. Basé à Londres, Atmos Lab propose à l’architecture un cadre de réflexion scientifique et sensible au climat pour garantir naturellement le confort thermique et visuel des futurs occupants, minimiser les consommations énergétiques et maîtriser les émissions carbones. Atmos Lab combine les savoirs de multiples disciplines afin de créer des méthodologies et des technologies sur-mesure pour chaque projet.
Atmos Lab est un bureau d’études spécialisé en conception environnementale et bioclimatique, fondé en 2016 par Florencia Collo, Olivier Dambron et Rafael Alonso Candau. Basé à Londres, Atmos Lab propose à l’architecture un cadre de réflexion scientifique et sensible au climat pour garantir naturellement le confort thermique et visuel des futurs occupants, minimiser les consommations énergétiques et maîtriser les émissions carbones. Atmos Lab combine les savoirs de multiples disciplines afin de créer des méthodologies et des technologies sur-mesure pour chaque projet.
POUR UNE ARCHITECTURE MÉTÉOROLOGIQUE
Philippe Rahm
PRÉFACE
Le secteur du bâtiment — grand responsable des émissions de gaz à effet de serre — se tourne désormais vers une architecture durable et innovante. Au-delà des mesures écologiques classiques, pourrait-on envisager une architecture pensée comme météorologie ? Cette approche explore les phénomènes climatiques comme outils de conception, intégrant chaleur, lumière et ventilation dans la composition architecturale. L’architecture météorologique invite à repenser l'espace non seulement en termes visuels et fonctionnels, mais aussi à travers des dimensions sensuelles et climatiques, offrant ainsi une nouvelle esthétique durable et adaptative.
Le secteur du bâtiment — grand responsable des émissions de gaz à effet de serre — se tourne désormais vers une architecture durable et innovante. Au-delà des mesures écologiques classiques, pourrait-on envisager une architecture pensée comme météorologie ? Cette approche explore les phénomènes climatiques comme outils de conception, intégrant chaleur, lumière et ventilation dans la composition architecturale. L’architecture météorologique invite à repenser l'espace non seulement en termes visuels et fonctionnels, mais aussi à travers des dimensions sensuelles et climatiques, offrant ainsi une nouvelle esthétique durable et adaptative.
BIOGRAPHIE
Philippe Rahm est un architecte suisse diplômé de l’EPF Lausanne en 1993. Docteur en architecture de l’Université de Paris-Saclay en 2019, son agence, Philippe Rahm architectes, est établie depuis 2008 à Paris. Son travail — qui étend le champ de l’architecture entre le physiologique et le météorologique — a acquis une reconnaissance internationale dans le contexte du développement durable. Depuis 2010, Philippe Rahm a enseigné, entre autres, à Princeton, Harvard, Columbia University et à Cornell aujourd’hui. Il est maître de conférence à l’ÉNSA Versailles, a été invité à de nombreuses Biennales d’architecture — Venise, Séoul, Chicago ou Sharjah. En 2020, il est le commissaire de l’exposition Histoire naturelle de l ’architecture au Pavillon de l’Arsenal à Paris.
Philippe Rahm est un architecte suisse diplômé de l’EPF Lausanne en 1993. Docteur en architecture de l’Université de Paris-Saclay en 2019, son agence, Philippe Rahm architectes, est établie depuis 2008 à Paris. Son travail — qui étend le champ de l’architecture entre le physiologique et le météorologique — a acquis une reconnaissance internationale dans le contexte du développement durable. Depuis 2010, Philippe Rahm a enseigné, entre autres, à Princeton, Harvard, Columbia University et à Cornell aujourd’hui. Il est maître de conférence à l’ÉNSA Versailles, a été invité à de nombreuses Biennales d’architecture — Venise, Séoul, Chicago ou Sharjah. En 2020, il est le commissaire de l’exposition Histoire naturelle de l ’architecture au Pavillon de l’Arsenal à Paris.
LA TENTE OU LE FEU
Iris Lacoudre & Jeanne Moullet, Clément Talbot & Sammy Vormus
« Le textile est une matière visible qui régule l’énergie comme une matière invisible. Lors du workshop, les étudiants ont utilisé un grand tissu pour se protéger de la chaleur, illustrant comment le tissu peut réguler la température et répondre aux conditions climatiques extrêmes. Le textile peut ainsi s’adapter à différents environnements, régulant la chaleur corporelle comme le fait un vêtement vernaculaire au Japon.
»
PRÉFACE
Alors que la parabole de Banham définit deux méthodes pour l’utilisation du bois — la tente ou le feu — surgit une forme d’opposition entre deux modes de pensée et de faire. Une opposition entre la matière et l’énergie qui interroge alors le processus de conception architecturale et son lien aux ressources qu’offre un site, l’énergie dépensée et le déplacement de matière. Comment dépasser cette division fondamentale ? Comment constituer, aujourd’hui, la tribu de parfaits rationalistes en s’appuyant sur des procédés itératifs de conception du projet ? Comment lier matière et énergie dans la production de formes architecturales ?
Alors que la parabole de Banham définit deux méthodes pour l’utilisation du bois — la tente ou le feu — surgit une forme d’opposition entre deux modes de pensée et de faire. Une opposition entre la matière et l’énergie qui interroge alors le processus de conception architecturale et son lien aux ressources qu’offre un site, l’énergie dépensée et le déplacement de matière. Comment dépasser cette division fondamentale ? Comment constituer, aujourd’hui, la tribu de parfaits rationalistes en s’appuyant sur des procédés itératifs de conception du projet ? Comment lier matière et énergie dans la production de formes architecturales ?
CONTEXTE
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Iris Lacoudre et Jeanne Moulet, du collectif fromCLOTHtoCLOTHING, qui organisent des workshops questionnant la frontière entre l’habit et l’habiter, à des échelles variables; mais également Clément Talbot et Sammy Vormus, associés-fondateurs de Vorbot, qui œuvrent dans le champ de la maîtrise d’œuvre, exploitant les sujets d’énergies et d’efficacité constructive dans des projets de réhabilitation.
Pour débattre de ces questions, cette table ronde accueille Iris Lacoudre et Jeanne Moulet, du collectif fromCLOTHtoCLOTHING, qui organisent des workshops questionnant la frontière entre l’habit et l’habiter, à des échelles variables; mais également Clément Talbot et Sammy Vormus, associés-fondateurs de Vorbot, qui œuvrent dans le champ de la maîtrise d’œuvre, exploitant les sujets d’énergies et d’efficacité constructive dans des projets de réhabilitation.
INFOS
Table ronde du 19 mai 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Iris Lacoudre & Jeanne Moullet (fromCLOTHtoCLOTHING)
Clément Talbot & Sammy Vormus (Vorbot)
Modératrice :
Margaux Darrieus
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Revue papier
Article numérique
Table ronde du 19 mai 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Iris Lacoudre & Jeanne Moullet (fromCLOTHtoCLOTHING)
Clément Talbot & Sammy Vormus (Vorbot)
Modératrice :
Margaux Darrieus
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Revue papier
Article numérique
ENTRETIEN DE PHILIPPE RAHM
PAR NICOLAS DORVAL-BORY
Nicolas Dorval-Bory & Philippe Rahm
«
C’est d’ailleurs assez inquiétant de constater que certaines approches récentes de l’architecture — notamment héritées du structuralisme de Claude Lévi-Strauss ou de Michel Foucault, puis en architecture à travers les ouvrages et les travaux de Manfredo Tafuri, Aldo Rossi et Leonardo Benevolo — proposent encore des formes déconnectées des enjeux actuels, simplement par des modes de validation d’idées correspondant aux générations précédentes.
»
PRÉFACE
Architecte suisse basé à Paris, enseignant à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles, Philippe Rahm développe depuis vingt ans une position architecturale radicale quant à la matière et l'énergie. Qualifiée de physiologique, météorologique ou climatique, son approche, en plus d'œuvres construites, s'est particulièrement déployée par le médium littéraire. À l'occasion de l'exposition, dans laquelle les commissaires l'ont invité à présenter l'ensemble de sa bibliographie, Philippe Rahm a été interrogé par Nicolas Dorval-Bory, pour évoquer son itinéraire, la pensée par l'écriture, et son rapport aux thèmes de la Biennale.
Architecte suisse basé à Paris, enseignant à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles, Philippe Rahm développe depuis vingt ans une position architecturale radicale quant à la matière et l'énergie. Qualifiée de physiologique, météorologique ou climatique, son approche, en plus d'œuvres construites, s'est particulièrement déployée par le médium littéraire. À l'occasion de l'exposition, dans laquelle les commissaires l'ont invité à présenter l'ensemble de sa bibliographie, Philippe Rahm a été interrogé par Nicolas Dorval-Bory, pour évoquer son itinéraire, la pensée par l'écriture, et son rapport aux thèmes de la Biennale.
BIOGRAPHIE
Philippe Rahm est un architecte suisse diplômé de l’EPF Lausanne en 1993. Docteur en architecture de l’Université de Paris-Saclay en 2019, son agence, Philippe Rahm architectes, est établie depuis 2008 à Paris. Son travail — qui étend le champ de l’architecture entre le physiologique et le météorologique — a acquis une reconnaissance internationale dans le contexte du développement durable. Depuis 2010, Philippe Rahm a enseigné, entre autres, à Princeton, Harvard, Columbia University et à Cornell aujourd’hui. Il est maître de conférence à l’ÉNSA Versailles, a été invité à de nombreuses Biennales d’architecture — Venise, Séoul, Chicago ou Sharjah. En 2020, il est le commissaire de l’exposition Histoire naturelle de l ’architecture au Pavillon de l’Arsenal à Paris.
Philippe Rahm est un architecte suisse diplômé de l’EPF Lausanne en 1993. Docteur en architecture de l’Université de Paris-Saclay en 2019, son agence, Philippe Rahm architectes, est établie depuis 2008 à Paris. Son travail — qui étend le champ de l’architecture entre le physiologique et le météorologique — a acquis une reconnaissance internationale dans le contexte du développement durable. Depuis 2010, Philippe Rahm a enseigné, entre autres, à Princeton, Harvard, Columbia University et à Cornell aujourd’hui. Il est maître de conférence à l’ÉNSA Versailles, a été invité à de nombreuses Biennales d’architecture — Venise, Séoul, Chicago ou Sharjah. En 2020, il est le commissaire de l’exposition Histoire naturelle de l ’architecture au Pavillon de l’Arsenal à Paris.
DE L’HABIT À L’HABITAT
fromCLOTHtoCLOTHING
PRÉFACE
De l’habit à l’habitat explore la relation entre textile et environnement, en utilisant le textile pour réguler les énergies invisibles entre le corps et l'espace. À la Cour de la Maréchalerie, des toiles créent de l'ombre et s’adaptent aux variations climatiques. Des installations polyvalentes transforment l'architecture en espace de protection contre le soleil, le vent ou le froid. Des performances clôturent l’atelier, mettant en scène des créations textiles évolutives. Ce workshop illustre comment le textile peut devenir un acteur dynamique de l’architecture, capable de répondre aux défis environnementaux quotidiens.
De l’habit à l’habitat explore la relation entre textile et environnement, en utilisant le textile pour réguler les énergies invisibles entre le corps et l'espace. À la Cour de la Maréchalerie, des toiles créent de l'ombre et s’adaptent aux variations climatiques. Des installations polyvalentes transforment l'architecture en espace de protection contre le soleil, le vent ou le froid. Des performances clôturent l’atelier, mettant en scène des créations textiles évolutives. Ce workshop illustre comment le textile peut devenir un acteur dynamique de l’architecture, capable de répondre aux défis environnementaux quotidiens.
BIOGRAPHIE
FromCLOTHtoCLOTHING est une équipe constituée d’une constellation de praticiens engagés dans des domaines différents et complémentaires, à l’intersection de plusieurs disciplines : Jérémy Glâtre (designer graphique), Nadine Göpfert (designer textile), Iris Lacoudre (architecte), Akane Moriyama (designer textile), Jeanne Moullet (architecte) et Louise Morin (architecte). Le collectif, qui a déjà mené des workshops dans des écoles d’architecture et de design, interroge l’espace entre le corps et son environnement, ses échelles et le textile enveloppant.
FromCLOTHtoCLOTHING est une équipe constituée d’une constellation de praticiens engagés dans des domaines différents et complémentaires, à l’intersection de plusieurs disciplines : Jérémy Glâtre (designer graphique), Nadine Göpfert (designer textile), Iris Lacoudre (architecte), Akane Moriyama (designer textile), Jeanne Moullet (architecte) et Louise Morin (architecte). Le collectif, qui a déjà mené des workshops dans des écoles d’architecture et de design, interroge l’espace entre le corps et son environnement, ses échelles et le textile enveloppant.
INFOS
Workshop 01
16.05.22 — 20.05.22
ÉNSA Versailles, Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Jérémy Glâtre, graphiste — Paris
Nadine Göpfert, designer textile — Berlin
Iris Lacoudre, architecte, Paris
Akane Moriyama, designer textile — Stockholm
Louise Morin, architecte — Paris
Jeanne Moullet, architecte — Paris
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 01
16.05.22 — 20.05.22
ÉNSA Versailles, Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Jérémy Glâtre, graphiste — Paris
Nadine Göpfert, designer textile — Berlin
Iris Lacoudre, architecte, Paris
Akane Moriyama, designer textile — Stockholm
Louise Morin, architecte — Paris
Jeanne Moullet, architecte — Paris
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
5 pages
Revue papier
Article numérique
60x60
Tectoniques, Lucas Jollivet
PRÉFACE
60 x 60 revisite la construction bois à travers un système préfabriqué qui révèle la beauté des structures élémentaires. En utilisant des panneaux de 60 x 60 mm et des films translucides, le projet expose la richesse de l'ossature bois, habituellement cachée. Ce design, qui joue avec la lumière et les ombres, crée une architecture rythmée et modulable, offrant une réponse esthétique et fonctionnelle aux défis environnementaux contemporains. Le projet dialogue avec les façades en construction, ajoutant une dimension poétique à l'espace de la Cour de la Maréchalerie.
60 x 60 revisite la construction bois à travers un système préfabriqué qui révèle la beauté des structures élémentaires. En utilisant des panneaux de 60 x 60 mm et des films translucides, le projet expose la richesse de l'ossature bois, habituellement cachée. Ce design, qui joue avec la lumière et les ombres, crée une architecture rythmée et modulable, offrant une réponse esthétique et fonctionnelle aux défis environnementaux contemporains. Le projet dialogue avec les façades en construction, ajoutant une dimension poétique à l'espace de la Cour de la Maréchalerie.
BIOGRAPHIE
Tectoniques est un groupe d’une quarantaine d’architectes et d’ingénieurs réunis à Lyon et à Bordeaux. Le collectif revendique des démarches environnementales engagées et une approche spécifique des dispositifs de préfabrication et de construction en filière sèche, majoritairement à partir de solutions bois et biosourcées. Lucas Jollivet est diplômé de l’ENSA de Saint-Étienne en 2009. Il crée son agence Lucas Jollivet Architecte à Lyon en 2015, en parallèle de sa pratique au sein de Tectoniques, dans lequel il œuvre depuis 2009. Il enseigne à l’ENSA Saint-Étienne depuis 2017, et il a été lauréat des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes en 2020.
Tectoniques est un groupe d’une quarantaine d’architectes et d’ingénieurs réunis à Lyon et à Bordeaux. Le collectif revendique des démarches environnementales engagées et une approche spécifique des dispositifs de préfabrication et de construction en filière sèche, majoritairement à partir de solutions bois et biosourcées. Lucas Jollivet est diplômé de l’ENSA de Saint-Étienne en 2009. Il crée son agence Lucas Jollivet Architecte à Lyon en 2015, en parallèle de sa pratique au sein de Tectoniques, dans lequel il œuvre depuis 2009. Il enseigne à l’ENSA Saint-Étienne depuis 2017, et il a été lauréat des Albums des Jeunes Architectes et Paysagistes en 2020.
INFOS
Workshop 07
20.06.22—24.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Tectoniques : Lucas Jollivet, Charley Damon et Léa Lafiandra — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
4 pages
Revue papier
Article numérique
Workshop 07
20.06.22—24.06.22
ÉNSA Versailles , Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Tectoniques : Lucas Jollivet, Charley Damon et Léa Lafiandra — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
4 pages
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Article numérique
LE CASSE-CROÛTE
Âtre
PRÉFACE
Casse-croûte explore la convergence entre architecture et alimentation, en mettant en lumière leur rôle dans la régulation thermique et la gestion des ressources. En construisant une fosse de cuisson en terre et en partageant des repas autour du feu, le workshop examine comment ces éléments fondamentaux influencent nos espaces et nos corps face au changement climatique. Ce projet met en lumière la relation entre la chaleur du foyer et la terre, tout en revisitant les concepts de Reyner Banham sur la chaleur et l’architecture.
Casse-croûte explore la convergence entre architecture et alimentation, en mettant en lumière leur rôle dans la régulation thermique et la gestion des ressources. En construisant une fosse de cuisson en terre et en partageant des repas autour du feu, le workshop examine comment ces éléments fondamentaux influencent nos espaces et nos corps face au changement climatique. Ce projet met en lumière la relation entre la chaleur du foyer et la terre, tout en revisitant les concepts de Reyner Banham sur la chaleur et l’architecture.
BIOGRAPHIE
Âtre est une association loi 1901 constituée de jeunes professionnels et étudiants issus des métiers de l’architecture, du paysage et de l’urbanisme. Elle vise à animer des temps forts de rencontres entre ses membres dans le cadre d’études éphémères en milieu rural. Âtre désigne également, comme le suggère son nom, le lieu dans lequel est fait le feu dans une maison. Espace rituel de la fête et du repas, c’est avec le même esprit de convivialité et de réjouissance que s’organise la vie parallèle aux ateliers, reposant sur le principe de « veillée ».
Âtre est une association loi 1901 constituée de jeunes professionnels et étudiants issus des métiers de l’architecture, du paysage et de l’urbanisme. Elle vise à animer des temps forts de rencontres entre ses membres dans le cadre d’études éphémères en milieu rural. Âtre désigne également, comme le suggère son nom, le lieu dans lequel est fait le feu dans une maison. Espace rituel de la fête et du repas, c’est avec le même esprit de convivialité et de réjouissance que s’organise la vie parallèle aux ateliers, reposant sur le principe de « veillée ».
INFOS
Workshop 11
11.07.22—13.07.22
ÉNSA Versailles, Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Association Âtre : Siméon Gonnet, Étienne Buret, Simon Metz et Isidore Scott — France
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
4 pages
Revue papier
Article numérique
Table ronde du 2 juin 2022 à l’auditorium de l’ENSA Versailles, captée, retranscrite et éditée par les Éditions POLYGONE.
Intervenant·e·s :
Thibaut Barrault (Barrault Pressacco)
Maria Fernanda Serna
Marie Zawitowski (onSITE)
Modérateur :
Nicolas Houssais
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
Intervenant·e·s :
Thibaut Barrault (Barrault Pressacco)
Maria Fernanda Serna
Marie Zawitowski (onSITE)
Modérateur :
Nicolas Houssais
Publié en 2022 dans
BAP! 2 — Visible Invisible
14 pages
11.07.22—13.07.22
ÉNSA Versailles, Cour de la Maréchalerie
Ce workshop est proposé par :
Association Âtre : Siméon Gonnet, Étienne Buret, Simon Metz et Isidore Scott — France
Publié en 2022 dans
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4 pages
Revue papier
Article numérique
POLYGONE N°0 — PIRATE
TRANS-PIRATES
Chris Younès
«
Ceci renvoie à un mode d’être fondamental de l’existence : ouvrir des possibles, à la fois des trans-passibilités et des trans-possibilités, en « trans-pirates ». L’argumentation se tient sur le fil tendu de vies libres et de potentialités de réinitialisations, à l’intersection de lignes transverses actives (...). Le trans-pirate d’aujourd’hui n’est pas celui qui fait du piratage mais celui qui, en réinventant dans les marges des sociétés consolidées et les fêlures, contribue à faire advenir un monde où cohabiter et exister.
»
PRÉFACE
Dans cet essai, Chris Younès explore le lien entre piraterie et fêlures existentielles, convoquant Fitzgerald et Deleuze pour penser nos crises comme des moteurs d'action. De la stabilité au mouvement, elle évoque les hackers investissant les failles comme espaces de liberté. En confrontant l'inaction au questionnement socratique, elle célèbre la piraterie comme acte de transgression positive. Younès esquisse ainsi le portrait d'un nouveau pirate, le trans-pirate, ouvrant les horizons vers l'infini.
Dans cet essai, Chris Younès explore le lien entre piraterie et fêlures existentielles, convoquant Fitzgerald et Deleuze pour penser nos crises comme des moteurs d'action. De la stabilité au mouvement, elle évoque les hackers investissant les failles comme espaces de liberté. En confrontant l'inaction au questionnement socratique, elle célèbre la piraterie comme acte de transgression positive. Younès esquisse ainsi le portrait d'un nouveau pirate, le trans-pirate, ouvrant les horizons vers l'infini.
BIOGRAPHIE
Psychosociologue, docteure, HDR en philosophie, professeure à l’Ecole Spéciale d’Architecture, elle est également fondatrice et membre du laboratoire Gerphau (EA 7486 - ENSA Paris-la-Villette), et du Réseau scientifique thématique PhilAU (Ministère de la Culture) dont elle assure la présidence scientifique. Cofondatrice et membre d’ARENA (Architectural Research European Network), membre du conseil scientifique d’Europan. Ses publications et recherches développent une interface architecturale et philosophique sur la question des lieux de l'habiter, au point de rencontre entre éthique et esthétique, ainsi qu’entre nature et artefact. Parmi ses ouvrages : Henri Maldiney. Philosophie, art et existence, Paris, éd. du Cerf, 2007 ou encore Lignes d’univers. Métamorphoses des vies urbaines (codir. Bruno Giorgini), Paris, éd. Les Points sur les i, 2017.
Psychosociologue, docteure, HDR en philosophie, professeure à l’Ecole Spéciale d’Architecture, elle est également fondatrice et membre du laboratoire Gerphau (EA 7486 - ENSA Paris-la-Villette), et du Réseau scientifique thématique PhilAU (Ministère de la Culture) dont elle assure la présidence scientifique. Cofondatrice et membre d’ARENA (Architectural Research European Network), membre du conseil scientifique d’Europan. Ses publications et recherches développent une interface architecturale et philosophique sur la question des lieux de l'habiter, au point de rencontre entre éthique et esthétique, ainsi qu’entre nature et artefact. Parmi ses ouvrages : Henri Maldiney. Philosophie, art et existence, Paris, éd. du Cerf, 2007 ou encore Lignes d’univers. Métamorphoses des vies urbaines (codir. Bruno Giorgini), Paris, éd. Les Points sur les i, 2017.
LES PIRATES DANS LE DROIT ET SUR LES MERS
Marine Lecomte
«
Tandis que la figure historique du pirate voguant sur les mers subsiste et se modernise, un autre type aux intentions et « tentatives » divergentes a vu le jour. Le premier nommé était déjà actif dans l’Antiquité et s’évertuait à obtenir de l’argent, le second a fait son apparition relativement récemment avec la crise migratoire en Méditerranée et cherche quant à lui à rejoindre une terre clémente pour sauver sa vie.
»
PRÉFACE
Dans cet article, Marine Lecomte explore la piraterie à travers le prisme du Droit. Elle analyse les diverses réalités de ce phénomène, confrontant la figure moderne du pirate des mers aux migrants accusés de piraterie. L'auteure retrace l'évolution des mesures juridiques contre la piraterie, soulignant sa résurgence ces dernières décennies. Elle compare les pirates traditionnels aux nouveaux navigateurs forcés, proposant des solutions légales pour les différencier. Une réflexion fascinante sur la survie et la justice dans les eaux troubles de la piraterie contemporaine.
Dans cet article, Marine Lecomte explore la piraterie à travers le prisme du Droit. Elle analyse les diverses réalités de ce phénomène, confrontant la figure moderne du pirate des mers aux migrants accusés de piraterie. L'auteure retrace l'évolution des mesures juridiques contre la piraterie, soulignant sa résurgence ces dernières décennies. Elle compare les pirates traditionnels aux nouveaux navigateurs forcés, proposant des solutions légales pour les différencier. Une réflexion fascinante sur la survie et la justice dans les eaux troubles de la piraterie contemporaine.
BIOGRAPHIE
Avocate en droit des nouvelles technologies, Marine est diplômée de l’Université Paris II Panthéon-Assas en droit international économique.
Après une expérience à l’Appalachian State University en Caroline du Nord et une seconde en Californie, elle porte un regard altruiste sur le monde qui l’entoure.
Avocate en droit des nouvelles technologies, Marine est diplômée de l’Université Paris II Panthéon-Assas en droit international économique.
Après une expérience à l’Appalachian State University en Caroline du Nord et une seconde en Californie, elle porte un regard altruiste sur le monde qui l’entoure.
INFOS
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
5 pages
Revue papier
Article numérique
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POLYGONE n°0 — Pirate
5 pages
Revue papier
Article numérique
LE RETOUR DU CRIEUR PUBLIC
Cloé Belliot
«
Après sept ans d’activité en tant que crieur, Gérald Rigaud crée, autour de la profession, une véritable activité culturelle en fondant le ministère des rapports humains. Analysé selon des valeurs humaines, il est alors possible de voir, à travers ce métier, un retour à la collectivité : le crieur public devient garant des liens sociaux, dans une société où l’individualité prévaut. On retrouve la proximité de l’autre qu’offre la place et un mode de communication qui incite à la spontanéité des échanges.
»
PRÉFACE
Pénétrez dans l'univers fascinant du crieur public avec Cloé Belliot, danseuse professionnelle. De l'histoire médiévale à Fred Vargas, elle explore ce métier vital et symbolique. Révélant son déclin et sa résurgence, elle interroge son rôle contemporain dans une société assoiffée de liberté d'expression. Une réflexion captivante sur la voix du peuple dans un monde numérique.
Pénétrez dans l'univers fascinant du crieur public avec Cloé Belliot, danseuse professionnelle. De l'histoire médiévale à Fred Vargas, elle explore ce métier vital et symbolique. Révélant son déclin et sa résurgence, elle interroge son rôle contemporain dans une société assoiffée de liberté d'expression. Une réflexion captivante sur la voix du peuple dans un monde numérique.
BIOGRAPHIE
À 28 ans, Cloé a accompli son rêve d’enfance : devenir danseuse professionnelle.
Pour ce faire, elle a étudié la danse en France pendant deux ans, puis elle a intégré une école à Florence (Italie) où elle a pu réaliser ensuite plusieurs expériences artistiques avec différents chorégraphes. Elle a eu l’opportunité de danser dans des lieux privilégiés dont certains chefs-d'œuvre de l'art et de l'architecture de la Renaissance de la capitale toscane. Inspirée par la vie florentine, elle décide alors de reprendre ses études, et finit actuellement sa première année de master en littérature italienne.
À 28 ans, Cloé a accompli son rêve d’enfance : devenir danseuse professionnelle.
Pour ce faire, elle a étudié la danse en France pendant deux ans, puis elle a intégré une école à Florence (Italie) où elle a pu réaliser ensuite plusieurs expériences artistiques avec différents chorégraphes. Elle a eu l’opportunité de danser dans des lieux privilégiés dont certains chefs-d'œuvre de l'art et de l'architecture de la Renaissance de la capitale toscane. Inspirée par la vie florentine, elle décide alors de reprendre ses études, et finit actuellement sa première année de master en littérature italienne.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
6 pages
Revue papier
Article numérique
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POLYGONE n°0 — Pirate
6 pages
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Article numérique
ZONES INCONNUES TEMPORAIRES
Clément Vignes
«
Source de nombreuses confusions quant à sa signification, son contenu et l’illégalité de son usage, le darknet s’érige aujourd’hui comme une véritable « machine à fantasme de l’interdit ». Mettant de côté les thématiques barbares et marchandes pullulant sur le réseau, nous trouvons, cachées, des zones d’autonomies temporaires. Sous le masque de l’anonymat, elles ont permis à bon nombre de leurs utilisateurs de s’émanciper. »
PRÉFACE
Plongez dans les profondeurs inexplorées du darkweb aux côtés de Clément Vignes, architecte visionnaire. Dans cet ouvrage percutant, il démystifie le dualisme du web, exposant la clarté du clearweb face aux mystères sulfureux du darkweb. À travers une analyse rigoureuse, il met en lumière les enjeux cruciaux de cet univers virtuel, pointant du doigt les failles du clearweb tout en célébrant le potentiel émancipateur du darkweb. Une exploration fascinante des frontières numériques et de leurs implications sur notre société moderne.
Plongez dans les profondeurs inexplorées du darkweb aux côtés de Clément Vignes, architecte visionnaire. Dans cet ouvrage percutant, il démystifie le dualisme du web, exposant la clarté du clearweb face aux mystères sulfureux du darkweb. À travers une analyse rigoureuse, il met en lumière les enjeux cruciaux de cet univers virtuel, pointant du doigt les failles du clearweb tout en célébrant le potentiel émancipateur du darkweb. Une exploration fascinante des frontières numériques et de leurs implications sur notre société moderne.
BIOGRAPHIE
Architecte diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles (ENSAV) en 2018, Clément s'intéresse à l’univers web et les strates de connaissances qui le composent. Il s’interroge sur les différentes manières d’habiter la toile comme lieu d’information, de rassemblement et d’échange matériel. En 2009, il co-fonde SAS Minimum, une entreprise de recyclage de plastique. Il travaille actuellement pour l’agence Dominique Lyon Architectes à Paris.
Architecte diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles (ENSAV) en 2018, Clément s'intéresse à l’univers web et les strates de connaissances qui le composent. Il s’interroge sur les différentes manières d’habiter la toile comme lieu d’information, de rassemblement et d’échange matériel. En 2009, il co-fonde SAS Minimum, une entreprise de recyclage de plastique. Il travaille actuellement pour l’agence Dominique Lyon Architectes à Paris.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
10 pages
Revue papier
Article numérique
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
10 pages
Revue papier
Article numérique
DE L'IMPORTANCE CIVIQUE ET LITTÉRAIRE D'UN « PETIT TAS D'ORDURES »
Octave Chicoteau
«
La littérature, puisqu’elle n’ a pas lieu d’être une fois prise dans l’économie d’une société (...) doit nécessairement dériver de frontière en frontière, jouer au passe-muraille si elle veut exister ou se maintenir (...). Partant, elle constituerait une entité pirate de fait, toujours située sur la brèche, foncièrement inadmissible, contestant, par son existence clandestine et le travail imaginatif qu’implique la diffusion de ses fictions, l’ordre établi et les modes de pensée coercitifs.
»
PRÉFACE
Octave Chicoteau offre une plongée personnelle dans l'univers de Jean Genet, écrivain provocateur et marginal. En mêlant biographie, poèmes, citations et extraits de pièces de théâtre, Octave Chicoteau explore les territoires tumultueux où Genet a navigué. Il interroge la notion de littérature pirate, suggérant que l'œuvre de Genet, à la fois transgressive et polémique, défie les normes et trouve sa valeur dans sa dissidence même. Cette étude révèle comment Genet, tel un pirate acclamé, a transformé sa subversion en une force bienfaisante, défiant les conventions tout en étant consacré par ses pairs. À travers cette recherche, Chicoteau nous amène à réfléchir : qu'est-ce que pirater dans le domaine de la littérature?
Octave Chicoteau offre une plongée personnelle dans l'univers de Jean Genet, écrivain provocateur et marginal. En mêlant biographie, poèmes, citations et extraits de pièces de théâtre, Octave Chicoteau explore les territoires tumultueux où Genet a navigué. Il interroge la notion de littérature pirate, suggérant que l'œuvre de Genet, à la fois transgressive et polémique, défie les normes et trouve sa valeur dans sa dissidence même. Cette étude révèle comment Genet, tel un pirate acclamé, a transformé sa subversion en une force bienfaisante, défiant les conventions tout en étant consacré par ses pairs. À travers cette recherche, Chicoteau nous amène à réfléchir : qu'est-ce que pirater dans le domaine de la littérature?
BIOGRAPHIE
Étudiant en classe préparatoire littéraire, Octave a écrit et mis en scène plusieurs pièces de théâtre et suit une formation de comédien amateur. Passionné de littérature en ce qu’elle a de plus subversif et salvateur, il considère cette dernière comme indissociable d’une forme d’action à la fois pirate et rédemptrice. À l’origine de ses travaux et de sa réflexion : la lecture de Jean Genet, dont « on ne ressort jamais tout à fait indemne ».
Étudiant en classe préparatoire littéraire, Octave a écrit et mis en scène plusieurs pièces de théâtre et suit une formation de comédien amateur. Passionné de littérature en ce qu’elle a de plus subversif et salvateur, il considère cette dernière comme indissociable d’une forme d’action à la fois pirate et rédemptrice. À l’origine de ses travaux et de sa réflexion : la lecture de Jean Genet, dont « on ne ressort jamais tout à fait indemne ».
INFOS
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
6 pages
Revue papier
Article numérique
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POLYGONE n°0 — Pirate
6 pages
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Article numérique
LA RUÉE VERS L'HORS
Nicolas Houssais
«
Beaucoup de voix considèrent l’architecte de moins en moins nécessaire en l’accusant de dessiner des projets aux formes spasmodiques, aux budgets faramineux et à l’utilité douteuse. Finalement, l’architecte n’est coupable que de répondre à une demande et ce sont cette dernière et ceux qui la produise qui doivent être (re)mis en cause. (…) Ce ne sont pas les décideurs, les programmistes et les éditeurs de normes qui doivent déterminer l’Architecture mais bien les architectes.
»
PRÉFACE
Nicolas Houssais dévoile dans cette enquête la subversion de certains architectes français face aux normes et règlements. Illustrant diverses postures critiques, il démontre comment la désobéissance devient un moyen pour accéder à la liberté de rétablir du sens. Dénonçant l'influence étouffante des normes, il expose des pratiques de détournement et de refus de concours, encourageant ainsi une rébellion architecturale contre les cadres imposés. Cet ouvrage, non académique, est un appel à adopter un comportement pirate, à s'affranchir des normes et des concours pour mieux répondre aux défis contemporains.
Nicolas Houssais dévoile dans cette enquête la subversion de certains architectes français face aux normes et règlements. Illustrant diverses postures critiques, il démontre comment la désobéissance devient un moyen pour accéder à la liberté de rétablir du sens. Dénonçant l'influence étouffante des normes, il expose des pratiques de détournement et de refus de concours, encourageant ainsi une rébellion architecturale contre les cadres imposés. Cet ouvrage, non académique, est un appel à adopter un comportement pirate, à s'affranchir des normes et des concours pour mieux répondre aux défis contemporains.
BIOGRAPHIE
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
14 pages
Revue papier
Article numérique
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POLYGONE n°0 — Pirate
14 pages
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Article numérique
PIRATER, UN EXERCICE CONSTRUCTIF
Yves Dreier
«
Par aversion du lobbyisme propre au monde de la construction, par scepticisme envers le recours effréné à la technique, par rejet de la spéculation immobilière, nous développons le goût de l’expérimentation architecturale. Par amour de l’artisanat ainsi que de la matière nous nous entichons volontiers de mises
en œuvre déviantes et inédites. »
PRÉFACE
Dans cet essai percutant, Yves Dreier, architecte suisse, nous entraîne dans un voyage captivant à travers dix projets architecturaux en Suisse et en Allemagne. Il défend avec passion une approche de la création architecturale qui s'inspire du pirate, privilégiant le détournement créatif à la reproduction stérile. À travers l'examen minutieux de trois éléments fondamentaux - le toit, la structure et le pilier - Dreier démontre brillamment comment son travail repousse les limites conventionnelles de l'architecture. Cet ouvrage n'est pas seulement un plaidoyer pour l'originalité, mais aussi un manifeste contre la standardisation imposée par les lobbys et la technologie. Il incite à la désobéissance et à l'audace, célébrant l'alliance entre la pensée et l'action. En fin de compte, ces projets sont une ode à l'expérimentation et au piratage de la construction, révélant la méthode unique de l'auteur.
Dans cet essai percutant, Yves Dreier, architecte suisse, nous entraîne dans un voyage captivant à travers dix projets architecturaux en Suisse et en Allemagne. Il défend avec passion une approche de la création architecturale qui s'inspire du pirate, privilégiant le détournement créatif à la reproduction stérile. À travers l'examen minutieux de trois éléments fondamentaux - le toit, la structure et le pilier - Dreier démontre brillamment comment son travail repousse les limites conventionnelles de l'architecture. Cet ouvrage n'est pas seulement un plaidoyer pour l'originalité, mais aussi un manifeste contre la standardisation imposée par les lobbys et la technologie. Il incite à la désobéissance et à l'audace, célébrant l'alliance entre la pensée et l'action. En fin de compte, ces projets sont une ode à l'expérimentation et au piratage de la construction, révélant la méthode unique de l'auteur.
BIOGRAPHIE
Yves Dreier est un architecte suisse diplômé de l’ETH à Zurich. Il a enseigné de nombreuses années à l’EPF à Lausanne et publie régulièrement des articles au sein des revues d’architecture spécialisées. En 2008, il fonde, avec Eik Frenzel, l’agence Dreier Frenzel Architecture + Communication. Leur activité dépasse la seule envie de construire et se colore volontiers d’approches expérimentales et théoriques. Leur obsession à considérer l’architecture comme un bien commun est récompensée par les Swiss Art Awards en 2016 et le prix FVPC pour la culture du bâti en 2020. Lauréats de nombreux concours d’architecture, leur pratique s’appuie sur un panel ciblé de thématiques: les valeurs futiles du quotidien, l’expression collective de la domesticité, la diversité des modes d’habiter et la démocratie participative.
Yves Dreier est un architecte suisse diplômé de l’ETH à Zurich. Il a enseigné de nombreuses années à l’EPF à Lausanne et publie régulièrement des articles au sein des revues d’architecture spécialisées. En 2008, il fonde, avec Eik Frenzel, l’agence Dreier Frenzel Architecture + Communication. Leur activité dépasse la seule envie de construire et se colore volontiers d’approches expérimentales et théoriques. Leur obsession à considérer l’architecture comme un bien commun est récompensée par les Swiss Art Awards en 2016 et le prix FVPC pour la culture du bâti en 2020. Lauréats de nombreux concours d’architecture, leur pratique s’appuie sur un panel ciblé de thématiques: les valeurs futiles du quotidien, l’expression collective de la domesticité, la diversité des modes d’habiter et la démocratie participative.
INFOS
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
7 pages
Revue papier
Article numérique
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
7 pages
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Article numérique
IMAGE.EXE
Camille Tellier
«
On peut alors considérer cette intrusion comme une forme commune de piraterie de l’esprit par l’image. De ces marchés lucratifs et intrusifs (comme
la communication et la publicité) naissent des codes graphiques, des images subliminales, des associations d’idées basées sur des données personnelles et un langage propre à la manipulation des idées. »
PRÉFACE
Camille Tellier plonge dans une exploration captivante du rôle de l'image en architecture. Entre critique de son omniprésence et plaidoyer pour sa métamorphose, l'auteur évoque une piraterie conceptuelle, le hacking subversif d'un système visuel saturé. De la consommation visuelle à l'émergence d'images mentales, chaque idée déconstruit les normes établies, révélant un panorama sensoriel dans lequel l'ouïe, l'odorat et la vue se (con)fondent. Le récit, mêlant transdisciplinarité, collage et résistance, révèle le pouvoir des images dans le processus créatif itératif architectural. Une réflexion essentielle sur notre rapport à l'image et ses vices ainsi qu'à notre dépendance à sa production.
Camille Tellier plonge dans une exploration captivante du rôle de l'image en architecture. Entre critique de son omniprésence et plaidoyer pour sa métamorphose, l'auteur évoque une piraterie conceptuelle, le hacking subversif d'un système visuel saturé. De la consommation visuelle à l'émergence d'images mentales, chaque idée déconstruit les normes établies, révélant un panorama sensoriel dans lequel l'ouïe, l'odorat et la vue se (con)fondent. Le récit, mêlant transdisciplinarité, collage et résistance, révèle le pouvoir des images dans le processus créatif itératif architectural. Une réflexion essentielle sur notre rapport à l'image et ses vices ainsi qu'à notre dépendance à sa production.
BIOGRAPHIE
Architecte diplômé de l’ENSA Bretagne en 2013, il est récompensé par le Prix Jeunes Talents délivré par Rennes Métropole pour son diplôme Sound Palace, une infrastructure du spectacle évolutive qui s’empare d’un échangeur routier. Ce projet introduit notamment l’idée du spectacle comme totem de la consommation contemporaine. À la fois, fabricant d’images « réalistes » et critique de ce mode de représentation, il se sert de cette ambivalence pour imaginer des alternatives. Depuis, il s’interroge sur le rôle de l’image dans le processus de conception et de représentation de l’architecture. Il a dernièrement collaboré avec les agences bordelaises MORE architectes et Esnard & Sanz.
Architecte diplômé de l’ENSA Bretagne en 2013, il est récompensé par le Prix Jeunes Talents délivré par Rennes Métropole pour son diplôme Sound Palace, une infrastructure du spectacle évolutive qui s’empare d’un échangeur routier. Ce projet introduit notamment l’idée du spectacle comme totem de la consommation contemporaine. À la fois, fabricant d’images « réalistes » et critique de ce mode de représentation, il se sert de cette ambivalence pour imaginer des alternatives. Depuis, il s’interroge sur le rôle de l’image dans le processus de conception et de représentation de l’architecture. Il a dernièrement collaboré avec les agences bordelaises MORE architectes et Esnard & Sanz.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
10 pages
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Article numérique
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POLYGONE n°0 — Pirate
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Article numérique
(E)SPASMES PUBLICS
Quentin Dejonghe
«
Les dispositifs anti-sdf pullulent sur nos places, s’érigent en remparts sur nos seuils, colmatent les brèches et les moindres interstices laissés vacants, ils envahissent nos auvents, nos préaux, et champignonnent dans nos souterrains là où les transports n’ont plus grand chose de commun. Ils gangrènent l’espace public et se reproduisent à la vitesse d’un amibe. Ils sont protéiformes, omniprésent voire omnipotent et leur créateurs usent de subterfuges pour justifier leurs actes et se racheter une conscience.
»
PRÉFACE
Quentin Dejonghe dévoile dans cet ouvrage une exploration poignante de la condition des sans-abris et des tactiques urbaines pour les dissuader. À travers une analyse profonde, il révèle la dualité entre la visibilité des exclus et l'opacité des dispositifs anti-SDF. En classant méticuleusement une myriade de ces structures, il éveille les consciences sur la réalité brutale de l'espace public. En incitant à la piraterie urbaine, il pousse à réfléchir sur les mécanismes qui marginalisent. Son kit de détournement du mobilier urbain invite à l'action, défiant les conventions des magazines tout en suscitant une interrogation sur le rôle des pirates modernes. Dans cette quête, Dejonghe soulève une question cruciale : qui sont les véritables pirates de notre société ? Les exclus qui s'approprient l'espace ou les autorités qui les excluent sans ménagement ? Une réflexion profonde sur la justice sociale et l'équité urbaine.
Quentin Dejonghe dévoile dans cet ouvrage une exploration poignante de la condition des sans-abris et des tactiques urbaines pour les dissuader. À travers une analyse profonde, il révèle la dualité entre la visibilité des exclus et l'opacité des dispositifs anti-SDF. En classant méticuleusement une myriade de ces structures, il éveille les consciences sur la réalité brutale de l'espace public. En incitant à la piraterie urbaine, il pousse à réfléchir sur les mécanismes qui marginalisent. Son kit de détournement du mobilier urbain invite à l'action, défiant les conventions des magazines tout en suscitant une interrogation sur le rôle des pirates modernes. Dans cette quête, Dejonghe soulève une question cruciale : qui sont les véritables pirates de notre société ? Les exclus qui s'approprient l'espace ou les autorités qui les excluent sans ménagement ? Une réflexion profonde sur la justice sociale et l'équité urbaine.
BIOGRAPHIE
Quentin Dejonghe est architecte, coordinateur et curateur éditorial. Il cofonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Nicolas Houssais. Animé par l’écriture comme mode de représentation d’épiphénomènes sociétaux latents et dans lesquels est mise en scène une architecture infra-ordinaire, il porte un regard tendre sur le trivial, l’évident, l’habituel, le bruit de fond en mettant en tension texte et récits visuels. Au sein de ses explorations sémantiques, chaque micro-situation se mue en un prétexte pour stimuler une plus grande échelle.
Quentin Dejonghe est architecte, coordinateur et curateur éditorial. Il cofonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Nicolas Houssais. Animé par l’écriture comme mode de représentation d’épiphénomènes sociétaux latents et dans lesquels est mise en scène une architecture infra-ordinaire, il porte un regard tendre sur le trivial, l’évident, l’habituel, le bruit de fond en mettant en tension texte et récits visuels. Au sein de ses explorations sémantiques, chaque micro-situation se mue en un prétexte pour stimuler une plus grande échelle.
INFOS
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
10 pages
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Article numérique
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Article numérique
FERMENTATION DES LUTTES
Léopold Lambert
«
L’architecture est toujours violente et a tendance à incarner des systèmes politiques oppressifs. Le penchant de l’architecture à dominer est permanent, et on peut le voir notamment dans la facilité déconcertante à matérialiser une ligne coloniale tracée sur une carte géopolitique en mur. Je reste persuadé que les architectures révolutionnaires existent, et elles existent d’autant plus lorsque les architectes ne sont pas impliqués.
»
PRÉFACE
Plongez dans l'odyssée d'un architecte français, Léopold Lambert, dont les mots forgent des ponts sémantiques entre les luttes mondiales. À travers The Funambulist, il navigue entre édition, écriture, militantisme, et dénonce la violence de l'architecture contemporaine. Serviteur des causes qu'il défend, il déploie une critique engagée, portant haut les combats pour la justice, de la question palestinienne au continuum colonial français. Son travail incarne une invitation à repenser l'architecture comme un instrument de changement social et politique.
Plongez dans l'odyssée d'un architecte français, Léopold Lambert, dont les mots forgent des ponts sémantiques entre les luttes mondiales. À travers The Funambulist, il navigue entre édition, écriture, militantisme, et dénonce la violence de l'architecture contemporaine. Serviteur des causes qu'il défend, il déploie une critique engagée, portant haut les combats pour la justice, de la question palestinienne au continuum colonial français. Son travail incarne une invitation à repenser l'architecture comme un instrument de changement social et politique.
BIOGRAPHIE
Architecte de formation et rédacteur-en-chef du magazine anglophone The Funambulist, qu'il a créé en 2015, ses recherches portent sur la dimension politique de l'espace et des corps dans différents contextes géographiques, en particulier en Palestine et au sein du continuum colonial français. Il est l'auteur des livres Weaponized Architecture : The Impossibility of Innocence (2012), Topie Impitoyable : Les politiques corporelles des vêtements, du mur et de la rue (2015) et La politique du bulldozer : La ruine palestinienne comme projet israélien (2016). Son prochain livre s’appellera Etats d'urgence : Une histoire spatiale du continuum colonial français (2019).
Architecte de formation et rédacteur-en-chef du magazine anglophone The Funambulist, qu'il a créé en 2015, ses recherches portent sur la dimension politique de l'espace et des corps dans différents contextes géographiques, en particulier en Palestine et au sein du continuum colonial français. Il est l'auteur des livres Weaponized Architecture : The Impossibility of Innocence (2012), Topie Impitoyable : Les politiques corporelles des vêtements, du mur et de la rue (2015) et La politique du bulldozer : La ruine palestinienne comme projet israélien (2016). Son prochain livre s’appellera Etats d'urgence : Une histoire spatiale du continuum colonial français (2019).
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Article numérique
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Article numérique
MÉTASTABILITÉ DES CORPS POLITIQUES VIVANTS COMME POSSIBILITÉ D'ARCHITECTURE DISSIDENTE
Léa Brami
«
Nos corps, quant à eux, qui ont également retenu ces relations de pouvoir par ces processus d’affection et d’individuation, sont devenus les monuments de cette conscience historique et de ces modes d’asservissements (...) Il nous faut alors pirater ces processus, mettre le doigt dans l’engrenage, le contempler, pour que s’opère la piraterie.
»
PRÉFACE
Léa Brami présente un essai issu de ses recherches académiques, explorant la notion d'architectures dissidentes. Telle une pirate observant son ennemi pour mieux l'attaquer, elle analyse comment l'architecture peut façonner nos corps et leurs libertés. Critiquant son rôle dans les systèmes capitalistes et hétéronormatifs, elle dévoile comment l'architecture entrave nos libertés. Son texte, philosophique, relie architecture et philosophie, appelant à une conscientisation pour une résistance active et une transformation des normes architecturales vers plus de flexibilité. Consciente de la complexité du changement, Brami souligne que l'architecture, tel un pirate, doit rester adaptable pour pirater les systèmes oppressifs.
Léa Brami présente un essai issu de ses recherches académiques, explorant la notion d'architectures dissidentes. Telle une pirate observant son ennemi pour mieux l'attaquer, elle analyse comment l'architecture peut façonner nos corps et leurs libertés. Critiquant son rôle dans les systèmes capitalistes et hétéronormatifs, elle dévoile comment l'architecture entrave nos libertés. Son texte, philosophique, relie architecture et philosophie, appelant à une conscientisation pour une résistance active et une transformation des normes architecturales vers plus de flexibilité. Consciente de la complexité du changement, Brami souligne que l'architecture, tel un pirate, doit rester adaptable pour pirater les systèmes oppressifs.
BIOGRAPHIE
Tout récemment diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles, Léa est également militante et lutte contre les systèmes oppressifs.
Elle a co-fondé RadioBap et une chaîne de podcast appelée Interférences afin de donner la parole aux plus jeunes en architecture et de montrer que l’architecture est politique. Ses travaux ont été exposés au CIVA, dans la galerie Le studio et à La maréchalerie.
Tout récemment diplômée de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Versailles, Léa est également militante et lutte contre les systèmes oppressifs.
Elle a co-fondé RadioBap et une chaîne de podcast appelée Interférences afin de donner la parole aux plus jeunes en architecture et de montrer que l’architecture est politique. Ses travaux ont été exposés au CIVA, dans la galerie Le studio et à La maréchalerie.
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Article numérique
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Article numérique
THE PLASTIC PIRATE BAY
Félix Chicoteau & Thomas Giroud
«
L’homme crée son île, la ville est un archipel . Le plastique nourrit la grue d’une plateforme pétrolière transformée en imprimante 3D. Certains construisent un bateau pour partir vers de nouvelles aventures, d’autres y développent des centres de recherches. Il y en a qui vivent en ascètes loin des tumultes, d’autres s’agglutinent dans les quartiers les plus denses.
»
PRÉFACE
Félix Chicoteau et Thomas Giroud nous dévoilent leur projet de fin d'études, lauréat du prix focus 'Constructions flottantes avec plastique recyclé en mer' de la Fondation Jacques Rougerie en 2018. Cette vision d'une ville-archipel évolutive transcende la piraterie des temps modernes. En détournant les navires pirates immobiles en d'immenses imprimantes 3D recyclant le plastique marin, ce projet transforme la pollution océanique en matériau précieux pour les futures cités flottantes. Illustré de manière saisissante, il nous plonge dans une proposition à la fois plausible et improbable, offrant une lueur d'espoir face à l'état critique de notre planète. Une œuvre qui, bien que ne prétendant pas tout résoudre, symbolise un appel à l'action contre la pollution mondiale.
Félix Chicoteau et Thomas Giroud nous dévoilent leur projet de fin d'études, lauréat du prix focus 'Constructions flottantes avec plastique recyclé en mer' de la Fondation Jacques Rougerie en 2018. Cette vision d'une ville-archipel évolutive transcende la piraterie des temps modernes. En détournant les navires pirates immobiles en d'immenses imprimantes 3D recyclant le plastique marin, ce projet transforme la pollution océanique en matériau précieux pour les futures cités flottantes. Illustré de manière saisissante, il nous plonge dans une proposition à la fois plausible et improbable, offrant une lueur d'espoir face à l'état critique de notre planète. Une œuvre qui, bien que ne prétendant pas tout résoudre, symbolise un appel à l'action contre la pollution mondiale.
BIOGRAPHIE
Félix Chicoteau est architecte HMONP diplômé de l’École Spéciale d’Architecture (ESA), il a développé un goût prononcé pour la recherche et l’expérimentation durant ses études. Il collabore depuis 2017 avec le studio Freaks Architectes à Paris pour lequel il suit notamment le projet des Réserves du FRAC Île-de-France à Romainville qui sera livré en décembre 2020. Il conçoit la pratique architecturale comme des interventions d’acuponcture pour la ville où les espaces informels et l’à-côté deviennent de véritables catalyseurs de scénarios dans lesquels interventions artistiques, graphisme et espaces s’entremêlent.
Thomas Giroud est architecte HMONP, diplômé de l’ESA Paris, il a collaboré avec des agences Aedificare, Philipe Rizzotti architecture, Brunet Saunier et travaille actuellement avec inSpace Architecture. Passionné d’édition et d’illustration, il a toujours développé des projets connexes dont la revue Polygone est un aboutissement.
Félix Chicoteau est architecte HMONP diplômé de l’École Spéciale d’Architecture (ESA), il a développé un goût prononcé pour la recherche et l’expérimentation durant ses études. Il collabore depuis 2017 avec le studio Freaks Architectes à Paris pour lequel il suit notamment le projet des Réserves du FRAC Île-de-France à Romainville qui sera livré en décembre 2020. Il conçoit la pratique architecturale comme des interventions d’acuponcture pour la ville où les espaces informels et l’à-côté deviennent de véritables catalyseurs de scénarios dans lesquels interventions artistiques, graphisme et espaces s’entremêlent.
Thomas Giroud est architecte HMONP, diplômé de l’ESA Paris, il a collaboré avec des agences Aedificare, Philipe Rizzotti architecture, Brunet Saunier et travaille actuellement avec inSpace Architecture. Passionné d’édition et d’illustration, il a toujours développé des projets connexes dont la revue Polygone est un aboutissement.
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LE « VERT » :
ENTRE GREENWASHING ET BONNES INTENTIONS
Cyprès du Cœur
«
Ramener la nature en ville » est devenu le credo de nombreux aménageurs. La crise de la Covid 19 ayant enfermé dans leurs logements trop petits beaucoup de citadins, ce motto ne va pas cesser de se renforcer dans les années à venir. La vague verte des élections municipales appelle elle aussi à une certaine vigilance : il est certes agréable de savoir les grandes villes « vertes », l’écueil du greenswashing et de la gentrification guette : qu’en sera-t-il réellement ?
»
PRÉFACE
Cyprès du Cœur dévoile avec engagement la tension entre les discours verts et la réalité des projets urbains. À travers une analyse ironique, elles exposent les contradictions des acteur·rice·s de la construction, dénonçant le greenwashing. Critiquant l'écart entre les idéaux et la pratique, elles explorent la disparition du « vert » dans les édifices internationaux. Identifiant deux formes de biopiraterie conceptuelle, les autrices appellent à une réappropriation de l'espace urbain par la nature. Ce manifeste sonne comme un appel à l'action, soulignant l'urgence de repenser nos villes. Cyprès du cœur lance un podcast éponyme pour susciter les débats et les solutions.
Cyprès du Cœur dévoile avec engagement la tension entre les discours verts et la réalité des projets urbains. À travers une analyse ironique, elles exposent les contradictions des acteur·rice·s de la construction, dénonçant le greenwashing. Critiquant l'écart entre les idéaux et la pratique, elles explorent la disparition du « vert » dans les édifices internationaux. Identifiant deux formes de biopiraterie conceptuelle, les autrices appellent à une réappropriation de l'espace urbain par la nature. Ce manifeste sonne comme un appel à l'action, soulignant l'urgence de repenser nos villes. Cyprès du cœur lance un podcast éponyme pour susciter les débats et les solutions.
BIOGRAPHIE
Association de deux architectes, CDC a fait une rencontre, non pas celle du troisième type, mais celle du « vert » lors de leurs expériences professionnelles respectives, l’exposition Nous les arbres présentée à la Fondation Cartier à Paris en 2019 comme point d’orgue dans leur démarche. Perplexes face aux nombreuses initiatives de revégétalisation et soucieuses de retrouver des manières qui leur semblent plus « justes » de fabriquer la ville, elles créent un podcast éponyme pour parler des arbres et plus généralement de place de la Nature dans nos viles vi(ll)es.
Association de deux architectes, CDC a fait une rencontre, non pas celle du troisième type, mais celle du « vert » lors de leurs expériences professionnelles respectives, l’exposition Nous les arbres présentée à la Fondation Cartier à Paris en 2019 comme point d’orgue dans leur démarche. Perplexes face aux nombreuses initiatives de revégétalisation et soucieuses de retrouver des manières qui leur semblent plus « justes » de fabriquer la ville, elles créent un podcast éponyme pour parler des arbres et plus généralement de place de la Nature dans nos viles vi(ll)es.
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Article numérique
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COMMENT LA SOCIOLOGIE A PIRATÉ L'ARCHITECTURE
Christophe Camus
«
(...) le petit habitat individuel, privé, urbain et populaire est condamné par les anathèmes de Le Corbusier et de ses disciples. S’intéressant ainsi à une forme d’habitat – produit sans architectes et sans formes architecturales modernistes –, les sociologues y décèlent beaucoup plus qu’une forme de résistance au changement ou l’aspiration à un mode de vie bourgeois : une « appropriation » active et créative qui donne forme et sens aux espaces ainsi reconfigurés.
»
PRÉFACE
Dans cet ouvrage, Christophe Camus expose avec passion son parcours et sa vision de l'intégration de la sociologie dans la formation des architectes. Entre réquisitoire et plaidoyer, il explore les racines, les défis et les bénéfices de cette démarche, s'appuyant sur ses influences telles que Henri Raymond, Martin Heidegger et Le Corbusier. Il dévoile les vertus thérapeutiques de cette entreprise, comparant son action à un « piratage » salutaire pour l'architecture contemporaine. Camus confronte les doutes de la nouvelle génération d'architectes et propose des voies pour une réconciliation entre architecture et sociologie, offrant ainsi une réflexion stimulante sur l'avenir de la discipline.
Dans cet ouvrage, Christophe Camus expose avec passion son parcours et sa vision de l'intégration de la sociologie dans la formation des architectes. Entre réquisitoire et plaidoyer, il explore les racines, les défis et les bénéfices de cette démarche, s'appuyant sur ses influences telles que Henri Raymond, Martin Heidegger et Le Corbusier. Il dévoile les vertus thérapeutiques de cette entreprise, comparant son action à un « piratage » salutaire pour l'architecture contemporaine. Camus confronte les doutes de la nouvelle génération d'architectes et propose des voies pour une réconciliation entre architecture et sociologie, offrant ainsi une réflexion stimulante sur l'avenir de la discipline.
BIOGRAPHIE
Sociologue, enseignant à l’ENSAB à Rennes et chercheur au GRIEF. Ses principales recherches portent sur les pratiques et productions architecturales pensées à travers leurs médiations, communications ou médias. Problématique qui a donné lieu à de nombreux articles et à deux ouvrages : Lecture sociologique de l’architecture décrite (1996) et Mais que fait vraiment l’architecte ? (2016). Plus récemment, j’ai orienté mes recherches sur les visions et conceptions des futurs de l’architecture et, tout particulièrement, sur les projets d’habitats sous-marins développés à partir des années 1960.
Sociologue, enseignant à l’ENSAB à Rennes et chercheur au GRIEF. Ses principales recherches portent sur les pratiques et productions architecturales pensées à travers leurs médiations, communications ou médias. Problématique qui a donné lieu à de nombreux articles et à deux ouvrages : Lecture sociologique de l’architecture décrite (1996) et Mais que fait vraiment l’architecte ? (2016). Plus récemment, j’ai orienté mes recherches sur les visions et conceptions des futurs de l’architecture et, tout particulièrement, sur les projets d’habitats sous-marins développés à partir des années 1960.
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8 pages
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Article numérique
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LES AUTRES ARCHITECTES
Nicolas Houssais
«
L'Architecture et l'architecte sont régulièrement les cibles de nombreuses et véhémentes doléances. Tandis que la première nommée est considérée comme « trop chère », « spectaculaire » et « inconfortable », le second cité est stigmatisé pour le « mystère » qu'il cultive, sa volonté de « tout contrôler » et son « égoïsme ». Alors que le tableau dépeint semble peu reluisant, certaines icônes de la discipline justifient ces deux dernières allégations. Citons par exemple, Peter Zumthor, dont la manière de pratiquer « l'Architecture est rare ; (car) les clients ne sont pas des patrons, ni même des partenaires, mais des facilitateurs pour réaliser ses idées.»
»
PRÉFACE
Nicolas Houssais dévoile une saga architecturale captivante où « d’autres » acteur·rice·s émergent·e·s, défiant les conventions établies. À travers une comédie dramatique en trois actes, il explore la perte de pouvoir, mettant en scène des architectes pirates et des usurpateur·rice·s de projet. Cependant, loin de condamner, il exhorte à une réévaluation, invitant les architectes à devenir les metteur·euse·s en scène d'une architecture inclusive, façonnée par les usager·ère·s, le temps et la société. Dans cet essai, il oppose habilement les motivations des architectes et des utilisateur·rice·s, révélant les multiples facettes de la création architecturale et les enjeux de sa réception.
Nicolas Houssais dévoile une saga architecturale captivante où « d’autres » acteur·rice·s émergent·e·s, défiant les conventions établies. À travers une comédie dramatique en trois actes, il explore la perte de pouvoir, mettant en scène des architectes pirates et des usurpateur·rice·s de projet. Cependant, loin de condamner, il exhorte à une réévaluation, invitant les architectes à devenir les metteur·euse·s en scène d'une architecture inclusive, façonnée par les usager·ère·s, le temps et la société. Dans cet essai, il oppose habilement les motivations des architectes et des utilisateur·rice·s, révélant les multiples facettes de la création architecturale et les enjeux de sa réception.
BIOGRAPHIE
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
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LE PIRATE À L’OUVRAGE:
ARCHITECTURE FANTASTIQUE
ET ESPACE LISSE
Grégory Azar
«
Il est tentant de considérer le Palais idéal comme un acte de piraterie, acte que nous qualifierions de torpillage de l’architecture. Il n’est pas marginal mais hostile. Il envoie par le fond tout à la fois l’économie de l’acte de bâtir, la projectualité, l’espace et le temps. Seul à l’ouvrage, (...) et en complète autarcie, il coule la commande, le programme, la qualification, la division du travail, avec comme signature de son acte l’affront de se revendiquer simple facteur ou paysan inculte.
»
PRÉFACE
Découvrez l'œuvre fascinante de Ferdinand Cheval à travers la recherche de Grégory Azar, architecte, qui propose une lecture novatrice du Palais idéal. Achevé en 1912 à Hauterives, ce palais, fruit de l'imagination et des efforts solitaires de Cheval, est perçu comme un acte de piraterie architecturale. Azar explore cette construction fantastique, s'appuyant sur les pensées de Schmitt, Breton, Deleuze et Guattari, tout en questionnant le statut du pirate et du bâtisseur non-architecte. Ce travail dense, enrichi d'une iconographie étrange et de notes de bas de page labyrinthiques, redéfinit les codes éditoriaux et offre une lecture multiple et approfondie.
Découvrez l'œuvre fascinante de Ferdinand Cheval à travers la recherche de Grégory Azar, architecte, qui propose une lecture novatrice du Palais idéal. Achevé en 1912 à Hauterives, ce palais, fruit de l'imagination et des efforts solitaires de Cheval, est perçu comme un acte de piraterie architecturale. Azar explore cette construction fantastique, s'appuyant sur les pensées de Schmitt, Breton, Deleuze et Guattari, tout en questionnant le statut du pirate et du bâtisseur non-architecte. Ce travail dense, enrichi d'une iconographie étrange et de notes de bas de page labyrinthiques, redéfinit les codes éditoriaux et offre une lecture multiple et approfondie.
BIOGRAPHIE
Architecte partenaire au sein d'Architecture Studio, docteur ès sciences en histoire et théorie de l'architecture (EPFL), Grégory Azar est aussi maître de conférence à l'ENSA Paris-Est. Ses recherches portent sur l'espace comme fabrication d'univers projectuels ainsi que sur les limites disciplinaires de l'architecture.
Architecte partenaire au sein d'Architecture Studio, docteur ès sciences en histoire et théorie de l'architecture (EPFL), Grégory Azar est aussi maître de conférence à l'ENSA Paris-Est. Ses recherches portent sur l'espace comme fabrication d'univers projectuels ainsi que sur les limites disciplinaires de l'architecture.
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L'ANGLE MORT
Julien Berthier
«
Je ne menace pas le système. Une partie importante de mon travail se place dans un angle mort, là où personne ne regarde vraiment. Il est suffisamment discret et d’une certaine façon bienveillant pour rester une fois qu’il existe(...)Je ne dis pas ce qui doit être fait ou comment doit être construit le monde, je fabrique le moyen de le faire.
»
PRÉFACE
Julien Berthier nous embarque dans un voyage artistique unique, explorant les méandres de l'Art conceptuel à travers huit de ses œuvres emblématiques. À travers une prose chronologique et richement illustrée, il dévoile les coulisses de sa création, de la conception à l'intégration dans l'Histoire de l'Art. Berthier, provocateur bienveillant, se révèle en pirate des espaces urbains, où il transforme l'ordinaire en extraordinaire, jonglant entre légalité et subversion. Sa démarche, ancrée dans le paysage urbain, transcende les conventions artistiques pour interroger notre rapport à l'environnement et aux règles qui le gouvernent. Une lecture captivante offrant un regard renouvelé sur le rôle de l'artiste dans la cité.
Julien Berthier nous embarque dans un voyage artistique unique, explorant les méandres de l'Art conceptuel à travers huit de ses œuvres emblématiques. À travers une prose chronologique et richement illustrée, il dévoile les coulisses de sa création, de la conception à l'intégration dans l'Histoire de l'Art. Berthier, provocateur bienveillant, se révèle en pirate des espaces urbains, où il transforme l'ordinaire en extraordinaire, jonglant entre légalité et subversion. Sa démarche, ancrée dans le paysage urbain, transcende les conventions artistiques pour interroger notre rapport à l'environnement et aux règles qui le gouvernent. Une lecture captivante offrant un regard renouvelé sur le rôle de l'artiste dans la cité.
BIOGRAPHIE
Artiste français né en 1975, il produit des objets hyperréalistes et plausibles en même temps que leur critique. Poursuivant une ambiguïté permanente dans ses œuvres qu’il confronte souvent à l’espace public ; son terrain de jeu favori ; l’artiste reste fidèle à cette affirmation programmatique: « Ne pas laisser le monde aux mains des spécialistes ». Julien Berthier est représenté par la galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois à Paris.
Artiste français né en 1975, il produit des objets hyperréalistes et plausibles en même temps que leur critique. Poursuivant une ambiguïté permanente dans ses œuvres qu’il confronte souvent à l’espace public ; son terrain de jeu favori ; l’artiste reste fidèle à cette affirmation programmatique: « Ne pas laisser le monde aux mains des spécialistes ». Julien Berthier est représenté par la galerie Georges-Philippe et Nathalie Vallois à Paris.
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CITÉVILLE / CITÉRUINE
Jérôme Dubois
«
Les deux villes communiquent et se hantent dans deux ouvrages distincts dont les lectures simultanées ou différées sont autant de perturbations d’un même espace par le temps et ses affres. J’ai réalisé que tous les lieux que nous habitons passent par cet état d’abandon : destin de tout bâtiment construit. En filigrane, c’est un projet de détournement, celui d’une ville habitée, transformée en une cité en ruine, et celui d’une transposition d’images de lieux existants en dessins, ayant marqués mon quotidien, tout comme mes pérégrinations.
»
PRÉFACE
Jérôme Dubois dévoile deux villes fictives à travers des illustrations saisissantes. Dans deux bandes dessinées distinctes, ces cités jumelles se révèlent dans des espaces-temps différents mais partagent le même format et découpage. Chaque case d'une ville est réinterprétée dans l'autre, offrant une métaphore captivante de la vie urbaine. Jérôme Dubois explore les destins des bâtiments, entre occupation et abandon, tout en détournant habilement des images réelles pour créer des villes à la fois familières et étranges. À travers Citéville, il brocarde avec humour et désespoir les travers de notre société, colorant les lieux communs des maux modernes. Dans Citéruine, désertée et muette, il évoque le vide comme réponse à la voracité de notre monde contemporain, une vision poignante exacerbée par la crise sanitaire.
Jérôme Dubois dévoile deux villes fictives à travers des illustrations saisissantes. Dans deux bandes dessinées distinctes, ces cités jumelles se révèlent dans des espaces-temps différents mais partagent le même format et découpage. Chaque case d'une ville est réinterprétée dans l'autre, offrant une métaphore captivante de la vie urbaine. Jérôme Dubois explore les destins des bâtiments, entre occupation et abandon, tout en détournant habilement des images réelles pour créer des villes à la fois familières et étranges. À travers Citéville, il brocarde avec humour et désespoir les travers de notre société, colorant les lieux communs des maux modernes. Dans Citéruine, désertée et muette, il évoque le vide comme réponse à la voracité de notre monde contemporain, une vision poignante exacerbée par la crise sanitaire.
BIOGRAPHIE
Après un passage au « Arts déco de Strasbourg » (HEAR, Haute École des arts du Rhin) suivi de quelques voyages, Jérôme Dubois affirme son style, ancré dans l’imaginaire, la fiction et le fantasme. Son œuvre repose sur un sens aigu de l’observation des situations, du langage et des rapports humains. À mi-chemin entre fantastique et critique sociale, il ne s’exprime jamais par la caricature et met en place des situations précisément réglées qui touchent par la rigueur de leur mise en scène. Auteur du récit périple désenchanté en Corée Jimjiibang en 2014, il produira 3 ans après Tes yeux ont vu (2017) et Bien Normal en 2018.
Après un passage au « Arts déco de Strasbourg » (HEAR, Haute École des arts du Rhin) suivi de quelques voyages, Jérôme Dubois affirme son style, ancré dans l’imaginaire, la fiction et le fantasme. Son œuvre repose sur un sens aigu de l’observation des situations, du langage et des rapports humains. À mi-chemin entre fantastique et critique sociale, il ne s’exprime jamais par la caricature et met en place des situations précisément réglées qui touchent par la rigueur de leur mise en scène. Auteur du récit périple désenchanté en Corée Jimjiibang en 2014, il produira 3 ans après Tes yeux ont vu (2017) et Bien Normal en 2018.
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PROGRAMMER LES INCONNUES PERPÉTUELLES
Édouard Cabay
«
Le monde a changé et la manière dont nous le vivons s’en voit modifiée. L’apparition d’un monde digital s’élevant comme une nouvelle réalité parallèle et complémentaire au monde physique, soulève des questions quant à son fonctionnement. Une nouvelle forme d’autorité s’invente, plus horizontale, complexe et collaborative que celle que nous connaissions.
»
PRÉFACE
Édouard Cabay présente une performance artistique développée en 2018 avec un groupe d’étudiant·e·s de l’Institute for Advanced Architecture of Catalonia à Barcelone, au sein du Master en « architecture avancée » qu’il dirige depuis 2016. Cette installation, évoquant l’univers du pirate historique tout en nous plongeant dans celui du pirate virtuel contemporain, explore les méandres de notre monde. Elle critique nos cités, incapables d'anticiper les mutations et les catastrophes. Cette mise en scène propose une autogestion urbaine et une collaboration entre le bâti et le contexte, ouvrant ainsi la voie à des villes capables de prédire l'imprévisible. Ce projet interroge également la paternité de l’œuvre dans un monde où la machine peut-elle dépasser la reproduction pour créer ?
Édouard Cabay présente une performance artistique développée en 2018 avec un groupe d’étudiant·e·s de l’Institute for Advanced Architecture of Catalonia à Barcelone, au sein du Master en « architecture avancée » qu’il dirige depuis 2016. Cette installation, évoquant l’univers du pirate historique tout en nous plongeant dans celui du pirate virtuel contemporain, explore les méandres de notre monde. Elle critique nos cités, incapables d'anticiper les mutations et les catastrophes. Cette mise en scène propose une autogestion urbaine et une collaboration entre le bâti et le contexte, ouvrant ainsi la voie à des villes capables de prédire l'imprévisible. Ce projet interroge également la paternité de l’œuvre dans un monde où la machine peut-elle dépasser la reproduction pour créer ?
BIOGRAPHIE
Architecte et enseignant, son travail vise à explorer le potentiel du progrès technologique tant digital que physique dans des nouvelles formes de penser l’architecture, l’urbanisme et l’art. Depuis 2016, il mène la recherche Machinic Protocols mettant en scène des processus mécaniques autonomes qui produisent des dessins, des structures et des paysages imprévisibles. Ses installations de micro géographies automatiques ont été exposées en France, en Espagne, en Belgique, en Estonie et en Arabie Saoudite.
Il est également directeur de recherche et enseignant à l’Institut d’Architecture Avancée (IAAC) à Barcelone, où il dirige des ateliers d’architecture et d’urbanisme ainsi que des programmes de recherche tel que l’OTF qui a comme objectif l’impression de maisons en terre crue. Il est à la tête du studio barcelonais Appareil qu’il a fondé en 2006.
Architecte et enseignant, son travail vise à explorer le potentiel du progrès technologique tant digital que physique dans des nouvelles formes de penser l’architecture, l’urbanisme et l’art. Depuis 2016, il mène la recherche Machinic Protocols mettant en scène des processus mécaniques autonomes qui produisent des dessins, des structures et des paysages imprévisibles. Ses installations de micro géographies automatiques ont été exposées en France, en Espagne, en Belgique, en Estonie et en Arabie Saoudite.
Il est également directeur de recherche et enseignant à l’Institut d’Architecture Avancée (IAAC) à Barcelone, où il dirige des ateliers d’architecture et d’urbanisme ainsi que des programmes de recherche tel que l’OTF qui a comme objectif l’impression de maisons en terre crue. Il est à la tête du studio barcelonais Appareil qu’il a fondé en 2006.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
6 pages
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Article numérique
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PAYSAGES ANIMÉS
Clémence Mathieu
«
Dans les fictions spéculatives, les personnages, ce sont les multiples animés. Ils existent déjà dans le paysage présent et ils prennent une nouvelle dimension, plus grande et plus forte, avec la fiction. Le langage fictionnel permet alors un nouvel outil d’appropriation de la lecture des paysages, les personnages étant autres, l’envie d’une lecture en marge des dominations représentationnelles et idéologiques se réalise.
»
PRÉFACE
Dans son essai percutant, Clémence Mathieu défie l'anthropocentrisme en proposant une fusion inédite entre architecture et fiction littéraire. Son texte bicéphale explore la notion de narration spéculative à travers les travaux de Donna Haraway et sa propre fiction, envisageant un piratage du processus de conception urbaine. En créant un récit alternatif, elle invite à repenser notre rapport à la nature et à imaginer de nouveaux horizons, tout en soulignant le pouvoir politique des récits et leur influence sur la construction architecturale. À travers le personnage du « trans-pirate », l’autrice révèle une perspective transgressive et fertile, promouvant ainsi une réflexion novatrice sur notre société et ses frontières.
Dans son essai percutant, Clémence Mathieu défie l'anthropocentrisme en proposant une fusion inédite entre architecture et fiction littéraire. Son texte bicéphale explore la notion de narration spéculative à travers les travaux de Donna Haraway et sa propre fiction, envisageant un piratage du processus de conception urbaine. En créant un récit alternatif, elle invite à repenser notre rapport à la nature et à imaginer de nouveaux horizons, tout en soulignant le pouvoir politique des récits et leur influence sur la construction architecturale. À travers le personnage du « trans-pirate », l’autrice révèle une perspective transgressive et fertile, promouvant ainsi une réflexion novatrice sur notre société et ses frontières.
BIOGRAPHIE
Paysagiste conceptrice diplômée d'État depuis 2018, elle exerce actuellement son métier dans une agence d'espace public et d'urbanisme. Sa réflexion sur les paysages porte sur l'implication des processus fictionnels à l’œuvre dans l'élaboration des projets d'aménagements. A notre époque de l'Anthropocène, où des processus actifs de destructions sont en cours, elle mène des projets qui proposent de nouveaux récits pour la lecture et la réalisation des paysages. Actuellement, elle travaille sur des « fictions paysagistes » : des récits qui aident à repenser le rapport à ce qui est « autre », à la lisière des paysages, entre la forêt et le quartier pavillonnaire, etc.
Paysagiste conceptrice diplômée d'État depuis 2018, elle exerce actuellement son métier dans une agence d'espace public et d'urbanisme. Sa réflexion sur les paysages porte sur l'implication des processus fictionnels à l’œuvre dans l'élaboration des projets d'aménagements. A notre époque de l'Anthropocène, où des processus actifs de destructions sont en cours, elle mène des projets qui proposent de nouveaux récits pour la lecture et la réalisation des paysages. Actuellement, elle travaille sur des « fictions paysagistes » : des récits qui aident à repenser le rapport à ce qui est « autre », à la lisière des paysages, entre la forêt et le quartier pavillonnaire, etc.
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POLYGONE n°0 — Pirate
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Article numérique
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HOST TO HOST
MLAV.LAND
«
Il en est de même pour tout un pan de la société, qui tend à consommer sans connaître, à trouver sans chercher. Comprendre c’est s’approprier l’objet de connaissance par le savoir. Dans ce contexte, le hacking n’est pas fondamentalement une rupture du cadre légal, mais une appropriation par la connaissance. C’est la possibilité d’un détournement, une potentielle émancipation. (...) Tendre vers la maîtrise de nos outils,(...) c’est construire notre indépendance et permettre de faire entendre notre voix.
»
PRÉFACE
Dans cet ouvrage, les auteur·rice·s, architectes engagé·e·s, dressent un portrait critique des révolutions provoquées par l'ordinateur et Internet. Ils dénoncent la dérive consumériste de la « toile » et l'assujettissement des architectes à la technologie, tout en appelant à reprendre le contrôle. Leur proposition d'un programme d'abordage informatique, démocratique et partagé, résonne comme un hymne à la liberté et à la connaissance. Une réflexion stimulante sur le pouvoir transformateur de la technologie et son impact sur la société contemporaine.
Dans cet ouvrage, les auteur·rice·s, architectes engagé·e·s, dressent un portrait critique des révolutions provoquées par l'ordinateur et Internet. Ils dénoncent la dérive consumériste de la « toile » et l'assujettissement des architectes à la technologie, tout en appelant à reprendre le contrôle. Leur proposition d'un programme d'abordage informatique, démocratique et partagé, résonne comme un hymne à la liberté et à la connaissance. Une réflexion stimulante sur le pouvoir transformateur de la technologie et son impact sur la société contemporaine.
BIOGRAPHIE
Collectif d’architectes fondé en 2017 par Maud Lévy et Antoine Vercoutère, diplômé·e·s de l’ENSA Paris Malaquais en 2018, MLAV.LAND — Micro-Laboratoire pour l’Architecture et la Ville — est un territoire de recherches, d’explorations, d’investigations et de productions sur l’architecture et ce qu’iels considèrent comme ses pratiques voisines. Iels ont notamment exposé leurs travaux au Pavillon de l’Arsenal et à la Cité de l’Architecture.
Collectif d’architectes fondé en 2017 par Maud Lévy et Antoine Vercoutère, diplômé·e·s de l’ENSA Paris Malaquais en 2018, MLAV.LAND — Micro-Laboratoire pour l’Architecture et la Ville — est un territoire de recherches, d’explorations, d’investigations et de productions sur l’architecture et ce qu’iels considèrent comme ses pratiques voisines. Iels ont notamment exposé leurs travaux au Pavillon de l’Arsenal et à la Cité de l’Architecture.
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POLYGONE n°0 — Pirate
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Article numérique
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(R)EGARD HAGARD
Quentin Dejonghe
«
De ces revendications crépitantes, de ces colères incandescentes, de ces ardents désirs de vivre sans entrave, nous retiendrons ces lueurs flamboyantes d’esprits subversifs, érigeant aux rangs de figures des objets du quotidien, parfois triviaux, à la symbolique éminemment puissante. L’apparition de ces objets-symboles a permis une meilleure assimilation des luttes, légitimant ces dernières en les uniformisant. De plus, ils amplifient un sentiment d’appartenance (...), tous réunis sous la même bannière : l’objet détourné.
»
PRÉFACE
Quentin Dejonghe explore le pouvoir évocateur des totems comme symboles de révolte sociale et architecturale en France. À travers une approche multifacette, il mêle recherches, projets et critiques pour inciter ses pair·e·s à s'engager. Face à l'apathie observée dans la société française, Quentin Dejonghe lance un appel à l'action, invitant les architectes à défendre leurs droits et à utiliser leur art comme levier de mobilisation. Alors que la profession lutte pour sa reconnaissance et ses ressources, il propose une intervention architecturale audacieuse pour unir les architectes et amplifier leur voix. Par ses sculptures, il réinvente les symboles de contestation, célébrant les luttes pour le climat et contre le racisme. À travers ces pages, c'est un cri d'alarme contre l'indifférence qui se fait entendre, rappelant que notre monde brûle, tant physiquement que dans ses symboles, exigeant que nous regardions enfin en face les défis qui nous entourent.
Quentin Dejonghe explore le pouvoir évocateur des totems comme symboles de révolte sociale et architecturale en France. À travers une approche multifacette, il mêle recherches, projets et critiques pour inciter ses pair·e·s à s'engager. Face à l'apathie observée dans la société française, Quentin Dejonghe lance un appel à l'action, invitant les architectes à défendre leurs droits et à utiliser leur art comme levier de mobilisation. Alors que la profession lutte pour sa reconnaissance et ses ressources, il propose une intervention architecturale audacieuse pour unir les architectes et amplifier leur voix. Par ses sculptures, il réinvente les symboles de contestation, célébrant les luttes pour le climat et contre le racisme. À travers ces pages, c'est un cri d'alarme contre l'indifférence qui se fait entendre, rappelant que notre monde brûle, tant physiquement que dans ses symboles, exigeant que nous regardions enfin en face les défis qui nous entourent.
BIOGRAPHIE
Quentin Dejonghe est architecte, coordinateur et curateur éditorial. Il cofonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Nicolas Houssais. Animé par l’écriture comme mode de représentation d’épiphénomènes sociétaux latents et dans lesquels est mise en scène une architecture infra-ordinaire, il porte un regard tendre sur le trivial, l’évident, l’habituel, le bruit de fond en mettant en tension texte et récits visuels. Au sein de ses explorations sémantiques, chaque micro-situation se mue en un prétexte pour stimuler une plus grande échelle.
Quentin Dejonghe est architecte, coordinateur et curateur éditorial. Il cofonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Nicolas Houssais. Animé par l’écriture comme mode de représentation d’épiphénomènes sociétaux latents et dans lesquels est mise en scène une architecture infra-ordinaire, il porte un regard tendre sur le trivial, l’évident, l’habituel, le bruit de fond en mettant en tension texte et récits visuels. Au sein de ses explorations sémantiques, chaque micro-situation se mue en un prétexte pour stimuler une plus grande échelle.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
11 pages
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Article numérique
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BULK VS. À SAISIR
Nicolas Nadé vs. Wenc
«
Le pirate contourne le langage graphique. Celui-ci se transforme et s’affranchit des frontières pourtant bien établies : les lignes, les formes et les surfaces. La ligne claire ; un langage classique ; offre à voir au-delà des choses montrées. L’espace non représenté est capital, un futur butin vers lequel se tourner lorsque l’image sera traversée. La BD donne des formes à habiter, mieux, elle donne le désir d’habiter ces formes. Et plus intimement peut-être, le désir de devenir l’une d’entre elles.
»
PRÉFACE
Dans ce diptyque, les univers artistiques de Wenc et Nicolas Nadé se rencontrent autour du thème de la piraterie. Dans un jeu de réponses visuelles, ils explorent les possibilités offertes par une même règle du jeu : une page, une thématique. Tandis que Wenc se fait le dénonciateur avec un réalisme figuratif, Nicolas Nadé nous plonge dans un monde abstrait et formaliste, mêlant dessin manuel et numérique. Leurs œuvres offrent ainsi deux visions distinctes de la piraterie, l'une naviguant entre logements vacants et critique sociale, l'autre évoquant des paysages artificiels et une invitation à l'évasion. Dans cette confrontation, la bande dessinée devient le langage où s'expriment deux voix : l'une verbale, l'autre silencieuse mais expressive à travers le langage des formes.
Dans ce diptyque, les univers artistiques de Wenc et Nicolas Nadé se rencontrent autour du thème de la piraterie. Dans un jeu de réponses visuelles, ils explorent les possibilités offertes par une même règle du jeu : une page, une thématique. Tandis que Wenc se fait le dénonciateur avec un réalisme figuratif, Nicolas Nadé nous plonge dans un monde abstrait et formaliste, mêlant dessin manuel et numérique. Leurs œuvres offrent ainsi deux visions distinctes de la piraterie, l'une naviguant entre logements vacants et critique sociale, l'autre évoquant des paysages artificiels et une invitation à l'évasion. Dans cette confrontation, la bande dessinée devient le langage où s'expriment deux voix : l'une verbale, l'autre silencieuse mais expressive à travers le langage des formes.
BIOGRAPHIE
Nicolas Nadé est illustrateur, passionné par les plantes à caudex, il collecte également les modes d’emploi et les notices techniques. Son travail se nourrit d’architecture et de matières organiques lui permettant ainsi de parasiter la perception de l’espace. On le voit, la bande dessinée de Nicolas Nadé est résolument formaliste. En 2009, il co-fonde la plateforme éditoriale Modèle Puissance, avec laquelle il participe à plusieurs expositions et publications ainsi qu’à la création de motifs textiles pour l’atelier Andrea Crews. En 2014, il autoédite quatre volumes intitulés Quadrilogie bitmap. Il est publié aux Éditions Matières et aux Éditions FP&CF.
Wenc est peintre et architecte, vit et travaille à Bruxelles. Ses aspirations graphiques émergent des interactions qui existent entre la ville et les corps de ses habitants. Ses inspirations viennent des murs, des situations et des individus peuplant ces villes qu’ils observent. Il tente constamment de brouiller les pistes entre une représentation figurative des rues qu’il arpente – faisant la part belle à la bande dessinée – et une production de motifs végétaux plus libre et décomplexée. Ces motifs sont une transcription du mouvement et des flux caractéristiques des grandes villes dans lesquelles nous vivons.
Nicolas Nadé est illustrateur, passionné par les plantes à caudex, il collecte également les modes d’emploi et les notices techniques. Son travail se nourrit d’architecture et de matières organiques lui permettant ainsi de parasiter la perception de l’espace. On le voit, la bande dessinée de Nicolas Nadé est résolument formaliste. En 2009, il co-fonde la plateforme éditoriale Modèle Puissance, avec laquelle il participe à plusieurs expositions et publications ainsi qu’à la création de motifs textiles pour l’atelier Andrea Crews. En 2014, il autoédite quatre volumes intitulés Quadrilogie bitmap. Il est publié aux Éditions Matières et aux Éditions FP&CF.
Wenc est peintre et architecte, vit et travaille à Bruxelles. Ses aspirations graphiques émergent des interactions qui existent entre la ville et les corps de ses habitants. Ses inspirations viennent des murs, des situations et des individus peuplant ces villes qu’ils observent. Il tente constamment de brouiller les pistes entre une représentation figurative des rues qu’il arpente – faisant la part belle à la bande dessinée – et une production de motifs végétaux plus libre et décomplexée. Ces motifs sont une transcription du mouvement et des flux caractéristiques des grandes villes dans lesquelles nous vivons.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
4 pages
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Article numérique
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ITINÉRAIRE D'UN CITOYEN :
À L'ABORDAGE DE LA VIE,
CE LONG FLEUVE TRANQUILLE
Louis-Philippe Caimoy
«
Tu crées le mouvement auquel tu participes. Tu n’es pas à l’écoute d’un gourou, qui va te dire ce qu’il faut que tu penses, que tu fasses, et où il faut que tu ailles. On y observe la création d’une intelligence collective. On décide quelle action mener et comment… S’il y avait trop d’adhérents, cela serait plus un poids lourd politique qu’un mouvement pirate, qui essaie d’inspirer les gens, de les sensibiliser et de les ramener dans une réalité qu’ils cherchent à fuir.
»
PRÉFACE
Entre doutes et convictions, Louis-Philippe Caimoy et Thomas Giroud entament un dialogue profond, balayant l'engagement politique et la quête de sens des nouvelles générations. Au cœur de leurs échanges, les paroles brutes d'un ami commun, recueillies lors d'une rencontre récente, contrastent avec la vie tourmentée de Guillaume, infirmier parisien en quête de simplicité et de rébellion. Engagé dans un groupe d'activistes, Guillaume dévoile ses actions clandestines, interrogeant ainsi nos choix et leur impact sur la société. Cette contribution exhorte à remettre en question les rouages du quotidien, éveillant la conscience collective face à l'immuabilité du capitalisme. Une réflexion urgente sur l'avenir de ces mouvements contestataires et leur capacité à résister à l'emprise du système.
Entre doutes et convictions, Louis-Philippe Caimoy et Thomas Giroud entament un dialogue profond, balayant l'engagement politique et la quête de sens des nouvelles générations. Au cœur de leurs échanges, les paroles brutes d'un ami commun, recueillies lors d'une rencontre récente, contrastent avec la vie tourmentée de Guillaume, infirmier parisien en quête de simplicité et de rébellion. Engagé dans un groupe d'activistes, Guillaume dévoile ses actions clandestines, interrogeant ainsi nos choix et leur impact sur la société. Cette contribution exhorte à remettre en question les rouages du quotidien, éveillant la conscience collective face à l'immuabilité du capitalisme. Une réflexion urgente sur l'avenir de ces mouvements contestataires et leur capacité à résister à l'emprise du système.
BIOGRAPHIE
Géographe-aménageur, Louis est un homme de petit format passionné par les problèmes d'échelle. Préférant la définition de l’urbanisme comme une sensibilité et un prisme de lecture commun à divers enjeux, qu’ils soient sociaux, économiques, politiques, géographiques ou historiques, rapportés aux territoires urbains, et moins comme discipline à part entière, il apprécie l’analyse des objets et des phénomènes territoriaux comme l’invitation à la réflexion sur la construction des sociétés. Si l’espace matériel, constitué par le bâti et le non-bâti, forme un contenant tridimensionnel, une enveloppe physique, le contenu immatériel et temporel qui en émane, soit l’identité et l’usage, est un produit politique, qui y trouve sa manifestation. Ses recherches et ses travaux portant sur l’espace public, les projets urbains et le développement territorial sont motivés par l’étude de la liberté et de l’égalité, la confrontation des pouvoirs et la place du citoyen.
Géographe-aménageur, Louis est un homme de petit format passionné par les problèmes d'échelle. Préférant la définition de l’urbanisme comme une sensibilité et un prisme de lecture commun à divers enjeux, qu’ils soient sociaux, économiques, politiques, géographiques ou historiques, rapportés aux territoires urbains, et moins comme discipline à part entière, il apprécie l’analyse des objets et des phénomènes territoriaux comme l’invitation à la réflexion sur la construction des sociétés. Si l’espace matériel, constitué par le bâti et le non-bâti, forme un contenant tridimensionnel, une enveloppe physique, le contenu immatériel et temporel qui en émane, soit l’identité et l’usage, est un produit politique, qui y trouve sa manifestation. Ses recherches et ses travaux portant sur l’espace public, les projets urbains et le développement territorial sont motivés par l’étude de la liberté et de l’égalité, la confrontation des pouvoirs et la place du citoyen.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
8 pages
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8 pages
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ENFERMÉS DEHORS
John Hamon
«
Je n’ai rien contre les fonctionnaires, mais ils ne peuvent pas prétendre faire l’Art. Jusqu’à preuve du contraire, ce sont les artistes qui font et doivent faire l’Art. C’est pour cela que j’ai entrepris une forme de lutte de pouvoir avec des dirigeants d’institutions culturelles et que je suis dans un rapport où je m’impose pour justement reprendre cette liberté que l’artiste a perdu.
»
PRÉFACE
Plongez dans l'univers singulier de John Hamon, artiste français énigmatique, à travers cet entretien illustré. De Paris à travers le monde, il déploie son art subversif, piratant monuments et espaces publics pour faire résonner son message. Au-delà du portrait juvénile qui le représente, découvrez ses convictions, sa lutte contre l'immobilisme culturel et la marchandisation de l'art contemporain. Un pirate au dessein noble : la liberté artistique et l'émergence des talents français. Sa prochaine exposition se profile, tandis que ses images ornent déjà ces pages, un écho à son audace.
Plongez dans l'univers singulier de John Hamon, artiste français énigmatique, à travers cet entretien illustré. De Paris à travers le monde, il déploie son art subversif, piratant monuments et espaces publics pour faire résonner son message. Au-delà du portrait juvénile qui le représente, découvrez ses convictions, sa lutte contre l'immobilisme culturel et la marchandisation de l'art contemporain. Un pirate au dessein noble : la liberté artistique et l'émergence des talents français. Sa prochaine exposition se profile, tandis que ses images ornent déjà ces pages, un écho à son audace.
BIOGRAPHIE
Artiste français actif depuis l’an 2000, il s’est inspiré des méthodes du graffiti, de l’affichage publicitaire et politique afin de construire sa démarche autour de la notion de promotion. À partir d’une photo d’identité prise à 17 ans, il conçoit des campagnes d’affichages massives dans la rue, ainsi que des projections impressionnantes sur des monuments publics et institutions. John Hamon impose l’expérience artistique par la reproduction constante et la diffusion continue de son travail, dont découlera rapidement sa notoriété.
Il réalise régulièrement des expositions piratant des hauts lieux de mise en valeur de la culture, attirant l’attention sur la normalisation de la création par les politiques culturelles et le marché de l’art. L’artiste polymorphe défend la formule « C’est la promotion qui fait l’artiste ou le degré zéro de l’art » instituant la promotion en action artistique.
Artiste français actif depuis l’an 2000, il s’est inspiré des méthodes du graffiti, de l’affichage publicitaire et politique afin de construire sa démarche autour de la notion de promotion. À partir d’une photo d’identité prise à 17 ans, il conçoit des campagnes d’affichages massives dans la rue, ainsi que des projections impressionnantes sur des monuments publics et institutions. John Hamon impose l’expérience artistique par la reproduction constante et la diffusion continue de son travail, dont découlera rapidement sa notoriété.
Il réalise régulièrement des expositions piratant des hauts lieux de mise en valeur de la culture, attirant l’attention sur la normalisation de la création par les politiques culturelles et le marché de l’art. L’artiste polymorphe défend la formule « C’est la promotion qui fait l’artiste ou le degré zéro de l’art » instituant la promotion en action artistique.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
8 pages
Revue papier
Article numérique
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L'ARCHITECTURE MONDIALISÉE
Nicolas Houssais
«
Aujourd’hui tout doit se mouvoir rapidement, même l’Architecture. Nous la consommons comme nos repas au fast food et ce piratage pourrait avoir un nom, celui de la fast architecture. « S’il vous plaît un menu maxi best of, un Bigness, une grande Burj Dubaï, de la sauce Guggenheim et un coca-OMA à emporter. » Voici à quoi pourrait ressembler aujourd’hui une visite architecturale : une dégustation sur le pouce qui dure le temps d’un snapchat.
»
PRÉFACE
Nicolas Houssais dévoile dans cet ouvrage une critique perspicace de l'architecture actuelle. Dénonçant l'impact de la mondialisation sur notre cadre de vie, il expose avec engagement les dérives d'une discipline capturée par des figures obsolètes. À travers une analyse thématique des comportements contemporains, il appelle à une résistance contre ces architectes mégalomanes, préférant une quête humble et sensuelle d'une architecture vivante. Refusant les solutions toutes faites, il opte pour l'ironie subversive des caricatures, piratant l'actualité pour révéler l'absurdité de certaines créations. Un texte percutant où marques et publicités deviennent les pirates d'une lecture éclairée sur notre environnement bâti.
Nicolas Houssais dévoile dans cet ouvrage une critique perspicace de l'architecture actuelle. Dénonçant l'impact de la mondialisation sur notre cadre de vie, il expose avec engagement les dérives d'une discipline capturée par des figures obsolètes. À travers une analyse thématique des comportements contemporains, il appelle à une résistance contre ces architectes mégalomanes, préférant une quête humble et sensuelle d'une architecture vivante. Refusant les solutions toutes faites, il opte pour l'ironie subversive des caricatures, piratant l'actualité pour révéler l'absurdité de certaines créations. Un texte percutant où marques et publicités deviennent les pirates d'une lecture éclairée sur notre environnement bâti.
BIOGRAPHIE
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
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Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
11 pages
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Article numérique
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
11 pages
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Article numérique
FLAG AND SCAFFOLDING
Olivier Goethals
«
My practice revolves a lot around spatial interventions. They are mostly self-built structures which relate directly to the existing built environment. The object of interest hence becomes the redefined, charged space between the new and the given. I aim to maximize the potential of space by creating open environments for future use; new stages for prospective happenings.
»
PRÉFACE
Découvrez Olivier Goethals, architecte et artiste belge, à travers cet entretien. Les auteurs explorent son œuvre à travers le prisme du navire pirate, mettant en lumière ses motifs récurrents : les pavillons flottants et les vigies. À travers installations et scénographies, Goethals déploie son art à Gand, notamment à la galerie 019. Cet espace devient son terrain d'expérimentation, où il détourne les médiums traditionnels pour livrer une critique sociale subtile. Plongez au cœur de sa pratique, entre piraterie artistique et réflexion sur notre société, dans cet entretien captivant.
Découvrez Olivier Goethals, architecte et artiste belge, à travers cet entretien. Les auteurs explorent son œuvre à travers le prisme du navire pirate, mettant en lumière ses motifs récurrents : les pavillons flottants et les vigies. À travers installations et scénographies, Goethals déploie son art à Gand, notamment à la galerie 019. Cet espace devient son terrain d'expérimentation, où il détourne les médiums traditionnels pour livrer une critique sociale subtile. Plongez au cœur de sa pratique, entre piraterie artistique et réflexion sur notre société, dans cet entretien captivant.
BIOGRAPHIE
Architecte et artiste belge, son travail interroge le lien entre l’espace physique et la conscience. Il a collaboré avec l’agence De Vylder Vinck Taillieu de 2008 à 2016. Il enseigne l’architecture à l’université KU Leuven et il est en charge de la conception ainsi que de la réalisation des inter- ventions spatiales pour le collectif d’art 019 à Gand. Ces installations artistiques commes ses scénographies ont été exposées dans de nombreux lieux en Europe : Z33 et le CIAP à Hasselt, Extra City et la Galerie Marion De Cannière à Anvers, au NUCLEO et au SMAK à Gand et au Palais De Tokyo à Paris. Il a été jury invité à l’ETH Zurich, à la RU ainsi qu’au LUCA, école d’arts expérimentale.
Architecte et artiste belge, son travail interroge le lien entre l’espace physique et la conscience. Il a collaboré avec l’agence De Vylder Vinck Taillieu de 2008 à 2016. Il enseigne l’architecture à l’université KU Leuven et il est en charge de la conception ainsi que de la réalisation des inter- ventions spatiales pour le collectif d’art 019 à Gand. Ces installations artistiques commes ses scénographies ont été exposées dans de nombreux lieux en Europe : Z33 et le CIAP à Hasselt, Extra City et la Galerie Marion De Cannière à Anvers, au NUCLEO et au SMAK à Gand et au Palais De Tokyo à Paris. Il a été jury invité à l’ETH Zurich, à la RU ainsi qu’au LUCA, école d’arts expérimentale.
INFOS
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
10 pages
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Article numérique
Publié en 2020 dans
POLYGONE n°0 — Pirate
10 pages
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Article numérique
BLACK FLAG VERSUS RED TAPE
Paul Watson
«
In the Eighties, the people we oppose would call us pirates. As a student of Aikido, I realized that the most positive way to address this accusation was to embrace it. I suppose in the early days we did act as vigilantes. We are not protesters. We intervene against illegal activities and we do so without causing injury. (...) Governments do not solve problems. Governments tend to create problems. Change comes about through the passion, imagination and courage of individuals.
»
PRÉFACE
Cette contribution présente Paul Watson, militant écolo et antispéciste. Un texte introductif en français dépeint les actions de Sea Shepherd Conservation Society. Suivant, un entretien en anglais dévoile les activités de Watson et son équipe, qui réinventent la piraterie pour protéger la faune marine. Malgré son refuge en France depuis 2015, Watson reste actif dans la défense des océans.
Cette contribution présente Paul Watson, militant écolo et antispéciste. Un texte introductif en français dépeint les actions de Sea Shepherd Conservation Society. Suivant, un entretien en anglais dévoile les activités de Watson et son équipe, qui réinventent la piraterie pour protéger la faune marine. Malgré son refuge en France depuis 2015, Watson reste actif dans la défense des océans.
BIOGRAPHIE
Militant écologiste et antispéciste canadien, il rejoint Greenpeace dans les années 1970 et participe à diverses actions prégnantes dont la théâtralité assumée attise la curiosité d’une sphère médiathèque encore néophyte sur la question de la sauvegarde environnementale. En désaccord avec l’organisation, il fonde en 1977 sa propre ONG de conservation de la faune et de la flore marine : Sea Shepherd Conservation Society. Adepte des opérations coup de poing médiatisées et prônant une « non-violence agressive », il mène de nombreuses actions périlleuses contre les bateaux baleiniers.
Militant écologiste et antispéciste canadien, il rejoint Greenpeace dans les années 1970 et participe à diverses actions prégnantes dont la théâtralité assumée attise la curiosité d’une sphère médiathèque encore néophyte sur la question de la sauvegarde environnementale. En désaccord avec l’organisation, il fonde en 1977 sa propre ONG de conservation de la faune et de la flore marine : Sea Shepherd Conservation Society. Adepte des opérations coup de poing médiatisées et prônant une « non-violence agressive », il mène de nombreuses actions périlleuses contre les bateaux baleiniers.
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LES MISÉRABLES 2.0
Camille
«
Cher Victor, ce matin, (...) c’est un constat misérable qui me ramène à vous. Que penseriez-vous de l’Europe et de tous ces Eurocrates si bien habillés ? Quel regard porteriez-vous sur les idéalistes, qui comme moi, marchant dans les pas de H.D Thoreau préfèrent « cultiver le respect du bien plutôt que le respect de la loi » ? Des idéalistes devenus Pirates, coupables d’enfreindre des lois par de simples gestes de solidarité, illustrant un refus de passivité face à une inégalité écœurante.
»
PRÉFACE
Camille adresse une lettre poignante à Victor Hugo, esquissant une relation épistolaire impossible avec l'écrivain décédé en 1885. Critiquant une Europe contemporaine désunie, elle souligne la lutte pour l'égalité menée par des pirates idéalistes, dépassant les lois pour la solidarité humaine. Elle relate une expérience bouleversante, gérant des réfugiés dans un lieu transformé en école de fortune par des pirates humanitaires. Une histoire vraie débutant en 2019 à Athènes, avec Basir, jeune réfugié afghan, mais sans un dénouement heureux.
Camille adresse une lettre poignante à Victor Hugo, esquissant une relation épistolaire impossible avec l'écrivain décédé en 1885. Critiquant une Europe contemporaine désunie, elle souligne la lutte pour l'égalité menée par des pirates idéalistes, dépassant les lois pour la solidarité humaine. Elle relate une expérience bouleversante, gérant des réfugiés dans un lieu transformé en école de fortune par des pirates humanitaires. Une histoire vraie débutant en 2019 à Athènes, avec Basir, jeune réfugié afghan, mais sans un dénouement heureux.
BIOGRAPHIE
Educatrice spécialisée, Camille, s’est formée à Bruxelles afin de travailler dans le domaine de l’insertion sociale des personnes issues de l’immigration. En 2016 elle s’engage auprès des exilés sur le sol grec, marquant la genèse d’une prise de conscience aiguë sur la situation en méditerranée. De ce cinglant constat, elle décide de s’engager pleinement et devient activiste en s’impliquant dans divers pays de l’Union européenne.
Après un stage au Parlement européen en 2018, elle repart pour la Grèce où elle met en place un projet d’éducation « non formel » dans un camp « non officiel » pour des personnes migrantes « déracinées ». Elle a fait le choix de l’anonymat au regard d’initiatives qu’elle a été contrainte de prendre durant son passage dans le camp pour venir en aide à des mineurs et leurs familles.
Educatrice spécialisée, Camille, s’est formée à Bruxelles afin de travailler dans le domaine de l’insertion sociale des personnes issues de l’immigration. En 2016 elle s’engage auprès des exilés sur le sol grec, marquant la genèse d’une prise de conscience aiguë sur la situation en méditerranée. De ce cinglant constat, elle décide de s’engager pleinement et devient activiste en s’impliquant dans divers pays de l’Union européenne.
Après un stage au Parlement européen en 2018, elle repart pour la Grèce où elle met en place un projet d’éducation « non formel » dans un camp « non officiel » pour des personnes migrantes « déracinées ». Elle a fait le choix de l’anonymat au regard d’initiatives qu’elle a été contrainte de prendre durant son passage dans le camp pour venir en aide à des mineurs et leurs familles.
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RADIO SMAT
SMAT
«
Certains jugent la musique électronique comme un mouvement alternatif résumé par un simple « boum-boum » envahissant et désagréable. D’autres sauront reconnaître le BPM et trépignent d’impatience à l’approche du « climax ». La plateforme Radio 4000 regroupe des musiques accessibles via des liens Youtube ou Soundcloud. Cette dernière vise à partager des playlists-radio, sans publicité, fabriquées par des humains et non par des algorithmes.
»
PRÉFACE
Plongez dans l'univers fascinant de Radio Smat, l'œuvre d'une architecte et pirate anonyme. Découvrez cette radio unique sur la plateforme radio4000.com/polygone, un refuge de musique électronique hors des sentiers battus. Écoutez des trésors sonores du monde entier, sélectionnés avec soin par Smat, qui délaisse la musique commerciale pour vous offrir une expérience musicale authentique. Explorez un éventail de genres, des beats enivrants de la Techno aux mélodies envoûtantes de l'Ambient. Plongez dans les sets captivants des nuits berlinoises et laissez-vous emporter par l'esprit de la liberté et de l'expérimentation. Rejoignez la révolution musicale en créant votre propre radio sur cette plateforme ouverte, où le partage est roi et la créativité règne en maître.
Plongez dans l'univers fascinant de Radio Smat, l'œuvre d'une architecte et pirate anonyme. Découvrez cette radio unique sur la plateforme radio4000.com/polygone, un refuge de musique électronique hors des sentiers battus. Écoutez des trésors sonores du monde entier, sélectionnés avec soin par Smat, qui délaisse la musique commerciale pour vous offrir une expérience musicale authentique. Explorez un éventail de genres, des beats enivrants de la Techno aux mélodies envoûtantes de l'Ambient. Plongez dans les sets captivants des nuits berlinoises et laissez-vous emporter par l'esprit de la liberté et de l'expérimentation. Rejoignez la révolution musicale en créant votre propre radio sur cette plateforme ouverte, où le partage est roi et la créativité règne en maître.
BIOGRAPHIE
Basée à Berlin, étudiante en architecture, Smat une pirate anonyme.
Inspirée par la capitale allemande et sa musique, elle développe au travers de sa radio éponyme Radio Smat un véritable cabinet de curiosités musicales. Diggeuse inconditionnelle de sonorités électroniques allant de la minimal techno à la melodic house en passant par l’ambiant jazz, elle nous livre une sélection éclectique, esquissant les contours de son Trésor virtuel.
Basée à Berlin, étudiante en architecture, Smat une pirate anonyme.
Inspirée par la capitale allemande et sa musique, elle développe au travers de sa radio éponyme Radio Smat un véritable cabinet de curiosités musicales. Diggeuse inconditionnelle de sonorités électroniques allant de la minimal techno à la melodic house en passant par l’ambiant jazz, elle nous livre une sélection éclectique, esquissant les contours de son Trésor virtuel.
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Article numérique
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GESTALT
Thomas Lang
«
Je mets en place la structure, tel un outil de contrôle. Je prends le temps, j’observe, je calcule, je définis mon cadre, un début, une fin. Puis je me lance dans la déconstruction de mon sujet, trente-six fois, trente-six morceaux aux dimensions parfaitement identiques. Faire tout mon possible pour respecter la matrice, et accepter l’accident, source d’une beauté imprévisible.
»
PRÉFACE
Dans cette exposition, Thomas Lang dévoile une série de photographies accompagnées d'un texte éclairant sa démarche artistique. Inspiré par David Hockney, il fusionne collages et polaroids, explorant ainsi le concept de Gestalt. Contournant les normes, il transforme les négatifs en sculptures visuelles, révélant une nouvelle perception des sujets. Ses créations, tantôt ordonnées, tantôt chaotiques, révèlent le processus artistique comme l'essence même de l'œuvre. Un jeu où règles et transgressions se mêlent habilement.
Dans cette exposition, Thomas Lang dévoile une série de photographies accompagnées d'un texte éclairant sa démarche artistique. Inspiré par David Hockney, il fusionne collages et polaroids, explorant ainsi le concept de Gestalt. Contournant les normes, il transforme les négatifs en sculptures visuelles, révélant une nouvelle perception des sujets. Ses créations, tantôt ordonnées, tantôt chaotiques, révèlent le processus artistique comme l'essence même de l'œuvre. Un jeu où règles et transgressions se mêlent habilement.
BIOGRAPHIE
Photographe indépendant depuis plus de 10 ans, il vit et travaille à Lisbonne. Il réalise essentiellement des portraits et des images d’architecture.
Il cherche dans ses photographies à trouver un équilibre entre le sujet et son environnement, pour raconter une histoire et donner les clés pour imaginer le hors champs.
Photographe indépendant depuis plus de 10 ans, il vit et travaille à Lisbonne. Il réalise essentiellement des portraits et des images d’architecture.
Il cherche dans ses photographies à trouver un équilibre entre le sujet et son environnement, pour raconter une histoire et donner les clés pour imaginer le hors champs.
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PIRATONS-LAVEUR
Gab Bois
«
L’acte de détourner le sens originel d’un sujet, afin de lui en donner un nouveau, se situe au départ de mes projets : que ce soit en jumelant deux sujets banals pour leur trouver un sens commun ou en plaçant le sujet dans un environnement inattendu. Je suis attachée à l’idée que les images que je produis doivent rester artisanales dans leur fabrication, ce qui leur permet d’outrepasser leur rôle de représentation et de véhiculer un message qui convoque la réminiscence.
»
PRÉFACE
Dans cet ouvrage, Gab Bois, artiste canadienne énigmatique, expose ses photomontages audacieux, disséminés sur son célèbre compte Instagram. À travers des actes de piraterie visuelle, elle détourne les clichés de notre société contemporaine, défiant les normes et les conventions. Ses créations, mêlant humour, ironie et réflexion, explorent l'image, l'instantanéité et la féminité, tout en rendant hommage aux pionnières de l'art corporel. Une plongée captivante dans l'univers subversif d'une artiste visionnaire.
Dans cet ouvrage, Gab Bois, artiste canadienne énigmatique, expose ses photomontages audacieux, disséminés sur son célèbre compte Instagram. À travers des actes de piraterie visuelle, elle détourne les clichés de notre société contemporaine, défiant les normes et les conventions. Ses créations, mêlant humour, ironie et réflexion, explorent l'image, l'instantanéité et la féminité, tout en rendant hommage aux pionnières de l'art corporel. Une plongée captivante dans l'univers subversif d'une artiste visionnaire.
BIOGRAPHIE
Artiste montréalaise, sa pratique se concentre essentiellement sur la photographie. Elle maîtrise l'art de brouiller les lignes entre la réalité et la fiction. Elle se met en scène dans des compositions visuelles évocatrices où le spectateur est exposé à la vision de signes et symboles utilisés dans la société de consommation actuelle. Gab Bois a participé à plusieurs expositions collectives et individuelles, dont le Chromatic Festival à Montréal ou le No Commission lors d'Art Basel à Miami. En 2019, Gab Bois s’est offerte une visibilité plus large en collaborant avec plusieurs marques de haute couture à travers son projet Sugar Rush. Ses projets ont été publiés dans divers magazines de renommée internationale tels que WWD, Cosmopolitan, Dazed Digital, I-D et Vogue.
Artiste montréalaise, sa pratique se concentre essentiellement sur la photographie. Elle maîtrise l'art de brouiller les lignes entre la réalité et la fiction. Elle se met en scène dans des compositions visuelles évocatrices où le spectateur est exposé à la vision de signes et symboles utilisés dans la société de consommation actuelle. Gab Bois a participé à plusieurs expositions collectives et individuelles, dont le Chromatic Festival à Montréal ou le No Commission lors d'Art Basel à Miami. En 2019, Gab Bois s’est offerte une visibilité plus large en collaborant avec plusieurs marques de haute couture à travers son projet Sugar Rush. Ses projets ont été publiés dans divers magazines de renommée internationale tels que WWD, Cosmopolitan, Dazed Digital, I-D et Vogue.
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CASSER LA BARAQUE
Alexandre Pachiaudi
«
Une multitude d’objets et de signes sont apparus dans la ville pour informer, interdire ou canaliser, etc. Des éléments devenus si naturels et quasi universels que nous les oublions. Des différences culturelles existent : les codes au Japon ne sont pas les mêmes qu’en France et certains pays ont besoin d’un plus fort rappel aux règles que d’autres (...). En général, ce sont les symboles de la richesse ou de l’expression du pouvoir qui sont les cibles de vandalisme, pas ceux présentés ici.
»
PRÉFACE
Alexandre Pachiaudi, architecte, dévoile à travers une série de photographies un jeu subtil entre un modèle et les altérations volontaires ou fortuites des éléments urbains à Paris et Bruxelles. Malgré l'illégalité des actes de vandalisme qu'ils représentent, sa démarche se révèle ludique et humoristique. Elle offre une perspective décalée sur les dommages urbains, éveillant ainsi une réflexion sur notre rapport à l'espace public. Par la mise en scène de ces incidents, l'auteur questionne la piraterie urbaine, tout en critiquant l'incivilité omniprésente dans la lecture et l'usage des éléments. Cette œuvre interpelle sur la coexistence entre la violence des usages et celle du mobilier urbain, interrogeant notre rapport à la cité et à ses règles.
Alexandre Pachiaudi, architecte, dévoile à travers une série de photographies un jeu subtil entre un modèle et les altérations volontaires ou fortuites des éléments urbains à Paris et Bruxelles. Malgré l'illégalité des actes de vandalisme qu'ils représentent, sa démarche se révèle ludique et humoristique. Elle offre une perspective décalée sur les dommages urbains, éveillant ainsi une réflexion sur notre rapport à l'espace public. Par la mise en scène de ces incidents, l'auteur questionne la piraterie urbaine, tout en critiquant l'incivilité omniprésente dans la lecture et l'usage des éléments. Cette œuvre interpelle sur la coexistence entre la violence des usages et celle du mobilier urbain, interrogeant notre rapport à la cité et à ses règles.
BIOGRAPHIE
Architecte diplômé de l'École Spéciale d’Architecture (ESA) en 2007, il a collaboré par la suite avec les agences de Frédéric Borel et d’Hérault-Arnod à Paris et Grenoble. Il continue sa pratique d’architecte au sein du cabinet Renzo Piano Building Workshop, en suivant le projet de la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé.
Il a entretenu en parallèle une recherche spéculative sur la fine frontière des milieux de l’art et de l’architecture via OzCollective entre 2004 et 2013. Il enseigne à l’École Spéciale d’architecture, la fabrication digitale (2011-2017) puis en tant que professeur d’atelier (2017-2018).
Architecte diplômé de l'École Spéciale d’Architecture (ESA) en 2007, il a collaboré par la suite avec les agences de Frédéric Borel et d’Hérault-Arnod à Paris et Grenoble. Il continue sa pratique d’architecte au sein du cabinet Renzo Piano Building Workshop, en suivant le projet de la Fondation Jérôme Seydoux-Pathé.
Il a entretenu en parallèle une recherche spéculative sur la fine frontière des milieux de l’art et de l’architecture via OzCollective entre 2004 et 2013. Il enseigne à l’École Spéciale d’architecture, la fabrication digitale (2011-2017) puis en tant que professeur d’atelier (2017-2018).
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PUBLICITÉS
Berger & Berger
p.19 : REMSTALER — moebel interior design 8 - 1966 august
p.29 : EVERITUBE — l’architecture d’aujourd’hui 121 - juin-juillet 1965 - Suisse
p.63 : PORTE ÉLÉPHANT — techniques et architecture - 25e série - N°1 - décembre 1964 - Constructions universitaires et scolaires
p.71 : DI-TRAS — Domus 523 - giugno 1973
p.89 : TRANSEX — thermotube WICU - l’architecture d’aujourd’hui 120 - avril-mai 1965 - l’habitat dans le monde
p.104 : KNOLL INTERNATIONAL — Domus 526 - settembre 1973
p.149 : CARRIER INTERNATIONAL LIMITED — l’architecture d’aujourd’hui 120 - avril-mai 1965 - l’habitat dans le monde
p. 159 : NOVOPAN LEROY — techniques et architecture - 25e série - N°1 - décembre 1964 - Constructions universitaires et scolaires
p. 174 : LÜBKE — moebel interior design 5 - mai 1966
p. 217 : ROTRING — techniques & architecture 310 - août-septembre 1976 - Ruptures dans l’architecture du spectacle
p. 219 : LE CANADIAN — l’architecture d’aujourd’hui 120 - avril-mai 1965 - l’habitat dans le monde
p. 229 : SAINT GOBAIN — vitrage isolant SUPERTRIVER - l’architecture d’aujourd’hui 144 - juin-juillet 1969 - Actualités France
p.251 : SCHWARTZ HAUTMONT — l’architecture d’aujourd’hui 120 - avril-mai 1965 - l’habitat dans le monde
p.262 : TEUCO — Rassegna 48 - 1992 - (Ponts urbanisés)
p.272 : TRIPLEX — techniques et architecture - 25e série N°1 - décembre 1964 - Constructions universitaires et scolaires
p.298 : SONISOREL — l’architecture d’aujourd’hui 120 - avril-mai 1965 - l’habitat dans le monde
p.301 : CIMT — l’architecture d’aujourd’hui 112 - février-mars 1964 - Détente Loisirs Évasion
p.309 : SAINT GOBAIN — PLANILUX 8 - Domus 523 - giugno 1973
p.310 : IGUZZINI - REFLEX ORBITALI — l’architecture d’aujourd’hui 314 - décembre 1997
p.319 : HYGIAPHONE — l’architecture d’aujourd’hui 112 - février-mars 1964 - Détente Loisirs Évasion
p.29 : EVERITUBE — l’architecture d’aujourd’hui 121 - juin-juillet 1965 - Suisse
p.63 : PORTE ÉLÉPHANT — techniques et architecture - 25e série - N°1 - décembre 1964 - Constructions universitaires et scolaires
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p.251 : SCHWARTZ HAUTMONT — l’architecture d’aujourd’hui 120 - avril-mai 1965 - l’habitat dans le monde
p.262 : TEUCO — Rassegna 48 - 1992 - (Ponts urbanisés)
p.272 : TRIPLEX — techniques et architecture - 25e série N°1 - décembre 1964 - Constructions universitaires et scolaires
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PRÉFACE
Plongez dans une collection singulière, fruit de la passion de Laurent et Cyrille Berger, explorant les publicités architecturales des années 1950 à 1990. Cette sélection, issue de revues françaises, allemandes et italiennes, transcende les frontières temporelles pour offrir une réflexion équilibrée, éclectique et décalée. Ces trésors visuels interpellent l'histoire des publicités dans l'architecture et esquissent un regard critique sur la représentation de la femme et de l'architecte. En perturbant subtilement la structure éditoriale, cette collection piratée offre une lecture ludique et rétroactive, tissant un dialogue entre passé et présent, formant ainsi un étonnant logement idéal.
Plongez dans une collection singulière, fruit de la passion de Laurent et Cyrille Berger, explorant les publicités architecturales des années 1950 à 1990. Cette sélection, issue de revues françaises, allemandes et italiennes, transcende les frontières temporelles pour offrir une réflexion équilibrée, éclectique et décalée. Ces trésors visuels interpellent l'histoire des publicités dans l'architecture et esquissent un regard critique sur la représentation de la femme et de l'architecte. En perturbant subtilement la structure éditoriale, cette collection piratée offre une lecture ludique et rétroactive, tissant un dialogue entre passé et présent, formant ainsi un étonnant logement idéal.
BIOGRAPHIE
Laurent P. Berger, artiste diplômé de l'ENSAD et Cyrille Berger, architecte diplômé de l'ENSA Paris la Villette, collaborent depuis 2006 sous le nom de Berger & Berger. Le travail de Laurent P. Berger a été présenté dans de nombreuses expositions internationales (Rome, New-York, Vienne, etc). Le travail de Cyrille Berger a été exposé à la Biennale de Venise en 2009 ainsi qu'à la 5ème biennale Européenne de Paysagisme à Barcelone. En 2008, l’agence Berger & Berger est lauréate du prix des Nouveaux Albums des Jeunes Architectes (AJAP). Ils conçoivent actuellement l'œuvre de la gare d'Aulnay en tandem avec l'architecte Aldric Beckmann.
Laurent P. Berger, artiste diplômé de l'ENSAD et Cyrille Berger, architecte diplômé de l'ENSA Paris la Villette, collaborent depuis 2006 sous le nom de Berger & Berger. Le travail de Laurent P. Berger a été présenté dans de nombreuses expositions internationales (Rome, New-York, Vienne, etc). Le travail de Cyrille Berger a été exposé à la Biennale de Venise en 2009 ainsi qu'à la 5ème biennale Européenne de Paysagisme à Barcelone. En 2008, l’agence Berger & Berger est lauréate du prix des Nouveaux Albums des Jeunes Architectes (AJAP). Ils conçoivent actuellement l'œuvre de la gare d'Aulnay en tandem avec l'architecte Aldric Beckmann.
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OÙ EST CARLOS GHOSN ?
Quentin Dejonghe
«
Carlos Ghosn, joufflu à l’accoutumé, nous est apparu l’air émacié à sa sortie des geôles nippones fin 2019. Costume sombre bien taillé, les sourcils épais en accent circonflexe, eux, mal taillés, Carlos arpente tout penaud le carrefour Hachiko à Shibuya, arrondissement du sud-est Tokyoïte. Valise en main, il tente de se frayer un chemin entre les salaryman avinés essayant non sans mal de retrouver le chemin de leurs maisons. Saurez-vous trouver Carlos dans cette fourmilière ? Carlos Gone.
»
PRÉFACE
Quentin Dejonghe offre une réinterprétation astucieuse de Où est Charlie ?, transformant l'effervescence de Shibuya en toile de fond. Loin de Charlie, c'est Carlos Ghosn qui se cache dans cette scène, jouant avec ironie la saga du PDG évadé. Entre jeux de mots et références, Dejonghe tisse un récit où le spectateur est invité à dénicher non seulement Ghosn, mais aussi des clins d'œil artistiques disséminés. Une exploration ludique et captivante dans une POLYGONE City virtuelle où chaque détail compte. Une exposition à part entière dans un espace éditorial, où la chasse au trésor est ouverte à toutes et à tous.
Quentin Dejonghe offre une réinterprétation astucieuse de Où est Charlie ?, transformant l'effervescence de Shibuya en toile de fond. Loin de Charlie, c'est Carlos Ghosn qui se cache dans cette scène, jouant avec ironie la saga du PDG évadé. Entre jeux de mots et références, Dejonghe tisse un récit où le spectateur est invité à dénicher non seulement Ghosn, mais aussi des clins d'œil artistiques disséminés. Une exploration ludique et captivante dans une POLYGONE City virtuelle où chaque détail compte. Une exposition à part entière dans un espace éditorial, où la chasse au trésor est ouverte à toutes et à tous.
BIOGRAPHIE
Quentin Dejonghe est architecte, coordinateur et curateur éditorial. Il cofonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Nicolas Houssais. Animé par l’écriture comme mode de représentation d’épiphénomènes sociétaux latents et dans lesquels est mise en scène une architecture infra-ordinaire, il porte un regard tendre sur le trivial, l’évident, l’habituel, le bruit de fond en mettant en tension texte et récits visuels. Au sein de ses explorations sémantiques, chaque micro-situation se mue en un prétexte pour stimuler une plus grande échelle.
Quentin Dejonghe est architecte, coordinateur et curateur éditorial. Il cofonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Nicolas Houssais. Animé par l’écriture comme mode de représentation d’épiphénomènes sociétaux latents et dans lesquels est mise en scène une architecture infra-ordinaire, il porte un regard tendre sur le trivial, l’évident, l’habituel, le bruit de fond en mettant en tension texte et récits visuels. Au sein de ses explorations sémantiques, chaque micro-situation se mue en un prétexte pour stimuler une plus grande échelle.
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CORONAVILLE OU LA VILLE DÉCONFINÉE
Nicolas Houssais
«
Chaque habitant passera sa vie en autarcie, dans son unité. Le nouveau monde sera placé sous le signe de l’individualisme et de la virtualité. Le contact physique entre les habitant du Monde seront banni, l’amour n’existera plus et constituera un crime. La reproduction de l’espèce humaine aura lieu en laboratoire après l’envoi séparés des spermatozoïdes et des ovules. Ce système permettra la régulation de la population.
»
PRÉFACE
Pour conclure ce numéro inaugural, Nicolas Houssais, rédacteur en chef de la revue, nous emmène dans Coronaville, une cité dystopique dépeinte avec cynisme à travers un récit illustré. Inspiré par des œuvres comme 1984 d’Orwell et les projets radicaux de Koolhaas, il propose une critique voilée de la gestion de la pandémie et esquisse une contre-utopie à éviter. Ce texte, transformé en un cadavre exquis par le collectif POLYGONE, mêle écriture et illustrations dans un exercice collectif qui referme subtilement les pages de ce projet.
Pour conclure ce numéro inaugural, Nicolas Houssais, rédacteur en chef de la revue, nous emmène dans Coronaville, une cité dystopique dépeinte avec cynisme à travers un récit illustré. Inspiré par des œuvres comme 1984 d’Orwell et les projets radicaux de Koolhaas, il propose une critique voilée de la gestion de la pandémie et esquisse une contre-utopie à éviter. Ce texte, transformé en un cadavre exquis par le collectif POLYGONE, mêle écriture et illustrations dans un exercice collectif qui referme subtilement les pages de ce projet.
BIOGRAPHIE
Nicolas Houssais est architecte et rédacteur en chef. Animé par la capacité critique et pédagogique de l’architecture, le détournement des normes, les mouvements, la mutation du métier et de son enseignement en lien avec les problématiques sociétales, il co-fonde la revue POLYGONE en 2019, puis les éditions éponymes en 2023, avec Quentin Dejonghe.
Architecte DE diplômé depuis 2015 de l’ENSA de Bretagne, il obtient sa HMONP en 2018 au sein de l’ENSA de Nantes. Voguant entre théorie et pratique, il a collaboré avec des agences helvétiques et françaises telles que Dreier&Frenzel et LINK Architectes. Passionné d’écriture et de réflexion théorique sur l’Architecture il a publié un article dans la revue Qui ne dit mot consent en 2015 et oriente sa carrière vers l’enseignement en suivant actuellement le DPEA « Recherches en Architecture », dispensé par l’ENSA de Paris La Villette. Ses recherches portent sur les revues d’architectures françaises de la fin du 20ème siècle.
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